Isang gusaling may bubong na hugis layag. Sydney opera house sa australia - isang barkong naglalayag sa mga alon ng sining

At isang palatandaan ng buong kontinente ng Australia. Ano ang masasabi ko, kahit sa loob ng buong mundo, ito ang isa sa pinakasikat at madaling makilalang mga gusali. Ang parang layag na mga shell na bumubuo sa bubong ng teatro ay ginagawa itong natatangi at hindi katulad ng iba pang istraktura sa Earth. Dahil ang istraktura ay napapaligiran ng tubig sa tatlong panig, ito ay tila isang frigate sailing.

Ang Opera House, kasama ang sikat na Harbour Bridge, ay ang tanda ng Sydney, at, siyempre, ipinagmamalaki ito ng buong Australia. Ang Sydney Opera House ay itinuturing na isang World Heritage Site mula noong 2007 at nasa ilalim ng proteksyon ng UNESCO. Ito ay opisyal na kinikilala bilang isang natitirang konstruksyon ng mundo ng modernong arkitektura.

Kasaysayan ng paglikha

Ang Sydney Opera House (tingnan ang larawan sa artikulo) ay binuksan noong Oktubre 1973 ni Queen Elizabeth II ng England. Ang gusali ay idinisenyo ng isang Danish na arkitekto noong 2003, natanggap niya para dito Ang proyektong iminungkahi ni Utzon ay napaka orihinal, maliwanag at maganda, ang mga hugis bentilador na bubong na matayog sa bay ay nagbigay sa gusali ng isang romantikong hitsura. Tulad ng ipinaliwanag mismo ng arkitekto, ang paglikha ng naturang proyekto ay inspirasyon ng orange peel, pinutol sa mga sektor, kung saan posible na gumawa ng hemispherical at spherical na mga hugis. Sa katunayan, ang lahat ng mapanlikha ay simple! Nabanggit ng mga eksperto na sa una ang proyekto ay hindi nagbigay ng impresyon ng isang tunay na solusyon sa arkitektura, ngunit mas mukhang isang sketch. At gayon pa man, nabuhay ito!

Konstruksyon

Sa lugar kung saan matatagpuan ngayon ang Sydney Opera House (ang teritoryo ng Cape Bennelong), hanggang 1958 mayroong isang simpleng tram depot. Noong 1959, nagsimula ang pagtatayo ng Opera, ngunit makalipas ang pitong taon, noong 1966, iniwan ni Jorn Utzon ang proyekto. Ang mga arkitekto ng kanyang koponan ay patuloy na nagtatrabaho, at ang panlabas ay natapos noong 1967. Kinailangan pa ng anim na taon upang gawing perpekto ang gusali at makumpleto ang gawaing pampalamuti. Hindi man lang inanyayahan si Utzon sa pagbubukas ng teatro noong 1973, at ang tansong plaka na matatagpuan malapit sa pasukan ng gusali ay hindi naglalaman ng kanyang pangalan. Gayunpaman, ang Sydney Opera mismo ay nagsisilbing monumento sa may-akda at lumikha nito, at bawat taon ay umaakit ito ng libu-libong turista mula sa buong mundo. Dapat tandaan na ang gusali ay nakalista sa Guinness Book of Records.

Arkitektura

Ang gusali ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya, ang haba ng istraktura ay 185 metro, at ang lapad ay umabot sa 120 metro. Ang buong gusali ay may bigat na 161 libong tonelada at nakatayo sa 580 na tambak, na ibinaba hanggang dalawampu't limang metro ang lalim sa tubig. Ang Sydney Opera House ay may istilong ekspresyonista na may makabago at radikal na disenyo. Kasama sa frame ng bubong ang dalawang libong kongkretong seksyon na konektado sa bawat isa. Ang buong bubong ay nakasuot ng beige at puting ceramic tile - ang kumbinasyon ng kulay na ito ay lumilikha ng isang kawili-wiling epekto ng paggalaw.

Sa loob ng teatro

Ang Sydney Opera House ay may limang pangunahing bulwagan, na nagho-host ng mga konsiyerto ng symphony, teatro at mga pagtatanghal ng camera, pati na rin ang isang opera at maliliit na yugto ng drama, isang theater studio, isang drama theater, isang simulate na yugto at ang Utzon Room. Ang theater complex ay naglalaman din ng iba pang mga lugar para sa iba't ibang mga kaganapan, isang recording studio, apat na tindahan ng regalo at limang restaurant.

• Ang pangunahing bulwagan ng konsiyerto ay may upuan ng 2,679 na manonood, at naglalaman din ito ng isang symphony orchestra.
• Ang opera stage ay idinisenyo para sa 1,547 na upuan, at ang Australian Ballet at ang Australian Opera ay gumagana rin dito.
• Ang teatro ng drama ay may upuan ng hanggang 544 katao, at ginagamit ng mga artista mula sa Sydney Theater Company at iba pang ensemble.
• Ang Small Drama Stage ay marahil ang pinakakumportableng bulwagan ng Opera. Ito ay dinisenyo para sa 398 na manonood.
• Ang theater studio ay isang variable-configuration hall na kayang tumanggap ng hanggang 400 tao.

Sydney Opera House: Mga Kawili-wiling Katotohanan

Sa Opera ay nakabitin ang pinakamalaking sa mundo, na espesyal na ginawa sa France ayon sa sketch ng artist na si Coburn. Tinatawag itong "Curtain of the Sun and Moon", at ang lugar ng bawat kalahati ay 93 square meters.

Ang pangunahing bulwagan ng konsiyerto ng teatro ay nagtataglay ng pinakamalaking mekanikal na organ sa mundo na may 10.5 libong tubo.

Ang konsumo ng kuryente sa gusali ay katumbas ng isang lungsod na may populasyon na 25,000. 15.5 libong bombilya ang pinapalitan dito bawat taon.

Ang Sydney Opera House ay itinayo higit sa lahat salamat sa mga pondong nalikom mula sa State Lottery.

Bawat taon, ang Opera ay nagho-host ng humigit-kumulang tatlong libong mga konsyerto at iba pang mga kaganapan, na dinaluhan ng hanggang dalawang milyong manonood taun-taon.

Para sa pangkalahatang publiko, ang Sydney Opera House ay bukas 363 araw sa isang taon, ito ay sarado lamang sa Pasko at Biyernes Santo. Sa ibang mga araw, ang Opera ay nagpapatakbo sa buong orasan.

Bagama't napakaganda ng stepped roof ng Opera, hindi ito nagbibigay ng kinakailangang acoustics sa mga concert hall. Ang solusyon sa problema ay ang pagtatayo ng magkakahiwalay na kisame na sumasalamin sa tunog.

Ang teatro ay may sariling opera sa programa, na isinulat tungkol dito. Ang pangalan nito ay "The Eighth Miracle".

Ang unang mang-aawit na gumanap sa Sydney Opera House ay si Paul Robson. Noong 1960, sa puspusang pagtatayo ng teatro, umakyat siya sa entablado at kinanta ang kantang "Ol 'Man River" para sa mga hapunan ng mga manggagawa.

Noong 1980, natanggap ni Arnold Schwarzenegger ang pamagat na "Mr. Olympia" sa kumpetisyon sa bodybuilding sa Main Concert Hall ng teatro.

Noong 1996, nang gumanap ang Crowded House ng isang paalam na konsiyerto sa Sydney Opera House, naitala nito ang pinakamalaking bilang ng mga manonood sa kasaysayan ng teatro. Ang konsiyerto na ito ay nai-broadcast sa buong mundo sa telebisyon.

Sa wakas

Ang Sydney Opera House ay isa sa Seven Wonders of the World. Sa magkabilang panig ng karagatan, maraming mga tao ang dumating sa konklusyon na ito ang pinakamaganda at natitirang istraktura ng mga itinayo noong ikadalawampu siglo. Mahirap hindi sumang-ayon sa pahayag na ito!

Ang Sydney Opera House ay matagal nang naging tanda ng lungsod at simbolo ng Australia. Kahit na ang mga taong malayo sa sining at arkitektura ay alam ang sagot sa tanong kung saan matatagpuan ang pinakamagandang gusali sa ating panahon. Ngunit iilan sa kanila ang may ideya kung ano ang mga paghihirap na hinarap ng mga organizer ng proyekto at kung gaano kataas ang posibilidad ng pagyeyelo nito. Sa likod ng tila magaan at maaliwalas na "House of the Muses", na humahantong sa mga manonood sa lupain ng musika at mga pantasya, may mga nakatago na malalaking pamumuhunan. Ang kasaysayan ng paglikha ng Sydney Opera House ay hindi mababa sa pagka-orihinal sa disenyo nito.

Ang mga pangunahing yugto ng pagtatayo ng Sydney Opera House

Ang nagpasimula ng konstruksiyon ay ang British conductor na si J. Goossens, na nakakuha ng atensyon ng mga awtoridad sa kawalan sa lungsod at sa buong bansa ng isang gusali na may mahusay na kalawakan at acoustics, na may malinaw na interes ng populasyon sa opera at ballet . Sinimulan din niya ang pangangalap ng pondo (1954) at pumili ng isang lugar para sa pagtatayo - Cape Bennelong, na napapaligiran ng tubig sa tatlong panig, na matatagpuan 1 km lamang mula sa gitnang parke. Ang permit sa gusali ay nakuha noong 1955, napapailalim sa isang kumpletong pagtanggi sa pagpopondo sa badyet. Ito ang unang dahilan ng pagkaantala sa konstruksyon: ang mga donasyon at mga nalikom mula sa isang espesyal na inihayag na loterya ay nakolekta sa loob ng halos dalawang dekada.

Ang internasyonal na kompetisyon para sa pinakamahusay na disenyo ng Sydney Opera House ay napanalunan ng Danish na arkitekto na si J. Utzon, na iminungkahi na palamutihan ang daungan ng isang gusali na kahawig ng isang barko na lumilipad sa mga alon. Ang sketch na ipinakita sa komisyon ay mukhang isang sketch; ang may-akda, na hindi gaanong kilala sa oras na iyon, ay hindi talaga umaasa sa panalo. Ngunit ang swerte ay nasa kanyang panig: ang kanyang trabaho ang umapela sa chairman - si Eero Saarinen, isang arkitekto na may hindi masisirang awtoridad sa pagtatayo ng mga pampublikong proyekto. Ang desisyon ay hindi nagkakaisa, ngunit sa huli, ang sketch ni Utzon ay kinikilala bilang ang pinaka-ergonomic, kung ihahambing dito, ang iba pang mga proyekto ay mukhang mahirap at karaniwan. Siya rin ay tumingin kahanga-hanga mula sa lahat ng mga anggulo at isinasaalang-alang ang mga kondisyon ng kapaligiran na may tubig.

Ang konstruksiyon, na nagsimula noong 1959, ay umabot ng 14 na taon sa halip na ang nakaplanong 4 at humingi ng 102 milyong dolyar ng Australia laban sa base 7. Ang mga dahilan ay ipinaliwanag kapwa sa kakulangan ng pondo at sa kahilingan ng mga awtoridad na magdagdag ng 2 higit pang bulwagan sa proyekto. Ang mga shell-sphere na iminungkahi sa orihinal na plano ay hindi kayang tanggapin ang lahat ng mga ito at may mga kakulangan sa acoustic. Kinailangan ng mga taon ng arkitekto upang makahanap ng alternatibong solusyon at ayusin ang mga problema.

Ang mga pagbabago ay may negatibong epekto sa pagtatantya: dahil sa tumaas na bigat ng gusali, ang pundasyong itinayo sa Sydney Harbour ay kinailangang pasabugin at palitan ng bago, kabilang ang 580 tambak. Ito, kasama ng mga bagong kinakailangan para sa pagdaragdag ng mga komersyal na site (gusto ng mga mamumuhunan na makuha ang kanilang bahagi) at ang pagyeyelo ng pagpopondo mula sa lottery ng estado noong 1966, ang naging dahilan upang tumanggi si Utzon mula sa kanyang pinakamahalagang trabaho sa kanyang karera at mula sa pagbisita sa Australia sa hinaharap.

Inakusahan ng mga kalaban ng proyekto ang mga tagapagtayo ng panghoholdap at sa katunayan ay tama sila. Ngunit wala silang pagkakataon na mamuhunan sa paunang 7 milyon: sa oras na iyon sa Australia ay walang lumulutang na kagamitan sa pag-aangat (bawat crane para sa pag-install ng mga beam ay nagkakahalaga ng 100,000 nang mag-isa), maraming mga solusyon ang bago at nangangailangan ng karagdagang pondo. Mahigit sa 2,000 mga nakapirming seksyon ng bubong ang ginawa ayon sa magkahiwalay na mga sketch, ang teknolohiya ay naging magastos at kumplikado.

Ang mga materyales sa glazing at bubong ay iniutos din sa labas. 6,000 m2 ng salamin at higit sa 1 milyong mga yunit ng puti at cream na kulay na mga tile (azulejo) ay ginawa sa mga bansang European sa espesyal na order. Upang makakuha ng perpektong ibabaw ng bubong, ang mga tile ay mechanically fastened, ang kabuuang saklaw na lugar ay 1.62 ektarya. Ang cherry sa itaas ay ang mga espesyal na suspendido na kisame na nawawala sa orihinal na disenyo. Ang mga tagabuo ay hindi nagkaroon ng pagkakataon na makumpleto ang proyekto bago ang 1973.

Paglalarawan ng istraktura, facade at interior decoration

Pagkatapos ng grand opening, ang Sydney Opera House ay mabilis na naiugnay sa mga obra maestra ng Expressionism at sa mga pangunahing atraksyon ng mainland. Nag-flash sa mga poster para sa mga pelikula, magazine at souvenir postcard ang mga larawang may larawan niya. Ang napakalaking (161 libong tonelada) na gusali ay mukhang isang light sailboat o snow-white shell na nagbago ng kanilang lilim noong nagbago ang ilaw. Ang ideya ng may-akda ng pagkuha ng liwanag na nakasisilaw ng araw at paglipat ng mga ulap sa araw at maliwanag na pag-iilaw sa gabi ay ganap na nabigyang-katwiran ang sarili nito: ang harapan ay hindi pa rin nangangailangan ng karagdagang mga dekorasyon.

Ang mga lokal na materyales ay ginamit para sa panloob na dekorasyon: kahoy, playwud at pink na granite. Bilang karagdagan sa 5 pangunahing bulwagan na may kapasidad na hanggang 5738 katao, isang reception hall, maraming restaurant, tindahan, cafe, maraming studio at utility room ang matatagpuan sa loob ng complex. Ang pagiging kumplikado ng layout ay naging maalamat: alam ng lahat sa Sydney ang kuwento ng isang courier na naligaw at umakyat sa entablado na may dalang parsela habang naglalaro.

Mga kagiliw-giliw na katotohanan at kakaiba ng pagbisita

Ang may-akda ng ideya at developer ng pangunahing proyekto, si Jorn Utzon, ay nakatanggap ng maraming prestihiyosong parangal para dito, kasama ang Pritzker noong 2003. Bumagsak din siya sa kasaysayan bilang pangalawang arkitekto, na ang paglikha ay kinilala bilang isang World Heritage Site sa kanyang buhay. Ang kabalintunaan ng sitwasyon ay binubuo hindi lamang sa pagtanggi ni Jorn na magtrabaho sa proyekto 7 taon bago ang graduation at mula sa pagbisita sa Sydney Opera House sa prinsipyo. Ang mga lokal na awtoridad, sa ilang kadahilanan, ay hindi binanggit ang kanyang pangalan sa oras ng pagbubukas at hindi siya ipinahiwatig sa talahanayan ng mga may-akda sa pasukan (na kapansin-pansing naiiba sa gintong medalya na ibinigay sa kanya mula sa Konseho ng mga Arkitekto ng Sydney at iba pang anyo ng pasasalamat mula sa pamayanang kultural).

Dahil sa napakaraming pagbabago at kawalan ng orihinal na plano ng gusali, talagang mahirap suriin ang tunay na kontribusyon ng Utzon. Ngunit siya ang bumuo ng konsepto, inalis ang bulkiness ng istraktura, nalutas ang mga isyu sa lokasyon, secure na pag-aayos ng bubong at ang mga pangunahing problema sa acoustics. Ang mga arkitekto at taga-disenyo ng Australia ay ganap na responsable para sa pagkumpleto ng proyekto at dekorasyon sa loob. Sa opinyon ng maraming eksperto, hindi nila nakayanan ang gawain. Ang ilang gawain sa pagpapabuti at pagpapabuti ng acoustics ay isinasagawa hanggang ngayon.

Ang iba pang mga kagiliw-giliw na katotohanan na may kaugnayan sa pagtuklas at pag-unlad ng complex ay kinabibilangan ng:

• patuloy na pangangailangan at kapunuan. Ang Sydney Opera House ay tumatanggap sa pagitan ng 1.25 at 2 milyong manonood sa isang taon. Imposibleng mabilang ang bilang ng mga turistang darating para sa outdoor photography. Ang mga domestic excursion ay pangunahing isinasagawa sa araw, ang mga nagnanais na dumalo sa mga pagtatanghal sa gabi ay kailangang mag-book ng mga tiket nang maaga;
• multifunctionality. Ang mga opera house, bilang karagdagan sa kanilang pangunahing layunin, ay ginagamit upang ayusin ang mga pagdiriwang, konsiyerto at pagtatanghal ng mga makabuluhang personalidad: mula kay Nelson Mandela hanggang sa Papa;
• ganap na bukas na access para sa mga turista at walang dress code. Ang Sydney Opera House ay tumatanggap ng mga panauhin pitong araw sa isang linggo, maliban sa Pasko at Biyernes Santo;
• pandaigdigang pagkilala sa pagiging natatangi. Ang complex ay nararapat na kasama sa 20 gawa ng tao na mga obra maestra ng ikadalawampu siglo, ang gusaling ito ay kinikilala bilang ang pinakamatagumpay at natitirang konstruksiyon ng modernong arkitektura;
• ang pagkakaroon ng pinakamalaking organ sa mundo na may 10,000 mga tubo sa pangunahing bulwagan ng konsiyerto.

Repertoire at karagdagang mga programa

Ang mga tagahanga ng musikang Ruso ay may lehitimong dahilan upang ipagmalaki: ang unang piyesa na itinanghal sa entablado ng House of Muses ay ang opera ni S. Prokofiev na Digmaan at Kapayapaan. Ngunit ang repertoire ng teatro ay hindi limitado sa opera at symphonic music. Sa lahat ng bulwagan nito, iba't ibang eksena at pagtatanghal ang ginagawa: mula sa mga miniature sa teatro hanggang sa mga festival ng pelikula.

Ang mga asosasyong pangkultura na naka-attach sa complex - ang "Australian Opera" at ang Sydney Theater, ay sikat sa mundo. Mula noong 1974, sa kanilang tulong, ang pinakamahusay na mga produksyon at tagapalabas ay ipinakita sa madla, kabilang ang mga bagong pambansang opera at dula.

Ang tinatayang bilang ng mga kaganapan na gaganapin ay umabot sa 3000 bawat taon. Upang maging pamilyar sa repertoire at mag-order ng mga tiket, dapat mong gamitin ang mga mapagkukunan ng opisyal na website. Ang programa ng Sydney Opera House ay patuloy na umuunlad. Ang diskarte ng digital recording ng kanilang mga pagtatanghal sa mataas na kalidad, na sinundan ng screening sa TV at sa mga sinehan, sa kabila ng mga takot, ay nakaakit ng higit pang mga manonood. Ang pinakamahusay na pagbabago ay kinilala bilang ang pagtatayo sa simula ng bagong milenyo ng isang bukas na lugar Forecourt para sa mga pagtatanghal, palabas at konsiyerto sa baybayin ng Sydney Harbor.

(English Sydney Opera House) - isa sa pinakasikat at madaling makikilalang mga gusali sa mundo, na siyang simbolo ng pinakamalaking lungsod ng Australia, Sydney, at isa sa mga pangunahing atraksyon ng Australia - Ang mga shell na hugis layag na bumubuo sa bubong ay gumagawa nito gusali na hindi katulad ng iba sa mundo. Ang Opera House ay kinikilala bilang isa sa mga natatanging gusali ng modernong arkitektura at mula noong 1973, kasama ang Harbour Bridge, ay naging tanda ng Sydney.

Matatagpuan ang Sydney Opera House sa Sydney Harbour, sa Bennelong Point. Ang lugar na ito ay ipinangalan sa isang Australian aborigine na kaibigan ng unang gobernador ng kolonya. Mahirap isipin ang Sydney na walang Opera, ngunit hanggang 1958 mayroong isang ordinaryong tram depot sa lugar nito (bago ang gusali ng opera, mayroong isang kuta, at pagkatapos ay isang tram depot).

Ang arkitekto ng Opera House ay ang Danish na si Jorn Utzon. Sa kabila ng tagumpay ng konsepto ng mga spherical shell, na nalutas ang lahat ng mga problema ng konstruksiyon, na angkop para sa mass production, tumpak na pagmamanupaktura at kadalian ng pag-install, ang konstruksiyon ay naantala, pangunahin dahil sa interior decoration ng lugar. Pinlano na ang pagtatayo ng Opera ay tatagal ng 4 na taon at nagkakahalaga ng 7 milyong dolyar ng Australia. Sa halip, ang opera ay tumagal ng 14 na taon upang maitayo at nagkakahalaga ng $ 102 milyon!

Ang Sydney Opera House ay isang Expressionist na gusali na may radikal at makabagong disenyo. Ang gusali ay sumasakop sa isang lugar na 2.2 ektarya. Ang taas nito ay 185 metro at ang maximum na lapad nito ay 120 metro. Ang gusali ay tumitimbang ng 161,000 tonelada at nakasalalay sa 580 na tambak, na ibinababa sa tubig sa lalim na halos 25 metro mula sa antas ng dagat. Ang suplay ng kuryente nito ay katumbas ng konsumo ng kuryente ng isang lungsod na may populasyon na 25,000. Ang kuryente ay ipinamamahagi sa 645 kilometro ng cable.

Ang bubong ng opera house ay binubuo ng 2,194 prefabricated na mga seksyon, ang taas nito ay 67 metro, at ang bigat nito ay higit sa 27 tonelada, ang buong istraktura ay hawak ng mga bakal na kable na 350 kilometro ang haba. Ang bubong ng teatro ay nabuo sa pamamagitan ng isang serye ng mga "shells" ng isang di-umiiral na kongkretong globo na 492 talampakan ang diyametro, karaniwang tinutukoy bilang "mga shell" o "mga layag", bagaman ito ay hindi tama mula sa isang arkitektural na kahulugan ng naturang istraktura. . Ang mga shell na ito ay itinayo mula sa precast, hugis tatsulok na kongkretong panel na sinusuportahan ng 32 pre-fabricated ribs ng parehong materyal. Ang lahat ng mga buto-buto ay bahagi ng isang malaking bilog, na nagpapahintulot sa mga balangkas ng mga bubong na magkaroon ng parehong hugis, at ang buong gusali ay isang kumpleto at maayos na hitsura.

Ang buong bubong ay natatakpan ng 1,056,006 azulejo tile sa puti at matt cream na kulay. Bagaman mula sa malayo ang istraktura ay mukhang ganap na gawa sa puting tile, ang mga tile ay lumikha ng iba't ibang mga scheme ng kulay sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw. Salamat sa mekanikal na paraan ng pagtula ng mga tile, ang buong ibabaw ng bubong ay perpektong makinis, na imposible sa manu-manong takip. Ang lahat ng mga tile ay ginawa ng Swedish factory na Höganäs AB gamit ang self-cleaning technology, ngunit sa kabila nito, ang trabaho ay regular na isinasagawa upang linisin at palitan ang ilan sa mga tile.

Ang dalawang pinakamalaking shell vault ay bumubuo sa kisame ng Concert Hall at ng Opera Theater. Sa ibang mga silid, ang mga kisame ay bumubuo ng mga grupo ng mas maliliit na vault.

Ang istraktura ng stepped roof ay napakaganda, ngunit lumikha ng mga problema sa taas sa loob ng gusali, dahil ang nagresultang taas ay hindi nagbibigay ng tamang acoustics sa mga bulwagan. Upang malutas ang problemang ito, ang mga hiwalay na kisame ay ginawa upang ipakita ang tunog. Sa pinakamaliit na lababo, malayo sa pangunahing pasukan at sa pangunahing hagdanan, ay ang Bennelong restaurant.

Ang loob ng gusali ay pinalamutian ng pink na granite na dinala mula sa rehiyon ng Tarana (New South Wales), kahoy at playwud.

Para sa proyektong ito, natanggap ni Utzon ang Pritzker Prize, ang pinakamataas na karangalan sa arkitektura, noong 2003. Ang seremonya ng paggawad ay sinamahan ng mga salitang: "Walang duda na ang Sydney Opera House ang kanyang obra maestra. Isa ito sa mga dakilang iconic na gusali ng ika-20 siglo, isang imahe ng hindi pangkaraniwang kagandahan na naging kilala sa buong mundo - isang simbolo hindi lamang ng lungsod, kundi ng buong bansa at kontinente. . "

Ang Sydney Opera House ay naglalaman ng apat na pangunahing kumpanya sa sining ng Australia - ang Australian Opera, Australian Ballet, The Sydney Theater Company at ang Sydney Symphony Orchestra, bukod pa sa kung saan mayroong maraming iba pang mga kumpanya at mga teatro na nakabase sa Sydney Opera House. Ang teatro na ito ay isa sa mga pinakamasiglang sentro para sa sining ng pagtatanghal, na nagho-host ng humigit-kumulang 1,500 na pagtatanghal taun-taon na may kabuuang bilang na dumalo ng higit sa 1.2 milyon. Isa rin ito sa pinakasikat na atraksyon ng Australia, na may higit sa pitong milyong turista na bumibisita dito bawat taon.

Ang Opera House ay may tatlong pangunahing performance hall:

Ang Concert Hall, 2679 upuan, ay ang tahanan ng Sydney Symphony Orchestra. Ito ay naglalaman ng pinakamalaking gumaganang mekanikal na organ sa mundo, na may higit sa 10,000 mga tubo.

Ang Opera House, seating 1507, ay ang tahanan ng Sydney Opera House at ng Australian Ballet.

Ang Drama Theater, 544 na upuan, ay ginagamit ng Sydney Theater Company at iba pang grupo ng sayaw at teatro.

Bilang karagdagan sa tatlong kuwartong ito, naglalaman ang Sydney Opera House ng ilang mas maliliit na kuwarto at studio.

Si Diana Damrau ay isang German opera at concert singer, coloratura soprano. Si Diana Damrau ay ipinanganak noong Mayo 31, 1971 sa Günzburg, Bavaria, Germany. Sinabi nila na ang kanyang pagmamahal sa klasikal na musika at opera ay namulat sa edad na 12, pagkatapos manood ng isang magandang film-opera ni Franco Zeffirelli "La Traviata" (G. Verdi) kasama sina Placido Domingo at Teresa Strates sa mga pangunahing papel. Sa edad na 15 siya ay lumitaw sa musikal na "My Fair Lady" sa isang pagdiriwang sa kalapit na bayan ng Offingen. Natanggap niya ang kanyang vocal education sa Higher School of Music sa Würzburg, kung saan ang kanyang guro ay ang Romanian singer na si Carmen Hanganu, sa kanyang pag-aaral ay nag-aral din siya sa Salzburg kasama sina Hannah Ludwig at Edith Mathis. Matapos makapagtapos ng mga parangal mula sa conservatory noong 1995, pumirma si Diana Damrau ng dalawang taong kontrata sa teatro sa Würzburg, kung saan ginawa niya ang kanyang propesyonal na theatrical debut bilang Eliza "My Fair Lady" at isang debut sa opera kasama ang bahagi ni Barbarina mula sa The Wedding ng Figaro, na sinundan ng mga tungkulin ni Annie ( "The Magic Shooter"), Gretel ("Hansel and Gretel"), Marie ("The Tsar and the Carpenter"), Adele ("The Bat"), Valenciennes ("The Merry Balo") at iba pa. Pagkatapos ay mayroong dalawang taong kontrata sa Pambansang Teatro ng Mannheim at sa Frankfurt Opera, kung saan ginampanan niya ang mga tungkulin ni Gilda ("Rigoletto"), Oscar ("Masquerade Ball"), Cerbinetta ("Ariadne auf Naxos"), Olympia ( "Hoffmann's Tales") at Queens of the Night ("The Magic Flute"). Sa bahagi ng Reyna ng Gabi, gumanap siya noong 1998/99 bilang panauhin sa mga opera house ng estado sa Berlin, Dresden, Hamburg, Frankfurt, at sa Bavarian Opera kasama ang bahagi ng Zerbinetta. Noong 2000, ang unang pagtatanghal ni Diana Damrau sa labas ng Alemanya ay ginanap sa Vienna State Opera na may papel na Reyna ng Gabi. Mula noong 2002, ang mang-aawit ay nagtatrabaho bilang isang freelance artist sa iba't ibang mga sinehan, sa parehong taon ay ginawa niya ang kanyang debut sa ibang bansa sa isang konsiyerto sa Estados Unidos, sa Washington. Mula noon, nagtrabaho siya sa mga nangungunang yugto ng opera sa mundo, ang mga pangunahing sandali ng pagbuo ng karera ni Damrau ay ang kanyang mga debut sa Covent Garden (2003, Queen of the Night), noong 2004 sa La Scala sa pagbubukas pagkatapos ng pagpapanumbalik ng teatro na pinagbibidahan ng opera ni Antonio Salieri na "Recognized Europe", noong 2005 sa Metropolitan Opera (Zerbinetta," Ariadne auf Naxos "), noong 2006 sa Salzburg Festival, isang open-air concert kasama si Placido Domingo sa Olympic Stadium sa Munich bilang parangal. ng pagbubukas ng FIFA World Cup noong tag-araw 2006. Ang repertoire ng opera ni Diana Damrau ay napaka-magkakaibang, gumagana siya pareho sa mga klasikal na tungkulin ng mga soprano sa mga opera ng Italyano, Pranses at Aleman, pati na rin sa mga gawa ng mga kontemporaryong kompositor, at sa simula ng kanyang karera sa mga musikal at operetta. Ang mga bagahe ng kanyang operatic roles ay umabot sa halos limampu at, bilang karagdagan sa mga naunang nabanggit, kasama sina Marceline (Fidelio, Beethoven), Leila (Pearl Seekers, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Love Potion, Donizetti) , Lucia ("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita ("Rita", Donizetti), Marguerite de Valois ("The Huguenots", Meyerbeer), Servilia ("Mercy of Titus", Mozart), Constanta and Blond ("Abduction mula sa Seraglio ", Mozart), Suzanne (" The Marriage of Figaro ", Mozart), Pamina (" The Magic Flute ", Mozart), Rosina (" The Barber of Seville ", Rossini), Sophie (" The Rose Knight " , Strauss), Adele (" The Bat ", Strauss), Woglindu (" The Gold of the Rhine "at" Twilight of the Gods ", Wagner) at marami pang iba. Bilang karagdagan sa kanyang mga tagumpay sa opera, itinatag ni Diana Damrau ang kanyang sarili bilang isa sa mga pinakamahusay na performer ng konsiyerto sa klasikal na repertoire. Gumaganap siya ng mga oratorio at mga kanta nina Bach, Handel, Mozart, Vincenzo Rigini, Beethoven, Robert at Clara Schumann, Meyerbeer, Brahms, Fauré, Mahler, Richard Strauss, Zemlinsky, Debussy, Orff, Barber, regular na gumaganap sa Berlin Philharmonic, Carnegie Hall Wigmore Hall, ang Golden Hall ng Vienna Philharmonic, pati na rin ang isang regular na panauhin ng Schubertiada, Munich, Salzburg at iba pang mga festival. Ang kanyang CD ng mga kanta ni Richard Strauss (Poesie) kasama ang Munich Philharmonic Orchestra ay ginawaran ng ECHO Klassik award noong 2011. Nakatira si Diana Damrau sa Geneva, noong 2010 pinakasalan niya ang French bass-baritone na si Nicolas Teste, sa pagtatapos ng parehong taon, ipinanganak ni Diana ang isang anak na lalaki, si Alexander. Matapos ang kapanganakan ng bata, bumalik ang mang-aawit sa entablado at ipinagpatuloy ang kanyang aktibong karera. Larawan: Tanja Niemann

Si Pauline Viardot, buong pangalan na Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) ay isang nangungunang mang-aawit na Pranses, mezzo-soprano, ika-19 na siglo, guro ng boses at kompositor na may pinagmulang Espanyol. Si Pauline Viardot ay ipinanganak noong Hulyo 18, 1821 sa Paris. Anak at estudyante ng mang-aawit at gurong Espanyol na si Manuel Garcia, kapatid ni Maria Malibran. Bilang isang bata, pinag-aralan niya ang sining ng pagtugtog ng piano kasama si Franz Liszt at magiging isang pianista, ngunit ang kanyang kamangha-manghang mga kasanayan sa boses ang nagpasiya sa kanyang propesyon. Nagtanghal siya sa iba't ibang mga sinehan sa Europa at nagbigay ng maraming mga konsiyerto. Siya ay sikat sa mga tungkulin ni Fides ("Ang Propeta" ni Meyerbeer), Orpheus ("Orpheus at Eurydice" ni Gluck), Rosina ("The Barber of Seville" ni Rossini). Ang may-akda ng mga romansa at comic opera sa isang libretto ni Ivan Turgenev, ang kanyang malapit na kaibigan. Kasama ang kanyang asawa, na nagsalin ng mga gawa ni Turgenev sa Pranses, itinaguyod niya ang mga tagumpay ng kulturang Ruso. Ang kanyang apelyido ay binabaybay sa iba't ibang anyo. Sa kanyang pagkadalaga na Garcia, nakamit niya ang katanyagan at katanyagan, pagkatapos ng kasal ay ginamit niya ang dobleng apelyido na Garcia-Viardot sa loob ng ilang panahon at sa isang punto ay tinalikuran niya ang kanyang pangalan sa pagkadalaga at tinawag ang kanyang sarili na "Mrs. Viardot". Noong 1837, ang 16-anyos na si Pauline Garcia ay nagbigay ng kanyang unang konsiyerto sa Brussels, at noong 1839 ginawa niya ang kanyang debut bilang Desdemona sa Rossini's Othello sa London, na naging highlight ng season. Sa kabila ng ilang mga pagkukulang, pinagsama ng boses ng batang babae ang katangi-tanging pamamaraan na may kamangha-manghang pagnanasa. Noong 1840, pinakasalan ni Pauline si Louis Viardot, kompositor at direktor ng Théatre Italien sa Paris. Ang pagiging 21 taong mas matanda kaysa sa kanyang asawa, sinimulan ng kanyang asawa na ituloy ang kanyang karera. Noong 1844, sa kabisera ng Imperyo ng Russia, ang lungsod ng St. Petersburg, gumanap siya sa parehong entablado kasama sina Antonio Tamburini at Giovanni Batista Rubini. Maraming tagahanga si Viardot. Sa partikular, ang manunulat na Ruso na si Ivan Sergeevich Turgenev ay umibig sa mang-aawit noong 1843 matapos marinig ang kanyang pagganap sa The Barber of Seville. Noong 1845 umalis siya sa Russia upang sundan si Pauline at kalaunan ay naging halos miyembro ng pamilya Viardot. Itinuring ng manunulat ang apat na anak ni Polina bilang kanyang sarili, at sinamba siya hanggang sa kanyang kamatayan. Siya naman, ay isang kritiko ng kanyang trabaho, at ang kanyang posisyon sa mundo at mga koneksyon ay ipinakita sa manunulat sa pinakamahusay na liwanag. Ang tunay na katangian ng kanilang relasyon ay pinagtatalunan pa rin. Bilang karagdagan, nakipag-usap si Pauline Viardot sa iba pang mahuhusay na tao, kabilang sina Charles Gounod at Hector Berlioz. Sikat sa kanyang vocal at dramatic na kakayahan, binigyang inspirasyon ni Viardot ang mga kompositor gaya nina Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns at Giacomo Meyerbeer, ang may-akda ng opera na The Prophet, kung saan siya ang naging unang gumanap ng papel ni Fides. Hindi niya kailanman itinuring ang kanyang sarili na isang kompositor, ngunit aktwal na bumuo ng tatlong koleksyon ng musika, at tumulong din sa pagsusulat ng musika para sa mga tungkulin na nilikha para sa kanya. Nang maglaon, pagkatapos umalis sa entablado, sumulat siya ng isang opera na tinatawag na Le dernier sorcier. Si Viardot ay nagsasalita ng matatas na Espanyol, Pranses, Italyano, Ingles, Aleman at Ruso at gumamit ng iba't ibang pambansang pamamaraan sa kanyang trabaho. Salamat sa kanyang talento, gumanap siya sa pinakamahusay na mga bulwagan ng konsiyerto sa Europa, kabilang ang Opera House sa St. Petersburg (noong 1843-1846). Napakahusay ng kasikatan ni Viardot kaya ginawa siyang prototype ni Georges Sand para sa pangunahing tauhan ng nobelang Consuelo. Kinanta ni Viardot ang bahaging mezzo-soprano sa Tuba Mirum (Mozart's Requiem) sa libing ni Chopin noong Oktubre 30, 1849. Ginampanan niya ang pangunahing papel sa opera ni Gluck na Orpheus at Eurydice. Noong 1863, umalis si Pauline Viardot-Garcia sa entablado, umalis sa France kasama ang kanyang pamilya (ang kanyang asawa ay isang kalaban ng rehimeng Napoleon III) at nanirahan sa Baden-Baden. Matapos ang pagbagsak ni Napoleon III, ang pamilyang Viardot ay bumalik sa France, kung saan nagturo si Pauline sa Paris Conservatory hanggang sa kamatayan ng kanyang asawa noong 1883, at nag-iingat din ng isang music salon sa Boulevard Saint-Germain. Kabilang sa mga mag-aaral at estudyante ni Pauline Viardot ang sikat na Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant at iba pa. Nagkaroon siya ng mahusay na vocal school para sa maraming mang-aawit na Ruso, kabilang ang F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Noong Mayo 18, 1910, namatay si Pauline Viardot, na napapaligiran ng mga mapagmahal na kamag-anak. Inilibing sa sementeryo ng Montmartre sa Paris. Inialay ng makatang Ruso na si Alexei Nikolaevich Pleshcheev ang kanyang tula na "The Singer" (Viardot Garcia) sa kanya: Hindi! Hindi kita nalilimutan, mapang-akit na mga tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig, hindi ko malilimutan! Nang ako ay nakinig sa iyo, paghihirap ay nagpakumbaba sa aking dibdib, At muli handa akong maniwala at magmahal! Hindi ko siya nakakalimutan ... Alinman sa isang inspiradong priestess, na natatakpan ng isang malawak na dahon na korona, Siya ay nagpakita sa akin ... at umawit ng isang sagradong himno, At ang kanyang tingin ay nag-alab sa banal na apoy ... Pagkatapos ay isang maputlang imahe sa kanyang Nakita ko si Desdemona, Nang siya, yumuko sa alpa na ginintuang, Siya ay umawit ng isang awit tungkol sa wilow ... at ang mga daing ay naputol ng malungkot na pag-apaw ng lumang awit na iyon. Gaano kalalim ang kanyang pagkaunawa, pinag-aralan ang Isa na nakakaalam ng mga tao at ang mga lihim ng kanilang mga puso; At kung ang isang dakila ay bumangon mula sa libingan, ilalagay Niya ang Kanyang korona sa kanyang noo. Minsan si Rosina ay nagpakita sa akin, bata At madamdamin, tulad ng gabi ng kanyang sariling bansa ... At, nakikinig sa kanyang mahiwagang boses, Sa matabang lupang iyon ay pinaglabanan ko ang aking kaluluwa, Kung saan ang lahat ay nakakaakit sa tainga, lahat ay nakalulugod sa mga mata, Kung saan ang walang hanggang bughaw na langit ay kumikinang, Kung saan ang mga nightingale ay sumipol sa mga sanga ng puno ng sikomoro At ang sipres, ang anino ay nanginginig sa makinis na ibabaw ng tubig! At ang aking dibdib, na puno ng banal na kasiyahan, Purong Kasiyahan, ay tumaas, At ang nakakagambalang mga pagdududa ay lumipad, At ang aking kaluluwa ay mahinahon at magaan. Bilang isang kaibigan pagkatapos ng mga araw ng masakit na paghihiwalay, handa akong yakapin ang buong mundo ... Oh! Hindi kita nalilimutan, mapang-akit na mga tunog, Bilang unang matamis na luha ng pag-ibig, hindi ko malilimutan!<1846>

Si Yulia Novikova ay isang Ruso na mang-aawit ng opera, soprano. Si Julia Novikova ay ipinanganak sa St. Petersburg noong 1983. Nagsimula siyang mag-aral ng musika sa edad na 4. Nagtapos siya ng mga karangalan mula sa isang paaralan ng musika (piano at plauta). Sa loob ng siyam na taon siya ay miyembro at soloista ng Children's Choir of Television and Radio of St. Petersburg sa ilalim ng direksyon ni S.F. Gribkov. Noong 2006 nagtapos siya ng mga karangalan mula sa St. NAKA-ON. Rimsky-Korsakov, vocal class (guro O.D. Kondina). Sa kanyang pag-aaral sa Conservatory, ginampanan niya sa opera studio ang mga tungkulin ni Suzanne (The Marriage of Figaro), Serpina (The Maid-Lady), Martha (The Tsar's Bride) at Violetta (La Traviata). Ginawa ni Yulia Novikova ang kanyang propesyonal na debut noong 2006 sa Mariinsky Theater bilang Flora sa The Turn of the Screw ni B. Britten (isinasagawa nina V. Gergiev at P. Smelkov). Nakuha ni Julia ang kanyang unang permanenteng kontrata sa Dortmund theater noong siya ay mag-aaral pa sa conservatory. Noong 2006-2008. Ginampanan ni Julia sa Dortmund Theater ang mga tungkulin ng Olympia (The Tales of Hoffmann), Rosina (The Barber of Seville), Queen of Shemakhan (The Golden Cockerel) at Gilda (Rigoletto), pati na rin ang papel ng Queen of the Night (Ang Magic Flute) sa opera sa Frankfurt. Noong 2008-2009 season. Bumalik si Julia kasama ang bahagi ng Queen of the Night sa Frankfurt Opera, at ginanap din ang bahaging ito sa Bonn. Gayundin sa season na ito ay ginanap ang Oscar ("Masquerade Ball"), Medoro ("Furious Orlando" ni Vivaldi), Blondchen ("Pagdukot mula sa Seraglio") sa Bonn Opera, Gilda - sa Lübeck, Olympia - sa Komische Oper (Berlin ). Season 2009-2010 nagsimula sa isang matagumpay na pagganap bilang Gilda sa premiere production ng Rigoletto sa Berliner Komische Oper. Sinundan ito ng Reyna ng Gabi sa Hamburg at Vienna State Operas, sa Berlin Staatsoper, Gilda at Adina ("Love Potion") sa Bonn Opera, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") sa Strasbourg Opera, Olympia sa Komische operas, at Rosina sa Stuttgart ... Noong Setyembre 4 at 5, 2010, ginampanan ni Julia ang bahagi ni Gilda sa live TV broadcast ng Rigoletto mula Mantua sa 138 bansa (producer A. Andermann, conductor Z. Meta, director M. Belokchio, Rigoletto P. Domingo, atbp.) . Noong 2010-2011 season. Si Julia ay gaganap kasama ang pariah ni Amina (Somnambula) sa Bonn, Norina (Don Pasquale) sa Washington, Gilda sa Comische Berlin, Olympia sa Frankfurt at Oscar operas, Queen of the Night, Zerbinetta at Adina sa Vienna State Opera. Lumilitaw din si Yulia Novikova sa mga konsyerto. Nagtanghal si Julia kasama ang Duisburg Philharmonic Orchestra (conductor J. Darlington), kasama ang Deutsche Radio Philharmonie Orchestra (conductor Ch. Poppen), gayundin sa Bordeaux, Nancy, Paris (Champs Elysees Theater), Carnegie Hall (New York). May mga recital sa Grachten Festival sa Amsterdam at Muziekdriedaagse Festival sa The Hague, pati na rin ang isang gala concert sa Budapest Opera. Sa malapit na hinaharap, isang konsiyerto kasama ang Berne Chamber Orchestra at isang konsiyerto ng Bagong Taon sa Vienna ay binalak. Yulia Novikova - nagwagi at nagwagi ng ilang mga internasyonal na kumpetisyon sa musika: - Operalia (Budapest, 2009) - unang gantimpala at award ng madla; - Musical debut (Landau, 2008) - nagwagi, nagwagi ng Emmerich Smola Prize; - New Voices (Gutersloh, 2007) - Audience Award; - International Competition sa Geneva (2007) - Audience Award; - Pandaigdigang Kumpetisyon. Wilhelm Stenhammar (Norrköpping, 2006) - ikatlong premyo at premyo para sa pinakamahusay na pagganap ng kontemporaryong Swedish na musika. Impormasyon mula sa opisyal na website ng mang-aawit na si Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Irina Konstantinovna Arkhipova - Sobyet at Ruso na opera na mang-aawit, mezzo-soprano, soloista ng Bolshoi Theater (1956-1988), People's Artist ng USSR (1966), Knight of the Order of Lenin (1971, 1976, 1985), Lenin Prize laureate (1978), Hero of the Socialist Labor (1984), laureate ng State Prize of Russia (1996). Si Irina Konstantinovna Arkhipova ay ipinanganak noong Enero 2, 1925 sa Moscow. Nasa edad na walong siya ay pumasok sa Central Music School sa Moscow Conservatory, ngunit dahil sa isang biglaang sakit ay hindi siya makapag-aral doon. Nang maglaon, pumasok si Irina sa Gnessin School. Sa panahon ng Great Patriotic War, inilikas siya kasama ang kanyang pamilya sa Tashkent, kung saan pumasok siya sa Moscow Architectural Institute, na inilikas din doon. Pagkatapos ng graduation, magtrabaho sa disenyo at pagtatayo ng isang bilang ng mga pasilidad sa kabisera, kabilang ang isang bagong complex ng mga gusali sa Moscow State University sa Vorobyovy Gory, parallel vocal lessons kasama ang N.M. Malysheva, at kalaunan ay nag-aral sa Moscow Conservatory sa klase ng pagkanta ng L.F. Savransky. Noong 1953 nagtapos siya sa conservatory. Noong 1954-1956 siya ay isang soloista ng Sverdlovsk Opera at Ballet Theater. Noong 1956-1988 siya ay isang soloista ng Bolshoi Theater. Ang pagganap ng bahagi ng Carmen sa opera ng parehong pangalan ni Georges Bizet ay nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo. Siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na panloob na pagsisiwalat ng imahe at pagiging maalalahanin ng interpretasyon. Taglay niya ang regalo ng pagbabago sa entablado. Mula noong 1955 ay naglibot siya sa ibang bansa (Austria, Poland, East Germany, Finland, Italy, Hungary, Romania, Czechoslovakia, Bulgaria, USA, Japan, France, Canada). Noong 1967 at 1971 kumanta siya sa Teatro alla Scala (ang bahagi ng Martha at ang bahagi ng Marina Mnishek). Mula noong 1975 siya ay nagtuturo sa Moscow Conservatory, mula noong 1984 - propesor. Noong 1980s nagbigay siya ng isang serye ng mga konsiyerto na "Anthology of Russian Romance". Noong 1966 siya ay inanyayahan sa hurado ng Tchaikovsky Competition, at mula noong 1967 siya ay naging permanenteng chairman ng jury ng Glinka Competition. Mula noon, naging miyembro na siya ng hurado ng maraming prestihiyosong kompetisyon sa mundo, kabilang ang "Verdi voice" at ang pangalan ni Mario del Monaco sa Italy, ang Queen Elizabeth competition sa Belgium, ang Maria Callas competition sa Greece, ang Francisco Vinyas competition sa Spain, vocal competition sa Paris, vocal competition sa Munich. Mula noong 1974 (maliban sa 1994) siya ang permanenteng tagapangulo ng hurado ng Tchaikovsky Competition sa seksyong "solo singing". Noong 1997, sa paanyaya ng Pangulo ng Azerbaijan na si Heydar Aliyev at ng Ministro ng Kultura ng Azerbaijan, si Pallada Bul-Bul Ogly, pinamunuan ni Irina Arkhipova ang hurado ng Bul-Bul Competition, na inayos sa okasyon ng ika-100 anibersaryo ng kanyang kapanganakan . Mula noong 1986 si IK Arkhipova ay ang tagapangulo ng All-Union Musical Society, sa pagtatapos ng 1990 ay binago sa International Union of Musical Figures. Mula noong 1983 - Tagapangulo ng Irina Arkhipova Foundation. Honorary Doctor ng National Academy of Music na ipinangalan sa Musical Republic of Moldova (1998), Presidente ng Russia-Uzbekistan Friendship Society. Siya ay isang representante ng Kataas-taasang Sobyet ng USSR ng ika-6 na pagpupulong. People's Deputy ng USSR (1989-1991). May-akda ng mga aklat: "My Muses" (1992), "Music of Life" (1997), "A Brand Named" I "" (2005). Ang asawa ng mang-aawit ay People's Artist ng USSR na si Vladislav Piavko. Ang anak ay si Andrey. Apo sa tuhod - Irina. Noong Enero 19, 2010, si Irina Konstantinovna Arkhipova ay naospital sa patolohiya ng puso sa Botkin City Clinical Hospital. Namatay ang mang-aawit noong Pebrero 11, 2010. Siya ay inilibing noong Pebrero 13, 2010 sa sementeryo ng Novodevichy sa Moscow.

Maria Callas (Ingles Maria Callas; pangalan sa birth certificate - Sophia Cecelia Kalos, English Sophia Cecelia Kalos, bininyagan bilang Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - Greek Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου; Disyembre 2 (4), 192 Setyembre 16, 1977, Paris) - American opera singer (soprano). Si Maria Callas ay kabilang sa mga reporma sa opera gaya nina Richard Wagner at Arturo Toscanini. Ang kultura ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay inextricably na nauugnay sa kanyang pangalan. Noong unang bahagi ng 1950s, sa bisperas ng kababalaghan ng postmodernism, nang ang 19th century na opera ay naging isang aesthetic anachronism, dinala ni Maria Callas ang operatic art pabalik sa tuktok ng entablado ng Olympus. Sa muling pagbuhay sa panahon ng bel canto, hindi kinulong ni Maria Callas ang kanyang sarili sa virtuoso coloratura sa mga opera nina Bellini, Rossini at Donizetti, ngunit ginawa ang kanyang boses sa pangunahing paraan ng pagpapahayag. Siya ay naging isang maraming nalalaman na mang-aawit na may repertoire mula sa mga klasikong serye ng opera tulad ng Spontini's Vestal, hanggang sa mga pinakabagong opera ni Verdi, mga veristo opera ni Puccini at mga musikal na drama ni Wagner. Ang pagtaas ng karera ni Callas sa kalagitnaan ng ika-20 siglo ay sinamahan ng paglitaw ng LP sa pag-record at pakikipagkaibigan sa kilalang pigura ng kumpanya ng record ng EMI na si Walter Legge. Ang pagdating sa entablado ng mga opera house ng isang bagong henerasyon ng mga konduktor tulad nina Herbert von Karajan at Leonard Bernstein at mga gumagawa ng pelikula tulad nina Luchino Visconti at Franco Zeffirelli ay naging isang kaganapan ang bawat pagtatanghal kasama si Maria Callas. Ginawa niya ang opera sa isang tunay na teatro ng drama, na pinipilit kahit ang "mga trills at kaliskis upang ipahayag ang kagalakan, pagkabalisa o pananabik." Si Maria Callas ay ipinanganak sa New York sa isang pamilya ng mga Griyegong imigrante. Noong 1936, ang ina ni Mary, ang Ebanghelyo, ay bumalik sa Athens upang ipagpatuloy ang edukasyon sa musika ng kanyang anak na babae. Nais ng ina na isama ang kanyang mga nabigong talento sa kanyang anak na babae at sinimulang dalhin siya sa New York Library sa Fifth Avenue. Si Maria ay nagsimulang makinig sa klasikal na musika sa edad na tatlo, sa edad na lima ay nagsimula siyang kumuha ng mga aralin sa piano, at sa edad na walong nagsimula siyang kumuha ng mga vocal lesson. Sa edad na 14, sinimulan ni Maria ang kanyang pag-aaral sa Athens Conservatory sa ilalim ng gabay ng dating mang-aawit na Espanyol na si Elvira de Hidalgo. Noong Hulyo 1941, sa Athens na sinakop ng Aleman, ginawa ni Maria Callas ang kanyang debut sa Athens Opera bilang Tosca. Noong 1945, bumalik si Maria Callas sa New York. Sumunod ang isang serye ng mga kabiguan: hindi siya ipinakilala kay Toscanini, tumanggi siyang kantahin ang bahagi ng Cio-Cio-San sa Metropolitan Opera dahil sa kanyang mabigat na timbang, umaasa para sa muling pagbabangon ng Lyric Opera sa Chicago, kung saan umaasa siyang kumanta, bumagsak. Noong 1947, ginawa ni Callas ang kanyang debut sa entablado ng Arena di Verona sa La Gioconda ni Ponchielli sa ilalim ng baton ni Tullio Serafin. Ang pagpupulong kay Seraphin ay, sa mga salita ni Callas mismo: "Ang tunay na simula ng isang karera at ang pinakadakilang tagumpay ng aking buhay." Ipinakilala ni Tullio Seraphin si Callas sa mundo ng mahusay na opera. Kinanta niya ang mga unang bahagi sa "Aida" ni Verdi at "Norma" ni Bellini sa pagtatapos ng 1948. Noong unang bahagi ng 1949, sa loob ng isang linggo, ang mga vocal incompatible roles ni Brunhilde sa Wagner's Valkyrie at Elvira sa Bellini's The Puritans ay lumikha ng creative phenomenon ng mang-aawit na si Maria Callas. Kumanta siya ng mga bahaging liriko, dramatiko, at coloratura, na isang himala sa pagkanta - "apat na boses sa isang lalamunan". Noong 1949 nagpunta si Callas sa paglilibot sa Timog Amerika. Noong 1950 kumanta siya sa unang pagkakataon sa La Scala at naging "Queen of the Italian prima donnas". Noong 1953, inilabas ng EMI ang kumpletong pag-record ng mga opera kasama si Maria Callas sa unang pagkakataon. Sa parehong taon, nawalan siya ng timbang ng 30 kilo. Ang nabagong Callas ay nakakaakit ng mga manonood sa mga yugto ng opera sa Europa at Amerika sa mga opera na Lucia di Lammermoor ni Donizetti, Norma ni Bellini, Medea ni Cherubini, Verdi's Troubadour at Macbeth, at Tosca ni Puccini. Noong Setyembre 1957, unang nakilala ni Maria Callas si Aristotle Onassis sa isang bola bilang parangal sa kaarawan ng mamamahayag na si Elsa Maxwell sa Venice. Noong tagsibol ng 1959, sa Venice, nagkita silang muli sa isang bola. Pagkatapos nito, pumunta si Onassis sa London para sa isang konsiyerto ng Callas. Pagkatapos ng konsiyerto na ito, inimbitahan niya siya at ang kanyang asawa sa kanyang yate. Sa pagtatapos ng Nobyembre 1959, ang asawa ni Onassis na si Tina ay nagsampa para sa diborsyo, at sina Callas at Onassis sa oras na ito ay hayagang lumitaw sa lipunan nang magkasama. Halos palagiang nag-aaway ang mag-asawa, at noong 1968 nalaman ni Maria Callas mula sa mga pahayagan na ikinasal si Aristotle Onassis sa balo ng Pangulo ng Estados Unidos, si Jacqueline Kennedy. Ang 1959 ay minarkahan ang isang pagbabago sa kanyang matagumpay na karera. Ito ay pinadali ng pagkawala ng boses, isang serye ng mga iskandalo, isang diborsyo, isang pahinga sa Metropolitan Opera, isang sapilitang pag-alis mula sa La Scala, isang hindi masayang pag-ibig para kay Aristotle Onassis, at ang pagkawala ng isang anak. Ang isang pagtatangka na bumalik sa entablado noong 1964 ay nagtatapos sa isa pang kabiguan. Sa Verona, nakilala ni Maria Callas ang lokal na industriyalistang si Giovanni Batista Meneghini. Siya ay dalawang beses sa kanyang edad at nagkaroon ng hilig sa opera. Di-nagtagal, ipinagtapat ni Giovanni ang kanyang pagmamahal kay Maria, ganap na ibinenta ang kanyang negosyo at itinalaga ang kanyang sarili kay Callas. Noong 1949, ikinasal sina Maria Callas at Giovanni Meneghini. Siya ay naging lahat para kay Maria: kapwa isang tapat na asawa, at isang mapagmahal na ama, at isang tapat na tagapamahala, at isang mapagbigay na producer. Noong 1969, inimbitahan ng direktor ng Italya na si Pier Paolo Pasolini si Maria Callas na magbida sa papel ni Medea sa pelikula ng parehong pangalan. Kahit na ang pelikula ay hindi isang komersyal na tagumpay, ito ay may malaking interes sa cinematic, tulad ng lahat ng iba pang mga gawa ni Pasolini. Ang papel ni Medea ay para kay Maria Callas ang tanging papel sa labas ng opera. Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Maria Callas ay nanirahan sa Paris, halos hindi umaalis sa apartment, kung saan siya namatay noong 1977. Siya ay sinunog at inilibing sa sementeryo ng Pere Lachaise. Nang maglaon, nagkalat ang kanyang abo sa Dagat Aegean. Itinatag ng mga Italyano na phoniatrist (mga doktor na dalubhasa sa mga sakit ng vocal cords) sina Franco Fussi at Nico Paolillo ang pinaka-malamang na sanhi ng pagkamatay ng opera diva na si Maria Callas, ang isinulat ng Italian La Stampa (pagsasalin ng artikulo sa Ingles na inilathala ng Parterre Box). Ayon sa kanilang pananaliksik, namatay si Callas sa dermatomyositis, isang bihirang sakit ng connective tissue at makinis na kalamnan. Sina Fussi at Paolillo ay dumating sa konklusyong ito pagkatapos pag-aralan ang mga pag-record ni Callas na ginawa sa iba't ibang taon at pag-aralan ang unti-unting paghina ng kanyang boses. Ang spectrographic analysis ng mga studio recording at live na pagtatanghal ay nagpakita na sa pagtatapos ng 1960s, nang ang kanyang vocal deterioration ay naging maliwanag, ang hanay ng boses ni Callas ay talagang nagbago mula sa soprano hanggang sa mezzo-soprano, na nagpapaliwanag ng pagbabago sa tunog ng matataas na nota sa kanyang pagganap. .Sa karagdagan, ang maingat na pag-aaral Ang mga pag-record ng video ng kanyang mga huling konsyerto ay nagsiwalat na ang mga kalamnan ng mang-aawit ay makabuluhang humina: ang kanyang dibdib ay halos hindi tumaas kapag humihinga, at kapag huminga, itinaas ng mang-aawit ang kanyang mga balikat at pilit ang kanyang mga deltoid na kalamnan, iyon ay, sa katunayan , ginawa niya ang pinakakaraniwang pagkakamali sa suporta ng vocal muscle. Hindi pa tiyak ang sanhi ng pagkamatay ni Maria Callas, ngunit pinaniniwalaan na cardiac arrest ang ikinamatay ng singer. Ayon kina Fussi at Paolillo, ang mga resulta ng kanilang trabaho ay direktang nagpapahiwatig na ang nagresultang myocardial infarction ay isang komplikasyon bilang resulta ng dermatomyositis. Kapansin-pansin na ang diagnosis na ito (dermatomyositis) ni Callas ay ginawa bago siya mamatay ng kanyang doktor, si Mario Jacovazzo (nakilala lamang ito noong 2002). Mga tungkulin sa Opera ni Maria Callas Santuzza - Rural Honor ni Mascagni (1938, Athens) Tosca - Tosca ni Puccini (1941, Athens Opera) Gioconda - La Gioconda ni Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot ni Puccini ( 1948, Carlo Felice (Genoa) Aida - Aida ni Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York) Norm - Bellini's Norm (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden , London; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunhilde - Wagner's Valkyrie (1949- 1950, Metropolitan Opera) Elvira - Bellini's Puritans (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Sicilian Vespers "Verdi (1951, La Scala", Milan) Kundri - "Parsifal" ni Wagner ("La Scala") Violetta - "La Scala " ni Verdi ("La Scala") Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala") Julia - "Vestal" Spontini (1954, "La Scala") Gilda - "Rigoletto" Verdi (1955, "La Scala" ) Madame Butterfly (Cio-Cio-san) - "Madame Butterfly" Puccini ("La Scala") Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi Fedor - "Fedora" Giordano Anna Boleyn - "Anna Boleyn "Donizetti Lucia -" Lucia di Lammermoor "Donizetti Amina -" Somnambula "Bellini Carmen -" Carmen "Bizet

Si Natalie Dessay (ipinanganak na Nathalie Dessaix) ay isang mang-aawit sa opera ng Pransya, coloratura soprano. Isa sa mga nangungunang mang-aawit sa ating panahon, sa simula ng kanyang karera ay kilala siya sa kanyang napakataas at transparent na boses, ngayon ay kumakanta siya sa mas mababang hanay. Gustung-gusto ng madla para sa mahusay na dramatikong pagganap at isang masiglang pagpapatawa. Si Natalie Dessay ay ipinanganak noong Abril 19, 1965 sa Lyon, lumaki sa Bordeaux. Habang nag-aaral pa, ibinaba niya ang letrang "h" mula sa kanyang pangalan, bilang parangal sa aktres na si Natalie Wood, at kalaunan ay pinasimple ang spelling ng fimilia. Sa kanyang kabataan, pinangarap ni Dessay na maging ballerina o artista at kumuha ng mga aralin sa pag-arte, ngunit minsan, nakikipaglaro sa mga kapwa mag-aaral sa isang hindi kilalang dula noong ika-18 siglo, kinailangan niyang kumanta, kinanta niya ang aria ni Pamina mula sa The Magic Flute, lahat ay namangha, pinayuhan siyang ilipat ang kanyang atensyon sa musika. Pumasok si Natalie sa State Conservatory sa Bordeaux, nakatapos ng limang taong pag-aaral sa loob lamang ng isang taon at nagtapos ng mga karangalan noong 1985. Pagkatapos ng conservatory ay nagtrabaho siya sa Orchestra National de Toulouse Capitol. Noong 1989, nakuha niya ang pangalawang lugar sa New Voices competition na ginanap ng France-Telecom, na nagbigay-daan sa kanya na mag-aral ng isang taon sa Lyric Arts School ng Paris Opera at gampanan ang papel ni Eliza sa The Shepherd Tsar ni Mozart. Noong tagsibol ng 1992 kumanta siya ng maikling bahagi ng Olympia mula sa "Tales of Hoffmann" ni Offenbach sa Opera Bastille, ang kanyang kapareha ay si Jose van Dam, binigo ng produksyon ang mga kritiko at madla, ngunit ang batang mang-aawit ay nakatanggap ng standing ovation at napansin. Ang papel na ito ay magiging isang palatandaan para sa kanya, hanggang 2001 siya ay gaganap na Olympia sa walong iba't ibang mga produksyon, kasama ang kanyang debut sa La Scala. Noong 1993, nanalo si Natalie Dessay sa International Mozart Competition ng Vienna Opera at nanatili upang mag-aral at magtanghal sa Vienna Opera. Dito ay kinanta niya ang papel na Blonda mula sa "Abduction from the Seraglio" ni Mozart, na naging isa pang pinakasikat at pinakamadalas na gumanap na papel. Noong Disyembre 1993, inalok si Natalie na palitan si Cheryl Studer sa kilalang papel ng Olympia sa Vienna Opera. Ang kanyang pagganap ay nakatanggap ng pagkilala ng madla sa Vienna at ang papuri kay Placido Domingo, sa parehong taon na ginampanan niya ang papel na ito sa Lyon Opera. Nagsimula ang internasyonal na karera ni Natalie Dessay sa mga pagtatanghal sa Vienna Opera. Noong 1990s, ang kanyang pagkilala ay patuloy na lumalaki at ang kanyang repertoire ng mga tungkulin ay patuloy na lumalawak, mayroong maraming mga alok, siya ay gumanap sa lahat ng nangungunang mga opera house sa mundo - ang Metropolitan Opera, La Scala, Bavarian Opera, Covent Garden, Vienna Opera at iba pa. Ang isang natatanging tampok ng aktres na si Dessay ay naniniwala siya na ang isang mang-aawit sa opera ay dapat na binubuo ng 70% ng teatro at 30% ng musika at nagsusumikap hindi lamang na kantahin ang kanyang mga tungkulin, ngunit gampanan din ang mga ito nang husto, kaya ang bawat isa sa kanyang mga karakter ay isang bagong tuklas. hindi katulad ng iba. Noong 2001/2002 season, nagsimulang makaranas si Dessay ng kahirapan sa boses at kinailangang kanselahin ang kanyang mga pagtatanghal at recital. Umalis siya sa entablado at noong Hulyo 2002 ay sumailalim sa operasyon upang alisin ang mga polyp sa kanyang vocal cord, noong Pebrero 2003 bumalik siya na may solong konsiyerto sa Paris at aktibong ipinagpatuloy ang kanyang karera. Noong 2004/2005 season, si Natalie Dessay ay kailangang sumailalim sa pangalawang operasyon. Isang bagong pampublikong pagpapakita ang naganap noong Mayo 2005 sa Montreal. Ang pagbabalik ni Natalie Dessay ay sinamahan ng isang reorientation sa kanyang lyric repertoire. Siya ay sumusuko sa "liwanag", nang walang malalim na mga tungkulin (tulad ni Gilda sa "Rigoletto") o mula sa mga tungkuling hindi na niya gustong gampanan (Queen of the Night o Olympia) pabor sa mas "tragic" na mga karakter. Ang posisyon na ito sa una ay nagdulot ng malubhang hindi pagkakasundo sa ilang mga direktor at kasamahan. Ngayon si Natalie Dessay ay nasa tuktok ng kanyang karera at siya ang nangungunang soprano sa ating panahon. Naninirahan at gumaganap pangunahin sa USA, ngunit patuloy na naglilibot sa Europa. Makikita siya ng mga tagahanga ng Russia sa St. Petersburg noong 2010 at sa Moscow noong 2011. Noong unang bahagi ng 2011, kinanta niya (sa unang pagkakataon) ang papel ni Cleopatra sa Julia Caesar ni Handel sa Opera Garnier, bumalik sa Metropolitan Opera kasama ang kanyang tradisyonal. " Lucia di Lammermoor ", pagkatapos ay bumalik muli sa Europa na may bersyon ng konsiyerto ng" Pelléas at Melisande "sa Paris at London at isang konsiyerto sa Moscow. Kasama sa mga agarang plano ng mang-aawit ang maraming proyekto: La Traviata sa Vienna noong 2011 at sa Metropolitan Opera noong 2012, Cleopatra sa Julia Caesar sa Metropolitan Opera noong 2013, Manon sa Paris Opera at La Scala noong 2012, Marie ("The Daughter of the Regiment") sa Paris noong 2013, at Elvira sa Metropolitan noong 2014. Si Natalie Dessay ay kasal sa bass-baritone na si Laurent Nauri at mayroon silang dalawang anak. Sa entablado ng opera, bihira mo silang makitang magkasama, hindi katulad ng mag-asawang Alanya-Georgiu star, ang katotohanan ay mas kaunti ang repertoire para sa baritone-soprano kaysa sa tenor-soprano. Para sa kapakanan ng kanyang asawa, pinagtibay ni Dessay ang kanyang relihiyon - Hudaismo.

Si Joyce DiDonato ay isang sikat na American opera singer, mezzo-soprano. Siya ay itinuturing na isa sa mga nangungunang mezzo-soprano sa ating panahon at ang pinakamahusay na interpreter ng mga gawa ni Gioacchino Rossini. Si Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) ay isinilang noong Pebrero 13, 1969 sa Pryre Village, Kansas, USA sa isang pamilyang may pinagmulang Irish, ang ikaanim sa pitong anak. Ang kanyang ama ay ang pinuno ng lokal na koro ng simbahan, si Joyce ay kumanta dito at nangarap na maging isang Broadway star. Noong 1988 pumasok siya sa Wichita State University, kung saan nag-aral siya ng vocals. Pagkatapos ng Joyce University, nagpasya si DiDonato na ipagpatuloy ang kanyang edukasyon sa musika at noong 1992 ay pumasok sa Academy of Vocal Arts sa Philadelphia. Pagkatapos ng akademya, sa loob ng maraming taon ay lumahok siya sa mga programa sa pagsasanay na "Young Artist" sa iba't ibang mga kumpanya ng opera: noong 1995 - sa "Santa Fe Opera", kung saan nakatanggap siya ng musikal na pagsasanay at ginawa ang kanyang debut sa opera sa malaking entablado, ngunit kaya malayo sa mga menor de edad na tungkulin sa mga opera na "The Marriage of Figaro" ni W. A. ​​​​Mozart, "Salome" ni R. Strauss, "Countess Maritza" ni I. Kalman; mula 1996 hanggang 1998 - sa Houston Grand Opera at kinilala bilang pinakamahusay na "umuusbong na artista"; sa tag-araw ng 1997 - sa San Francisco Opera sa Merola Opera na programa sa pagsasanay. Sa kanyang pag-aaral at paunang pagsasanay, si Joyce DiDonato ay nakibahagi sa ilang mga kilalang patimpalak sa boses. Noong 1996, pumangalawa siya sa Eleanor McCollum Competition sa Houston at nanalo sa District Audition para sa Metropolitan Opera Competition. Noong 1997 nanalo siya ng William Sullivan Award. Noong 1998 nakuha niya ang pangalawang lugar sa kumpetisyon sa Operalia ng Placido Domingo sa Hamburg at unang pwesto sa kumpetisyon sa George London. Sa mga sumunod na taon, nakatanggap siya ng marami pang iba't ibang mga premyo at parangal. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang kanyang propesyonal na karera noong 1998 sa mga pagtatanghal sa ilang mga kumpanya ng opera sa rehiyon sa Estados Unidos, pangunahin sa Houston Grand Opera. At nakilala siya sa isang malawak na madla salamat sa hitsura sa premiere ng mundo ng telebisyon ng opera na "Little Woman" ni Mark Adamo. Noong 2000-2001 season. Ginawa ni DiDonato ang kanyang European debut, na nagsimula kaagad sa La Scala bilang Angelina sa Cinderella ni Rossini. Sa sumunod na season, pinalawak niya ang kanyang kakilala sa European audience, na lumabas sa Netherlands Opera bilang Sesta Julius Caesar ni Handel, sa Paris Opera bilang Rosina sa Rossini's The Barber of Seville at sa Bavarian State Opera bilang Cherubino sa Mazart's Marriage of Figaro . at sa mga programang konsiyerto na "Glory" ni Vivaldi kasama sina Ricardo Muti at La Scala Orchestra at "A Midsummer Night's Dream" ni F. Mendelssohn sa Paris. Sa parehong season sa United States, ginawa niya ang kanyang debut sa Washington State Opera bilang Dorabella sa "This Is What All Women Do" ni Mozart. Sa oras na ito, si Joyce DiDonato ay naging isang tunay na opera star na may katanyagan sa mundo, minamahal ng madla at pinuri ng press. Ang karagdagang karera ay pinalawak lamang ang kanyang paglilibot sa heograpiya at binuksan ang mga pintuan ng mga bagong opera house at festival - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Royal Theater sa Madrid, New National Theater sa Tokyo, Vienna State Opera et al. Si Joyce DiDonato ay nakaipon ng mayamang koleksyon ng iba't ibang mga parangal at premyo sa musika. Tulad ng itinuturo ng mga kritiko, marahil ito ang isa sa pinakamatagumpay at maayos na karera sa modernong mundo ng opera. At maging ang aksidenteng naganap sa entablado ng Covent Garden noong Hulyo 7, 2009 sa panahon ng pagtatanghal ng "The Barber of Seville", nang madulas si Joyce DiDonato sa entablado at mabali ang kanyang binti, ay hindi nakagambala sa pagtatanghal na ito, na natapos niya sa saklay. , o ang mga kasunod na naka-iskedyul na pagtatanghal. na pinangunahan niya palabas ng wheelchair, na labis na ikinatuwa ng mga manonood. Ang "maalamat" na kaganapang ito ay nakunan sa DVD. Sinimulan ni Joyce DiDonato ang nakaraang season ng 2010-2011 sa Salzburg Festival at nag-debut bilang Adalgiz sa Norma Belinni kasama si Edita Gruberova bilang Norma, pagkatapos ay sa isang programa ng konsiyerto sa Edinburgh Festival. Sa taglagas sa Berlin, ginampanan niya ang papel ni Rosina sa "The Barber of Seville" at sa Madrid - sa papel ni Octavian sa "Der Rosenkavalier". Nagtapos ang taon na may higit pang mga parangal, ang una mula sa German Academy of Recordings na "Echo Klassik", na pinangalanang Joyce DiDonato na "Best Female Singer 2010". Ang susunod na dalawang parangal nang sabay-sabay mula sa English classical music magazine na "Gramophone", na pinangalanan siyang "Best Artist of the Year" at pinili ang kanyang CD na may mga arias ni Rossini bilang pinakamahusay na "Recital of the Year". Sa pagpapatuloy ng season sa United States, gumanap siya sa Houston, at pagkatapos ay isang recital sa Carnegie Hall. Tinanggap siya ng Metropolitan Opera sa dalawang tungkulin - ang pahinang Isolier sa "Count Ori" ni Rossini at ang kompositor sa "Ariadne auf Naxos" ni R. Strauss. Natapos ang season sa Europe na may mga paglilibot sa Baden-Baden, Paris, London at Valencia. Ang website ng mang-aawit ay naglalaman ng isang abalang iskedyul ng kanyang mga pagtatanghal sa hinaharap, sa listahang ito para lamang sa unang kalahati ng 2012 mayroong mga apatnapung pagtatanghal sa Europa at Amerika. Si Joyce DiDonato ay kasal na ngayon sa Italian conductor na si Leonardo Vordoni, na kasama nila sa Kansas City, Missouri, USA. Patuloy na ginagamit ni Joyce ang apelyido ng kanyang unang asawa, na pinakasalan niya pagkatapos ng kolehiyo.

Si Elina Garanca ay isang Latvian na mang-aawit (mezzo-soprano), isa sa mga nangungunang mang-aawit sa opera sa ating panahon. Si Elina Garanca ay ipinanganak noong Setyembre 16, 1976 sa Riga sa isang pamilya ng mga musikero, ang kanyang ama ay isang choral director, at ang kanyang ina, si Anita Garanca, ay isang propesor sa Latvian Academy of Music, associate professor sa Latvian Academy of Culture, isang vocal teacher sa Latvian National Opera. Noong 1996, pumasok si Elina Garanca sa Latvian Academy of Music sa Riga, kung saan nag-aral siya ng mga vocal kasama si Sergei Martynov, at mula noong 1998 ipinagpatuloy niya ang kanyang pag-aaral kasama si Irina Gavrilovich sa Vienna, at pagkatapos ay kasama si Virginia Zeani sa USA. Isa sa pinakamalalim na maimpluwensyang pangyayari kay Elina sa panahon ng kanyang pag-aaral ay ang pagganap ni Gaetano Donizetti bilang Jane Seymour sa Anne Boleyn noong 1998 - Natutunan ni Garanca ang papel sa loob ng sampung araw at natuklasan ang malalim na simpatiya para sa repertoire ng bel canto. Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, ginawa ni Garanca ang kanyang propesyonal na opera debut sa State Theater ng South Thuringia sa Meiningen, Germany, na may papel na Octavian sa Der Rosenkavalier. Noong 1999 siya ay naging panalo sa Miriam Helin Vocal Competition sa Helsinki, Finland. Noong 2000, nanalo si Elina Garanca ng pangunahing premyo sa Latvian National Performer Competition, at pagkatapos ay tinanggap sa tropa at nagtrabaho sa Frankfurt Opera, kung saan kinanta niya ang mga tungkulin ng Second Lady sa The Magic Flute, Hansel sa opera ni Humperdink na Hansel at Gretel at Rosina sa Seville barbero ". Noong 2001 naging finalist siya ng prestihiyosong internasyonal na kumpetisyon ng mga mang-aawit ng opera sa Cardiff at inilabas ang kanyang debut solo album na may programa ng opera arias. Ang batang mang-aawit ay gumawa ng kanyang internasyonal na tagumpay noong 2003 sa Salzburg Festival, nang kantahin niya ang bahagi ng Annio sa isang produksyon ng opera ni Mozart na Titus' Mercy sa ilalim ng baton ni Nicolaus Arnoncourt. Ang pagtatanghal na ito ay sinundan ng tagumpay at maraming pakikipag-ugnayan. Ang pangunahing lugar ng trabaho ay ang Vienna State Opera, kung saan ginampanan ni Garanca ang mga tungkulin ni Charlotte sa Werther at Dorabella sa Everybody's So Do noong 2003-2004. Sa France, una siyang lumabas sa Théâtre des Champs-Elysees (Angelina sa Rossini's Cinderella), at pagkatapos ay sa Paris Opera (Opera Garnier) bilang Octavian. Noong 2007, si Elina Garanca ay gumanap sa unang pagkakataon sa pangunahing yugto ng opera ng kanyang bayan ng Riga sa Latvian National Opera na may papel na Carmen. Sa parehong taon ay ginawa niya ang kanyang mga debut sa Berlin State Opera (Sextus) at sa Royal Theatre na "Covent Garden" sa London (Dorabella), at noong 2008 - sa "Metropolitan Opera" sa New York na may papel na Rosina sa " Ang Barbero ng Seville "at ang Bavarian Opera sa Munich (Adalgiza). Sa kasalukuyan, si Elina Garancha ay gumaganap sa mga entablado ng mga nangungunang opera house sa mundo at mga lugar ng konsiyerto bilang isa sa mga pinakamaliwanag na musical star salamat sa kanyang magandang boses, musika at nakakumbinsi na dramatikong talento. Napansin ng mga kritiko ang kadalian, bilis at lubos na kaginhawaan kung saan may kontrol si Garancha sa kanyang boses, at ang tagumpay kung saan niya inilapat ang modernong vocal technique sa kumplikadong repertoire ng Rossini noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. Si Elina Garanca ay may solidong koleksyon ng mga audio at video recording, kabilang ang Grammy-winning na recording ng "Bayazet" ni Antonio Vivaldi na idinirek ni Fabio Biondi, kung saan kinanta ni Elina ang bahagi ng Andronicus. Si Elina Garanca ay ikinasal sa English conductor na si Karel Mark Chichon at inaasahan ng mag-asawa ang kanilang unang anak sa katapusan ng Oktubre 2011.

Elena Vasilievna Obraztsova - Sobyet at Ruso na mang-aawit ng opera, mezzo-soprano. People's Artist ng USSR, Lenin Prize Laureate, Bayani ng Socialist Labor. Isa sa mga sikat na mang-aawit sa ating panahon. Si Elena Vasilievna Obraztsova ay ipinanganak noong Hulyo 7, 1939 sa Leningrad. Sa panahon ng Great Patriotic War, kasama ang kanyang pamilya, siya ay inilikas mula Leningrad patungong Ustyuzhna. Ang musika ay isang mahalagang bahagi ng pagkabata ni Elena, ang kanyang ama, isang inhinyero sa pamamagitan ng propesyon, ay may magandang baritone at, bukod dito, mahusay siyang tumugtog ng biyolin - palagi niyang maaalala ang mga musical home evening. Noong 1948-1954 kumanta siya sa koro ng mga bata ng Leningrad Palace of Pioneers. A.A. Zhdanova (direktor ng koro - M.F. Zarinskaya). Noong 1954-1957, may kaugnayan sa opisyal na paglipat ng ama, ang pamilya ay nanirahan sa Taganrog, kung saan nag-aral si Elena sa P.I. Tchaikovsky kasama ang guro na si Anna Timofeevna Kulikova. Sa pag-uulat ng konsiyerto sa paaralan ng musika, si Obraztsova ay narinig ng direktor ng Rostov Music School M.A. Mankovskaya, at sa kanyang rekomendasyon noong 1957 si Elena ay pinasok kaagad sa paaralan para sa ika-2 taon. Pagkalipas ng isang taon, noong Agosto 1958, na pumasa sa isang matagumpay na audition, pumasok siya sa departamento ng paghahanda ng Leningrad State Conservatory. NAKA-ON. Rimsky-Korsakov. Noong 1962 nanalo siya ng unang premyo sa All-Union Vocal Competition na pinangalanang V.I. M.I. Glinka at isang gintong medalya sa World Festival of Youth and Students sa Helsinki. Noong Disyembre 17, 1963, habang isang mag-aaral sa konserbatoryo, ginawa ni E. Obraztsova ang kanyang debut sa Bolshoi Theater bilang Marina Mnishek sa opera na Boris Godunov ni M. Musorgsky. Noong 1964, nagtapos siya sa Leningrad State Conservatory. NAKA-ON. Rimsky-Korsakov sa klase ng Propesor A.A. Grigorieva (klase ng opera A.N. Kireev). Ang chairman ng komite ng pagtatapos, si Sofya Petrovna Preobrazhenskaya, ay nagbigay kay Elena Obraztsova ng 5 na may plus - isang marka na hindi ibinigay sa Leningrad Conservatory sa loob ng halos 40 taon. Sa parehong taon siya ay naging isang permanenteng soloista ng Bolshoi Theatre. Ang kalikasan ay mapagbigay na pinagkalooban si Elena Obraztsova. Siya ay may isang tinig ng bihirang kagandahan, timbre, velvety, organ richness ng tunog, isang maliwanag na hitsura sa entablado, na nagbibigay sa kanyang mga opera heroine ng isang bihirang artistikong kaluwagan at pagpapahayag, ang talento ng isang tunay na dramatikong artista. Noong 1964, si Elena Obraztsova, kasama ang tropa ng Bolshoi Theater, ay gumanap sa La Scala bilang Martha sa opera Khovanshchina at bilang Marie sa opera War and Peace. Ang mga pagtatanghal ni Obraztsova sa Italya ay isang mahusay na tagumpay, at noong 1977 ay inanyayahan siyang buksan ang ika-200 anibersaryo ng panahon sa La Scala bilang Prinsesa Eboli sa opera na Don Carlos ni G. Verdi. Noong 1975, si Elena Obraztsova, kasama ang Bolshoi Theatre, ay nagtungo sa Estados Unidos. Sa panahon ng paglalaro na "Boris Godunov" Obraztsova, na gumanap bilang Marina Mnishek, ay pinatawag sa entablado ng mga masigasig na manonood ng limang beses, ang dula ay kailangang ihinto. Ang tagumpay ni Elena Obraztsova sa USA sa wakas ay inaprubahan siya bilang isang world opera star. Pagkalipas ng ilang buwan, gumanap si Elena Obraztsova sa "Troubadour", isang pagtatanghal na nagbukas ng panahon ng San Francisco Opera, kasama sina Luciano Pavarotti at Joan Sutherland bilang kanyang mga kasosyo. Noong 1976, si Obraztsova, na nasa katayuan na ng isang panauhing soloista ng Metropolitan Opera, ay nagdulot ng pandamdam sa kanyang pagganap sa papel ni Amneris sa Verdi's Aida. Noong 1977, ginampanan ni Obraztsova ang papel ni Delilah sa Metropolitan. Si Thor Eckert, kritiko ng New York Times, ay sumulat: "Nag-aalinlangan ako na narinig mo at ko si Delilah, na sana ay madaling makabisado ng dalawa at kalahating octaves - ginampanan ni Obraztsova ang pinakamahirap na bahagi na ito nang walang anino ng pag-igting. " Inanyayahan si Franco Zeffirelli na gampanan ang papel ni Santuzzi sa pelikulang "Rural Honor" (1982). "Sa aking buhay," isinulat ni Zeffirelli, "mayroong tatlong shocks: Anna Magnani, Maria Callas at Elena Obraztsova, na gumawa ng isang himala sa panahon ng paggawa ng pelikulang" Rural Honor ". Sa kabuuan, ang repertoire ni Elena Obraztsova ay may kasamang 86 na bahagi sa mga opera ng Russian at dayuhang klasikal na repertoire, pati na rin sa mga opera ng mga kompositor noong ika-20 siglo, marami sa kanyang mga tungkulin ang naging buhay na klasiko ng modernong eksena sa opera: Marina Mnishek (Boris Godunov , 1963), Governess, Polina, Milovzor (1964), Countess (1965, The Queen of Spades), Lyubasha (The Tsar's Bride, 1967), Konchakovna (Prince Igor, 1968), Martha (Khovanshchina, 1968). Lyubava (Sadko, 1979), Amneris (Aida, 1965), Azucena (Troubadour, 1972), Eboli (Don Carlos, 1973), Santuzza (Rural Honor, 1977), Ulrika ( Masquerade Ball, 1977), Princess de Bouillon (Adrienne Lecouvreur, 1977), Adalgiza (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anne Boleyn, 1982), Orpheus (Orpheus and Eurydice, 1984) , Neris (Medea, 1989), Leonora (The Favorite, 1992), The Duchess Angelica , 1992), Carmen (Carmen, 1972), Charlotte (Werther, 1974), Delilah ( Samson at Delilah ", 1974), Herodias (" Herodias ", 1990), Oberon (" A Midsummer Night's Dream "ni B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova (" The Dawns Here Are Quiet "ni K. Molchanov, 1975), Judit (" Castle of Duke Bluebeard "ni B. Bartok, 1978), Jocasta (" Oedipus King "ni I. Stravinsky, 1980) , Eudosia (" Flame "ni O. Respiga, 1990); S. Prokofiev: Frosya ("Semyon Kotko", 1970), Princess Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, "War and Peace"), Lola ("The Gambler", 1996), Count Orlovsky ( " Bat ", 2003) at iba pa. Bilang karagdagan sa kanyang mga tungkulin sa opera, si Elena Obraztsova ay aktibong kasangkot sa mga konsyerto sa Russia at sa buong mundo. Kasama sa repertoire ng kanyang mga recital ang musika ng higit sa 100 Ruso at dayuhang kompositor: M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov, S. S. Prokofiev, G. F. Handel, V. A. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Malera, G. Donizetti, G Verdi, G. Puccini, P. Mascani, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens at iba pa, pati na rin ang mga awiting Ruso at lumang romansa ... Nakibahagi siya sa pagganap ng mga oratorio, cantatas, misa, mga gawa ng sagradong musika ng Russia. Ang mga komposisyon ng jazz ay nagdagdag ng mga bagong matingkad na katangian sa kanyang talento. Noong 1986 ginawa niya ang kanyang direktoryo na debut, na nagtatanghal ng opera na Werther ni J. Massenet sa Bolshoi Theater. Ang mang-aawit ay naka-star sa mga pelikulang pangmusika sa telebisyon na "The Merry Widow", "My Carmen", "Rural Honor" at "Tosca", atbp. Mula 1973 hanggang 1994, nagturo si Elena Obraztsova sa Moscow State Tchaikovsky Conservatory. Mula noong 1984 - propesor. Mula noong 1992 siya ay nagtuturo sa Musashino Music Academy sa Tokyo; nagbibigay ng mga master class sa Europe at Japan, sa Academy of Young Opera Singers sa Mariinsky Theater sa St. Petersburg. Siya ay at miyembro ng hurado ng maraming internasyonal na kumpetisyon, kabilang ang International Competition na pinangalanang P.I. Tchaikovsky sa Moscow, ang International Vocal Competition sa Marseille, ang International Competition na pinangalanang N.A. Rimsky-Korsakov sa St. Petersburg, ang Ferruchio Tagliavini International Competition sa Deutschlandsberg, ang Montserrat Caballe International Opera Singers Competition. Noong Setyembre 1999, naganap ang 1st International Elena Obraztsova Young Opera Singers' Competition sa St. Petersburg, at ang ika-8 kumpetisyon noong 2011. Nagtala si Elena Obrazsova ng higit sa 50 mga disc, kabilang ang mga opera, oratorio, cantatas, solo disc na may mga gawa ng kamara at musika ng opera. Sa nakalipas na mga taon, ang espesyal na halaga ng "live na pag-record" ay inilabas. Mula Hunyo 2007 hanggang Oktubre 2008, hinawakan niya ang posisyon ng artistikong direktor ng opera sa Mikhailovsky Theater (dating Musorgsky Opera at Ballet Theater sa St. Petersburg). Ngayon sa St. Petersburg siya ay nagpapatakbo ng isang sentrong pangkultura na ipinangalan sa kanya, kung saan nagtatrabaho siya sa mga batang performer. Noong Oktubre 24, 1981, natuklasan ang menor de edad na planeta No. 4623, na pinangalanang Obraztsova.

Si Kiri Janette Te Kanawa ay isang mang-aawit ng opera mula sa New Zealand, lyric soprano. Isa sa mga nangungunang mang-aawit ng opera sa ating panahon na may mainit, magandang boses at napakalawak na repertoire ng mga tungkulin sa opera sa iba't ibang wika. Si Kiri Te Kanawa (ipinanganak na si Claire Mary Teresa Rostron) noong Marso 6, 1944 sa Gisborne, New Zealand, sa isang Irish na ina at isang Maori na ama, ngunit kakaunti ang nalalaman tungkol sa kanyang mga magulang. Siya ay inampon bilang isang sanggol ng pamilya Te Kanawa, at ang kanyang mga adoptive na magulang ay Maori at Irish din. Natanggap niya ang kanyang pangkalahatang at musikal na edukasyon sa Auckland at isa nang tanyag na mang-aawit sa mga club sa New Zealand noong tinedyer at nagdadalaga siya. Kasabay nito, nakolekta niya ang lahat ng mga makabuluhang premyo sa musika sa Australia at New Zealand noong 1963, siya ay pangalawa sa "Mobil (Lexus) Song Quest", ang unang lugar ay kinuha ng isa pang sikat na mang-aawit ng opera mula sa New Zealand Malvina Major. Noong 1965, si Kiri Te Kanava mismo na may aria na "Vissi d" arte "mula sa opera ni Puccini" na si Tosca "ay naging panalo sa parehong kumpetisyon. Noong 1966 nanalo siya sa Australian competition" Sun-Aria "at bilang nanalo ay nakatanggap siya ng grant upang mag-aral sa London. sa parehong taon, nang walang audition, pumasok siya sa Center for Opera Singing sa London, napansin ng mga guro ang kanyang talento at ang unang kakulangan ng vocal technique. Sadler Wells, na sinundan kaagad ng mga tungkulin sa Dido at Aeneas ni Purcell at ng lead role sa Anne Boleyn ni Donizetti. Noong 1969 na nag-audition para sa papel na Countess sa The Marriage of Figaro, sinabi ng punong konduktor na si Colin Davis, "Hindi ako makapaniwala, gumawa ako ng isang libong auditions at ito ay isang napakagandang boses. " ove "and the flower girl in" Parsifal "noong 1970. Ipinagpatuloy ni Te Kanawa ang maingat na paghahanda para sa papel ng Countess, na nakatakdang ipalabas sa Covet Garden noong Disyembre 1971, ngunit bago iyon ay nagkaroon ng pagtatanghal sa Santa Fe Opera Festival (New Mexico, USA), kung saan sinubukan niya ang papel, kasama siya sa parehong pagdiriwang, ang isang mang-aawit mula sa Estados Unidos, si Frederica von Stade, ay gumanap, kalaunan ay binanggit ng press ang kanilang pagganap: "... mayroong dalawang bagong dating na nasilaw sa madla ... bawat isa ay agad na natanto na ang mga ito ay dalawang natuklasan at kinumpirma ng kasaysayan ang kanilang pagganap." Ang dalawang mang-aawit ay naging magkaibigan sa loob ng maraming taon. Noong Disyembre 1, 1971, inulit ni Kiri Te Kanawa ang kanyang pagganap sa Santa Fe sa Covent Garden at lumikha ng internasyonal na sensasyon. Sa araw na ito, natanggap niya ang katayuan ng hindi mapag-aalinlanganang opera star at naging isa sa mga pinakasikat na soprano sa mundo, na gumaganap sa mga nangungunang opera house sa mundo - Covent Garden, Metropolitan Opera (debut 1974), Paris Opera (1975), Sydney Opera House (1978), Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian at marami pang iba. Kasama sa kanyang mga heroine ang isang malaking repertoire para sa soprano, kasama ng mga ito - tatlong pangunahing tungkulin ni Richard Strauss - Arabella mula sa "Arabella", Marshalsha, Princess Maria Teresa von Werdenberg mula sa "Der Rosenkavalier" at Countess mula sa "Capriccio"; Mozart's Fjordiligi mula sa "All Women Do", Donna Elvira mula sa "Don Giovanni", Pamina mula sa "The Magic Flute", at siyempre, Countess Almaviva mula sa "Figaro's Wedding"; Violetta ni Verdi mula sa Triaviatta, Amelia Boccanegra mula kay Simon Boccanegra, Desdemona mula sa Ottelo; mula sa Puccini - Tosca, Mimi at Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Tchaikovsky, Rosalind Johann Strauss at marami pang iba. Sa entablado ng konsiyerto, ang kanyang vocal beauty at kalinawan ay sumanib sa mga nangungunang symphony orchestra sa mundo mula sa London, Chicago, Los Angeles, na isinagawa ng mga konduktor tulad nina Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Dutoit, Georg Solti at iba pa. Siya ay naging regular na kalahok sa mga internasyonal na pagdiriwang ng opera sa Glidebourne, Salzburg, Verona. Sa kanyang mahabang malikhaing karera, naglabas si Kiri Te Kanawa ng humigit-kumulang walumpung disc ng parehong operatic repertoire at concert music - concert arias ni Mozart, Four Last Songs of Strauss, German Requiem ni Brahms, Messiah Handel at iba pa, pati na rin ang mga album na may sikat na musika. at mga awit ng mga taong Maori bilang isang pagpupugay sa iyong mga tao. Ang ilan sa kanyang mga disc ay nanalo ng Grammy award. Ang huling album na "Kiri Sings Karl" ay inilabas noong 2006. Mayroong dalawang makabuluhang kaganapan sa kanyang karera, na halos imposible para sa sinumang mang-aawit ng opera na ulitin. Noong 1981, siya ang soloista sa kasal nina Prince Charles at Princess Diana sa St Paul's Cathedral sa London. Ang live na broadcast sa telebisyon ng kaganapan ay umakit ng higit sa 600 milyong mga manonood. Ang pangalawang rekord - noong 1990, nagbigay siya ng isang bukas na konsiyerto sa Auckland, 140 libong mga manonood ang dumating sa kanyang solo na pagganap. Ngayon ang kanyang mga aktibidad sa labas ng entablado ay nauugnay sa pundasyon na kanyang nilikha para sa suporta at tulong pinansyal sa mga batang mang-aawit at musikero. Si Kiri Te Kanawa ay ginawaran ng maraming parangal at premyo para sa kanyang mga serbisyo sa pagpapaunlad ng sining, ang pinakamataas ay ang Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion to the Order of Australia (1990), at ang Order of New Zealand (1995). Nakatanggap din siya ng honorary degree mula sa Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham at iba pang unibersidad. Sa mga nagdaang taon, naging bihira na ang mga pagtatanghal ni Kiri Te Kanawa sa entablado ng opera at mga lugar ng konsiyerto, ngunit hindi pa niya inanunsyo ang kanyang pagreretiro, kahit na pinaniniwalaan na ang kanyang huling pagtatanghal ay sa Abril 2010, ngunit patuloy siyang gumaganap.

Si Jo Sumi ay isang Korean opera singer, coloratura soprano. Ang pinakasikat na mang-aawit ng opera ay nagmula sa Timog-silangang Asya. Ipinanganak si Sumi Cho noong Nobyembre 22, 1962 sa Seoul, South Korea. Ang tunay niyang pangalan ay Jo Sugyeong. Ang kanyang ina ay isang baguhang mang-aawit at pianista, ngunit hindi nakakuha ng propesyonal na edukasyong pangmusika dahil sa sitwasyong pampulitika sa Korea noong 1950s. Determinado siyang bigyan ang kanyang anak ng magandang edukasyon sa musika. Sinimulan ni Sumi Cho ang mga aralin sa piano sa 4 na taong gulang at pagsasanay sa boses sa 6 na taong gulang, kahit na noong bata pa ay kailangan niyang gumugol ng hanggang walong oras sa mga aralin sa musika. Noong 1976, pumasok si Sumi Cho sa Seoul Art School (Private Academy) "Sang Hwa", na nagtapos siya noong 1980 na may mga diploma sa vocals at piano. Noong 1981-1983, ipinagpatuloy niya ang kanyang edukasyon sa musika sa Seoul National University. Habang nasa unibersidad, ginawa ni Sumi Cho ang kanyang unang propesyonal na debut, gumanap sa ilang mga konsiyerto na hino-host ng Korean television, at kinanta si Suzanne sa The Wedding of Figaro sa Seoul Opera. Noong 1983, nagpasya si Cho na umalis sa Unibersidad ng Seoul at lumipat sa Italya upang mag-aral ng musika sa pinakamatandang paaralan ng musika, ang National Academy of Saint Cecilia sa Roma, na nagtapos ng may karangalan. Kasama sa kanyang mga gurong Italyano sina Carlo Bergonzi at Gianella Borelli. Sa kanyang pag-aaral sa akademya, madalas na maririnig si Cho sa mga konsyerto sa iba't ibang lungsod ng Italy, gayundin sa radyo at telebisyon. Sa panahong ito napagpasyahan ni Cho na gamitin ang pangalang "Sumi" bilang kanyang pangalan sa entablado upang mas maunawaan ng madlang Europeo. Noong 1985 nagtapos siya sa akademya na may espesyalisasyon sa piano at vocals. Pagkatapos ng akademya, kumuha siya ng mga aralin sa boses mula kay Elizabeth Schwarzkopf at nanalo ng ilang mga kumpetisyon sa boses sa Seoul, Naples, Barcelona, ​​​​Pretoria at higit sa lahat noong 1986, isang internasyonal na kumpetisyon sa Verona, kung saan ang mga nanalo lamang ng iba pang makabuluhang internasyonal na kumpetisyon ang maaaring lumahok, kung sabihin, ang pinakamahusay sa pinakamahusay na mga batang mang-aawit. Ginawa ni Sumi Cho ang kanyang European opera debut noong 1986 bilang Gilda sa Rigoletto sa Giuseppe Verdi Theater sa Trieste. Ang pagtatanghal na ito ay nakakuha ng atensyon ni Herbert von Karajan, na nag-imbita sa kanya na gampanan ang papel ng pahina ni Oscar sa opera na "Un ballo in maschera" kasama si Placido Domingo, na itinanghal sa Salzburg Festival noong 1987. Sa mga susunod na taon, patuloy na lumakad si Sumi Cho patungo sa opera Olympus, patuloy na pinalawak ang heograpiya ng kanyang mga pagtatanghal at binabago ang kanyang repertoire mula sa maliliit na tungkulin tungo sa mga pangunahing tungkulin. Noong 1988 ginawa ni Sumi Cho ang kanyang debut sa La Scala at Bavarian State Opera, noong 1989 sa Vienna State Opera at Metropolitan Opera, at noong 1990 sa Chicago Opera Lyricist at Covent Garden. Si Sumi Cho ay naging isa sa mga pinakahinahangad na soprano sa ating panahon at nananatili sa ganitong katayuan hanggang ngayon. Gustung-gusto siya ng madla para sa kanyang maliwanag, mainit, nababaluktot na boses, gayundin sa kanyang optimismo at magaan na pagpapatawa sa entablado at sa buhay. Siya ay magaan at libre sa entablado, na nagbibigay sa bawat isa sa kanyang mga pagtatanghal ng banayad na oriental pattern. Bumisita si Sumi Cho sa lahat ng mga bansa sa mundo kung saan mahilig sila sa opera, kabilang ang ilang beses sa Russia, ang huling pagbisita ay noong 2008, nang maglibot sila sa ilang mga bansa sa isang duet kasama si Dmitry Hvorostovsky bilang bahagi ng isang paglilibot. Siya ay may abalang iskedyul sa trabaho na kinabibilangan ng mga pagtatanghal sa opera, mga programa sa konsiyerto, at pakikipagtulungan sa mga kumpanya ng rekord. Ang discography ni Sumi Cho ay kasalukuyang mayroong mahigit 50 recording, kabilang ang sampung solo album at crossover disc. Ang kanyang dalawang album ay pinakakilala - noong 1992 siya ay ginawaran ng Grammy Award para sa Best Opera Recording para sa opera ni Wagner na Woman Without a Shadow kasama sina Hildegard Behrens, Jose van Dam, Julia Varadi, Placido Domingo, conductor na si Georg Solti, at isang album na may opera. "Masquerade Ball" ni G. Verdi, na nakatanggap ng premyo mula sa German Gramophone.

Ang National Center for the Performing Arts (National Bolshoi Theater sa Chinese), na tinatawag na The Egg, ay isang modernong opera house sa Beijing, China. Itinuturing na isa sa mga modernong kababalaghan ng mundo, ito ay may hugis ng isang ellipsoid, ay gawa sa salamin at titanium at ganap na napapalibutan ng isang artipisyal na lawa. Itinayo noong 2007. Ang National Center for the Performing Arts ay matatagpuan sa Beijing, sa malapit na paligid (bahagyang kanluran) ng Tiananmen Square (pangunahing plaza ng Beijing at ang pinakamalaki sa mundo) at ang People's Assembly (Chinese Parliament) at hindi kalayuan sa Forbidden City ( makasaysayang palasyo complex). Dinisenyo ng Pranses na arkitekto na si Paul André at naisip na kahawig ng isang itlog na lumulutang sa tubig o isang patak ng tubig, ang futuristic na disenyo na ito ay nagdulot ng maraming kontrobersya tungkol sa pagtatayo nito sa makasaysayang sentro ng Beijing. Sa katunayan, ang madaling makilala, iconic na anyo ng National Center for the Performing Arts ay nagpapakita ng matinding kaibahan sa paligid nito, na ginagawa itong napaka-akit. Ang pagtatayo ng Sentro ay nagsimula noong Disyembre 2001 at binuksan noong Disyembre 2007. Ang pinakabagong teatro ng himala ay binuksan ng Russian historical opera na "Prince Igor" ni AP Borodin, na ginanap ng orkestra, koro at soloista ng Mariinsky Theater sa ilalim ng direksyon ni Valery Gergiev. Kasama sa architectural ensemble ang pangunahing gusali, underground at underwater corridors , paradahan sa ilalim ng lupa, lawa at berdeng espasyo Ang pangunahing simboryo ay umaabot mula silangan hanggang kanluran at 212 metro ang haba, 144 metro ang lapad at 46 na metro ang taas, na gawa sa mahigit 18,000 titanium plate at mahigit 1,200 na piraso ng malinaw na salamin para sa isang matingkad na visual effect. ng Center ay napupunta sa lalim na 32.5 metro (tulad ng isang 10-palapag na gusali) at ito ang pinakamalalim sa Beijing. Ang kabuuang lugar ng complex ay 118,900 sq.m., ang lugar ng gusali ay 219,400 sq.m.Ang Ang sentro ay ganap na napapalibutan ng isang artipisyal na lawa at lahat ng pasukan dito ay nasa ilalim lamang ng lupa, ang paggamit ng mga modernong teknolohiya ay ginagawang hindi nagyeyelo at malinis ang lawa (walang algae) sa buong taon. b mula sa ingay ng lungsod. Sa loob ng gusali mayroong tatlong pangunahing bulwagan - isang opera, isang konsyerto at isang teatro, na konektado sa pamamagitan ng mga air corridors, pati na rin ang isang gallery, isang exhibition hall, mga silid ng kumperensya, isang silid-aklatan, isang cafe at iba pang lugar sa National Center. Ang Opera Hall na may 2416 na upuan ay ang pinakamaganda, na idinisenyo para sa opera, mga pagtatanghal ng ballet at mga palabas sa sayaw, at may higit na ginintuang kulay. Ang mga dingding nito ay nagpapahintulot sa kanila na magamit bilang mga dekorasyon upang isawsaw ang kanilang sarili sa isang malikhaing kapaligiran. Ang concert hall ay idinisenyo para sa 2017 na mga upuan para sa mga klasikal na konsiyerto ng symphony orchestra at Chinese national music, ay may eleganteng silver shade. Ang assembly hall ay nagtataglay ng pinakamalaking organ sa Asya na may 6,500 na tubo. Ang bulwagan ng teatro para sa 1040 na upuan, na walang hukay ng orkestra, ay itinayo sa tradisyonal na istilo ng Tsino at pangunahing inilaan para sa katutubong drama at mga pagtatanghal sa musika. Ang lahat ng mga kuwarto ay maingat na idinisenyo upang perpektong pagsamahin ang arkitektura at acoustics.

Ang Opera Garnier (Paris Opera, Grand Opera) (Opera Garnier, Opera de Paris, Opera Garnier, Grand Opera) ay isang opera house sa Paris, isa sa mga pinakatanyag na opera house sa mundo. Mula noong 1989 (pagkatapos ng pagbubukas ng bagong opera house na "Opéra Bastille" sa Paris) ipinangalan ito sa arkitekto na "Palais Garnier" o "Opera Garnier", gayunpaman, ang mga lumang pangalan ay ginagamit pa rin. Ang gusali ay itinayo noong 1875 sa istilong neo-baroque (Second Empire), ay isang makasaysayang monumento at isang obra maestra ng arkitektura. Ang bilang ng mga upuan ay 1900. Ngayon ang parehong mga institusyon (Opera Garnier at Opera Bastille) ay pinagsama sa pampublikong-komersyal na negosyo na "State Opera de Paris". Ang Palais Garnier ay idinisenyo bilang bahagi ng mahusay na muling pagsasaayos ng Paris sa panahon ng "Ikalawang Imperyo", na pinasimulan ng emperador Napoleon III, at pinamunuan ni Baron Georges Haussmann (Haussmann). Ang agarang dahilan ng pagtatayo ng bagong teatro ay ang pagtatangkang pagpatay sa emperador, na naganap noong Enero 14, 1858. Si Napoleon III ay bibisita sa opera house ni Rue Le Peletier, ang mga rebolusyonaryong Italyano na pinamumunuan ni Felice Orsini ay nagtapon ng tatlo bomba sa imperyal na karwahe at ang prusisyon na kasama ng emperador habang papalapit siya sa teatro. Walong tao ang namatay at humigit-kumulang 150 ang nasugatan; sa aksidente, si Napoleon III mismo at ang kanyang pamilya ay hindi nasugatan, mula noon ay tumanggi ang emperador na bisitahin ang lumang teatro at inutusang magtayo ng bago. Sa pagtatapos ng 1860, isang kumpetisyon sa arkitektura ang inihayag para sa proyekto ng "Imperial Academy of Music and Dance", noong 1861 ang hindi kilalang 35-taong-gulang na arkitekto na si Charles Garnier (1825-1898) ay idineklara na panalo. Ang proyekto mismo ay hindi nagdulot ng maraming kontrobersya at pinagtibay ng karamihan, gayunpaman, ang mga hindi pagkakasundo ay lumitaw sa pagitan ni Garnier at Haussmann sa paligid ng palasyo - iminungkahi ni Garnier na gumawa ng isang parke, at ang Haussmann ay isang parisukat at matataas na gusali. Ang unang bato sa pundasyon ay inilatag noong 1861, at nagsimula ang pagtatayo noong 1862. Ang pagtatayo ng opera house ay tumagal ng halos 15 taon at sinamahan ng maraming problema. Ang isa sa mga una at pangunahing problema ay ang latian na lupa at lawa sa ilalim ng lupa, na tumagal ng halos isang taon upang maubos. Noong 1867, naganap ang paunang pagbubukas ng teatro, para sa World Exhibition sa Paris, iniutos ng emperador na kumpletuhin man lang ang pangunahing harapan at sa sobrang pagmamadali, bago pa matapos ang lahat ng trabaho, natapos ang pagtatayo ng harapan. . Ayon sa alamat, pagkatapos tanggalin ang plantsa, ang asawa ng emperador, si Empress Eugenia, ay nagkomento: “Ano ito, ano ang istilong ito? Hindi ito isang istilo! ... siya ay hindi Griyego, o Romano, o Louis XV, kahit na Louis XVI ", kung saan sumagot si Charles Garnier:" Ang mga istilong ito ay isang bagay ng nakaraan ... Ito ang istilo ni Napoleon III, ginang. " Ang pagtatayo ay higit na naganap sa teatro, sa panahon ng Digmaang Franco-Prussian, nang may mga bodega ng militar sa hindi natapos na gusali, ang kasunod na pagbagsak ng Ikalawang Imperyo ng Pransya at ng Komyun sa Paris. Sa panahong ito, ang pagtatayo sa pana-panahon ay huminto o nagpatuloy at doon ay mga alingawngaw na ang pagtatayo ng isang opera house ay maaaring Isang bagong insentibo para sa pagpapatuloy ng pagtatayo ay ang sunog sa Le Peletier theater. Ang Le Plettier theater ay ang pangunahing lugar para sa Paris Opera and Ballet mula noong 1821, noong Oktubre 29, 1873 nagkaroon ng sunog, ang apoy ay sumiklab sa loob ng 27 oras at ganap na nawasak ang gusali. ang bagong opera house, ito ay isang bagay ng prestihiyo. Muling tinawag ng bagong pamahalaan si Charles Garnier upang ipagpatuloy ang gawain at naglaan ng malalaking pwersa at pondo para dito. Sa ang pagtatapos ng 1874 na pagtatayo ay natapos. Ang Garnier Palace ay pinasinayaan noong Enero 5, 1875. Ang pagbubukas ay dinaluhan ng higit sa 2000 mga bisita mula sa buong mundo, ang maligaya na konsiyerto ay kasama ang ilang mga eksena mula sa iba't ibang mga gawa: "The Dumb from Portici" ni Daniel Aubert, "The Jew" ni Fromantal Halevy, "Wilhelm Tell" ni Giacomo Rossini , "Huguenots" ni Giacomo Meyerbeer at ang ballet na "Brook" Leo Delibes. Sa pagbubukas ay may isang insidente - pinilit ng mga tagapag-ayos ng kaganapan si Charles Garnier na bumili ng tiket, ang insidente na ito ay nagdulot ng panunuya ng press: "pinipilit ng gobyerno ang arkitekto na magbayad ng pera upang makita ang pagbubukas ng kanyang nilikha", kaya binibigyang diin. ang saloobin ng mga bagong awtoridad sa mga respetadong tao na nagtrabaho kasama ang matandang emperador. Ang buong pagtatayo ng palasyo ay nagresulta sa kabuuang halaga na 36 milyong francs sa ginto, sa halip na ang nakaplanong 20. Nananatiling hindi natapos na mga lugar, halimbawa, ang Mirror Rotunda at ang smoking gallery. Ang huli ay hindi na natapos. Ang Opera Garnier ay isang gusali ng pambihirang karangyaan sa labas at loob. Ang pangunahing staircase lobby ay isa sa mga pinakasikat na lugar ng Opéra Garnier. Nilagyan ng marmol na may iba't ibang kulay, tinatanggap nito ang dobleng hagdanan na humahantong sa foyer ng teatro at mga palapag ng theater hall. Ang pangunahing hagdanan ay isa ring teatro, ang entablado kung saan ang isang piling madla ay dinungisan sa panahon ng crinoline. Ang iba't ibang mga alegorya ng musika ay inilalarawan sa apat na bahagi ng pininturahan na kisame. Ang foyer - isang lugar para sa mga manonood na maglakad sa panahon ng intermission - ay maluwag at pinalamutian nang mayaman. Ang vault ng unang foyer ay natatakpan ng magandang mosaic na may gintong background. Bumungad dito ang magandang tanawin ng buong espasyo ng pangunahing hagdanan. Ang malaking foyer ay idinisenyo ni Garnier sa modelo ng mga ceremonial gallery ng mga lumang kastilyo. Ang paglalaro ng mga salamin at bintana ay biswal na ginagawang mas maluwag ang gallery. Ang kahanga-hangang kisame na ipininta ni Paul Baudry ay naglalarawan ng mga kwentong pangmusika, at ang lira ang pangunahing elemento ng dekorasyon. Siya ay nasa lahat ng dako sa pandekorasyon na kaharian na ito - mula sa mga vault hanggang sa heating grates at doorknob. Sa gitna ng foyer, malapit sa isa sa mga bintanang tinatanaw ang Avenue of Opera hanggang sa Louvre mismo, mayroong isang kopya ng bust ni Charles Garnier ng iskultor na si Carpo. Sa dulo ng gallery na may bar ay ang Mirror Salon - isang malinis at maliwanag na rotunda na may bilog na sayaw ng mga bacchantes at faun sa kisame na pininturahan ni Clairin, na may mga larawan sa dingding ng iba't ibang inumin (tsaa, kape, orangeade, champagne. ...), pati na rin ang mga eksena ng pangingisda at pangangaso. Nakumpleto pagkatapos ng pagbubukas ng Opera, patuloy na pinapanatili ng salon ang diwa ng 1900. Ang pula at gintong auditorium sa istilong Italyano ay ginawa sa hugis ng isang horseshoe. Ito ay naiilawan ng isang malaking kristal na chandelier, na tumitimbang ng anim na tonelada, at ang kisame ay pininturahan noong 1964 ni Marc Chagall. Ang mga armchair ay tapos na sa pelus. Ang isang kahanga-hangang kurtina na gawa sa pininturahan na tela ay ginagaya ang isang pulang telang may gintong puntas at mga tassel. Ang Opera Garnier ay naging isang inspiradong halimbawa ng arkitektura sa pagtatayo ng maraming iba pang mga sinehan. Ang mga arkitekto ay gumamit ng mga elemento ng istilong ito nang buo o bahagi. Sa Poland, maraming mga gusali ang nakabatay sa disenyo ni Garnier - ang teatro sa Krakow (1893) at ang Philharmonic Hall sa Warsaw (1901, nawasak ng pambobomba noong 1939 at naibalik sa ibang istilo), sa Ukraine - ang Lviv Opera House ( 1901) at ang Kiev Opera House (1901), sa Brazil - ang Amazon Theater sa Manaus (1896) at ang City Opera sa Rio de Janeiro (1909), sa USA - ang Jefferson Building (1897) at ang Library of Congress sa Washington, sa Vietnam - ang Hanoi Opera (1911) at ang Opera House sa Ho Chi Minh City (1897), na itinayo sa panahon ng kolonisasyon ng Vietnam (ang Vietnam ay isang kolonya ng Pransya), lahat ng mga ito ay mga miniature na kopya ng Opera Garnier.

Ang Samara Academic Opera and Ballet Theater ay isang musical theater sa Samara, Russia. Ang Samara Academic Opera and Ballet Theater ay isa sa pinakamalaking Russian musical theater. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Hunyo 1, 1931 kasama ang opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov. Ang mga pinagmulan nito ay mga natatanging musikero ng Russia - isang mag-aaral ng Taneyev at Rimsky-Korsakov, konduktor at kompositor na si Anton Eichenwald, konduktor ng Bolshoi Theater Ariy Pazovsky, sikat na konduktor ng Russia na si Isidor Zak, direktor ng Bolshoi Theatre na si Joseph Lapitsky. Ang mga masters bilang conductor na sina Savely Bergolts, Lev Ossovsky, direktor na si Boris Ryabikin, mang-aawit na si Alexander Dolsky, People's Artist ng Ukrainian SSR Nikolai Poludenny, People's Artist ng Russia Viktor Chernomortsev, People's Artist ng RSFSR, future soloist ng Bolshoi Theater Natalia Shpiller, Lorey at marami pang iba. Ang ballet troupe ay pinamumunuan ng soloista ng Mariinsky Theatre, isang kalahok sa maalamat na panahon ng Diaghilev sa Paris, si Yevgeny Lopukhova. Binuksan niya ang isang serye ng mga makikinang na koreograpo ng Petersburg, na sa iba't ibang taon ay tumayo sa pinuno ng ballet ng Samara. Ang mga koreograpo ng Samara Theatre ay ang mahuhusay na koreograpo na si Natalya Danilova, isang mag-aaral ni Agrippina Vaganova, ang maalamat na Petersburg ballerina na si Alla Shelest, ang soloista ng Mariinsky Theatre na si Igor Chernyshev, People's Artist ng USSR Nikita Dolgushin. Ang teatro ay mabilis na nakakakuha ng isang repertoire. Ang mga produksyon ng 1930s ay kinabibilangan ng opera at ballet classics: opera ni Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, mga ballet ni Tchaikovsky, Minkus, Adam. Ayon sa mga kinakailangan ng oras, ang teatro ay nagbabayad ng malaking pansin sa modernong repertoire. Sa panahon ng pre-war, sa unang pagkakataon sa bansa, itinanghal ang mga opera na "The Steppe" ni A. Eichenwald, "Tanya" ni Kreitner, "The Taming of the Shrew" ni Shebalin at iba pa. Ang mga poster nito ay naglalaman ng dose-dosenang mga pamagat, mula sa mga klasiko noong ika-18 siglo. ("Medea" ni Cherubini, "The Secret Marriage" ni Cimarosa) at maliit na mga gawa ng mga kompositor na Ruso noong ika-19 na siglo. ("Servilia" ni Rimsky-Korsakov, "The Enchantress" ni Tchaikovsky, "Elka" ni Rebikov) sa European avant-garde ng ika-20 siglo. ("The Dwarf" ni von Zemlinsky, "Les Noces" ni Stravinsky, "Arlecchino" ni Busoni). Ang isang espesyal na pahina sa buhay ng teatro ay co-creation kasama ang mga kontemporaryong Russian na may-akda. Ang mga natitirang kompositor na Ruso na sina Sergei Slonimsky at Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov at Andrei Petrov ay ipinagkatiwala ang kanilang mga gawa sa aming entablado. Ang world premiere ng opera ni Slonim na The Vision of Ioann the Terrible, na itinanghal ng mahusay na 20th century musician na si Mstislav Rostropovich sa pakikipagtulungan sa mga natitirang stage masters, director Robert Sturua at artist Georgy Alexi-Meskhishvili, ay naging isang makabuluhang kaganapan na malayo sa buhay kultural ng Samara. Sa pagsisimula ng Great Patriotic War, ang kultural na sitwasyon sa lungsod ay nagbago nang malaki. Noong Oktubre 1941, ang State Bolshoi Theatre ng USSR ay inilikas sa Kuibyshev / Samara (ang "reserve capital"). Ang artistikong inisyatiba ay ipinapasa sa mga pinakadakilang masters ng Sobyet na opera at ballet scene. Para sa 1941 - 1943 Ang Bolshoi Theater ay nagpakita ng 14 na opera at ballet sa Samara. Ang mga sikat na mang-aawit sa mundo na sina Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, ballerina Olga Lepeshinskaya ay gumanap sa Samara stage, Samosud, Fayer, Melik-Pashaev na isinagawa. Hanggang sa tag-araw ng 1943, ang Bolshoi Theater collective ay nanirahan at nagtrabaho sa Kuibyshev. Bilang pasasalamat sa tulong ng mga lokal na residente sa mahirap na oras na ito, ang kanyang mga artista ay dumating sa Volga nang higit sa isang beses pagkatapos ng digmaan kasama ang kanilang mga bagong gawa, pati na rin ang makasaysayang repertoire ng digmaan. Noong 2005, bilang paggunita sa ika-60 anibersaryo ng Tagumpay sa Dakilang Digmaang Patriotiko, ang kolektibo ng Bolshoi Theatre ng Russia ay nagpakita ng bagong pagpupulong sa madla ng Samara sa kanilang sining. Ang mga palabas sa paglilibot at konsiyerto (ballet ni Shostakovich na The Bright Stream, opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov, ang dakilang Victory Symphony - Shostakovich's Seventh Symphony, isang brass band at opera soloists' concert) ay matagumpay na tagumpay. Tulad ng sinabi ng Pangkalahatang Direktor ng Bolshoi Theatre ng Russia na si A. Iksanov, "Para sa buong kawani ng Bolshoi Theater, ang paglilibot na ito ay isa pang pagkakataon upang ipahayag ang matinding pasasalamat sa mga residente ng Samara para sa katotohanan na ang Bolshoi Theater ay nakahanap ng pangalawang tahanan. dito sa pinakamahirap na panahon ng digmaan." Ang summit ng musikal na buhay ng Samara noong ikadalawampu siglo, isang tunay na makasaysayang kaganapan ay ang pagtatanghal sa entablado ng Samara Opera House of the Seventh ("Leningrad") Symphony ni Dmitry Shostakovich. Ang dakilang gawain, na sumasalamin sa mga kalunus-lunos na kaganapan sa panahon ng digmaan, na naghahatid ng lahat ng kadakilaan ng tagumpay ng mga sundalong Sobyet, ay natapos ng kompositor noong Disyembre 1941 sa paglikas sa Samara at ginanap ng Bolshoi Theater Orchestra sa ilalim ng direksyon ni Samuil Samosud noong Marso 5 , 1942. Ang teatro ay nabubuhay ng isang matinding buhay. Ang muling pagtatayo ay magtatapos, ang mga bagong pangalan ay lilitaw sa poster, ang mga mang-aawit at mananayaw ay nanalo ng mga prestihiyosong internasyonal at all-Russian na mga kumpetisyon, ang mga bagong malikhaing pwersa ay bumubuhos sa tropa. Ang mga kawani ng teatro ay maaaring ipagmalaki ang konsentrasyon ng mga mahuhusay, maliliwanag na malikhaing indibidwal. Ang mga pinarangalan na Artist ng Russia na sina Mikhail Gubsky at Vasily Svyatkin ay mga soloista hindi lamang ng Samara Theater, kundi pati na rin ng Bolshoi Theater ng Russia at ng Moscow Novaya Opera Theater. Si Anatoly Nevdakh ay nakikibahagi sa mga pagtatanghal ng Bolshoi Theater, matagumpay na gumanap si Andrey Antonov sa mga yugto ng mga teatro ng Russia at dayuhan. Ang antas ng opera troupe ay pinatunayan din sa pagkakaroon ng isang malaking bilang ng mga "may pamagat" na mang-aawit sa loob nito: 5 mga artista ng tao, 8 pinarangalan na mga artista, 10 na nagwagi ng mga internasyonal at all-Russian na kumpetisyon. Maraming mga mahuhusay na kabataan sa tropa, kung saan ang mga nakatatandang henerasyon ng mga artista ay kusang-loob na nagbabahagi ng mga lihim ng kanilang mga kasanayan. Mula noong 2008, ang ballet troupe ng teatro ay lubos na nagtaas ng bar. Ang kolektibo ng teatro ay pinamumunuan ng Pinarangalan na Artist ng Russia na si Kirill Shmorgoner, na sa mahabang panahon ay pinalamutian ang ballet troupe ng Perm Theater. Inanyayahan ni K. Shmorgoner sa teatro ang isang malaking grupo ng kanyang mga mag-aaral, nagtapos ng isa sa mga pinakamahusay na institusyong pang-edukasyon sa bansa - ang Perm Choreographic School. Ang mga batang mananayaw ng ballet na sina Yekaterina Pervushina at Viktor Malygin ay naging mga nagwagi sa prestihiyosong internasyonal na kumpetisyon ng Arabesque, isang buong grupo ng mga mananayaw ng Samara ang matagumpay na gumanap sa Delphic Games all-Russian festival. Sa mga nagdaang taon, ang teatro ay nag-host ng ilang mga premiere na nakatanggap ng isang mahusay na madla resonance: ang mga opera na Mozart at Salieri ni Rimsky-Korsakov, Mavra ni Stravinsky, The Maid-Lady ni Pergolesi, Eugene Onegin ni Tchaikovsky, Rigoletto ni Verdi, Madame Butterfly ”ni Puccini, choreographic cantata“ Les Noces ”ni Stravinsky, ballet ni Hertel“ A Vain Precaution ”. Ang teatro ay aktibong nakikipagtulungan sa mga produksyong ito kasama ang mga masters ng Moscow mula sa Bolshoi Theater, Novaya Opera, at iba pang mga teatro ng Russia. Maraming pansin ang binabayaran sa pagtatanghal ng mga musikal na fairy tale para sa mga bata. Gumaganap din ang mga mananayaw ng opera at ballet sa entablado ng konsiyerto. Kasama sa mga ruta ng paglilibot ng teatro ang Bulgaria, Germany, Italy, Spain, China, at mga lungsod ng Russia. Ang masinsinang pagsasanay sa paglilibot ng teatro ay nagpapahintulot sa mga residente ng rehiyon ng Samara na makilala ang mga pinakabagong gawa. Ang mga pagdiriwang ay isang maliwanag na pahina sa buhay ng teatro. Kabilang sa mga ito ang Alla Shelest classical ballet festival, ang international festival na "Basses of the XXI century", "Five evenings in Togliatti", ang festival of opera art na "Samara spring". Salamat sa mga inisyatiba ng pagdiriwang ng teatro, ang mga manonood ng Samara ay maaaring makilala ang sining ng dose-dosenang mga pinakadakilang masters ng Russian at dayuhang opera at ballet art. Kasama sa mga malikhaing plano ng teatro ang mga pagtatanghal ng opera na "Prince Igor", mga ballet na "Don Quixote", "The Sleeping Beauty". Sa ika-80 anibersaryo, plano ng teatro na ipakita ang opera ni Mussorgsky na si Boris Godunov, kaya bumalik sa mga pinagmulan nito sa isang bagong yugto sa makasaysayang pag-unlad nito. Ang isang napakalaking kulay-abo na gusali ay tumataas sa gitnang plaza ng lungsod - ayon sa mga kritiko ng sining, "isang napakagandang monumento ng huli" estilo ng pylonade ", kung saan idinagdag ang mga brutal na klasiko", "isang kapansin-pansing halimbawa ng arkitektura ng 30s". Ang mga may-akda ng proyekto ay ang mga arkitekto ng Leningrad N.A. Sina Trotsky at N.D. Katselenegbogen, na nanalo sa kompetisyon para sa paglikha ng Palasyo ng Kultura noong 1935. Ang teatro ay matatagpuan sa gitnang bahagi ng gusali. Sa kaliwang pakpak ay mayroong isang silid-aklatan ng rehiyon sa loob ng ilang panahon, sa kanang pakpak ay mayroong isang paaralang pampalakasan at isang museo ng sining. Noong 2006, nagsimula ang muling pagtatayo ng gusali, na nangangailangan ng pagpapaalis sa paaralan ng palakasan at museo. Sa pamamagitan ng 2010, ang jubilee season ng teatro, ang muling pagtatayo ay natapos. Pinagmulan: opisyal na website ng Samara Opera and Ballet Theater

Ang Teatro Goldoni ay isa sa mga nangungunang at pinakalumang opera house sa Venice, Italy. Ang teatro ay itinayo noong 1622, binago ang pangalan nito nang maraming beses at matatagpuan sa sentrong pangkasaysayan ng Venice, hindi kalayuan sa Rialto Bridge. Pinapatakbo ang teatro at ito ang pangunahing yugto para sa kumpanya ng opera ng Teatro Stabile del Veneto. Sa kasaysayan, lahat ng pangunahing mga sinehan sa Venetian ay pagmamay-ari ng mahahalagang pamilyang patrician, halimbawa, ang mga sinehan na kilala ngayon bilang Teatro Malibran at Teatro San Benedetto ay pagmamay-ari ng pamilya Grimani, at ang La Fenice ay pagmamay-ari ng pamilyang Venier. Kasama ng mga pribadong sinehan, ang unang pampublikong opera house sa mundo, ang San Cassiano, ay itinayo sa Venice noong 1637. Ang pamilya Vendramin ay nagmamay-ari ng isang teatro na tinatawag na ngayong Goldoni. Ang teatro ay itinayo noong 1622 at binuksan sa komedya ni Antonio Ciofo, sa panahon ng kasaysayan nito ang teatro ay binago ang pangalan nito ng maraming beses, ito ay ang Teatro Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, hanggang noong 1875 natanggap nito ang kasalukuyang pangalan pagkatapos ng manunulat ng dulang si Carl Goldoni. Noong 1652 (pagkatapos ng sunog) at noong 1684 ang gusali ng teatro ay naibalik nang dalawang beses. Sa unang yugto ng pag-iral nito, ang teatro ay pangunahing nagtanghal ng mga opera, ngunit noong ikalabing walong siglo ay nagho-host ito ng mga dramatikong pagtatanghal. Noong 1720s, muling itinayo ang Teatro San Luca at pinalitan ng pangalan ang Teatro Apollo. Ang gusaling ito ay nakaligtas hanggang ngayon. Noong 1752, ang mga may-ari ng teatro ay nagawang umarkila kay Carlo Goldoni, na sa oras na iyon ay itinuturing na pinakatanyag na manunulat ng dula sa Venice, upang manguna sa teatro. Ito ay isang pangunahing kaganapan sa buhay teatro ng lungsod at, marahil, ang stellar na panahon ng teatro. Gayunpaman, ang may-ari noon ng teatro mismo ay nagsikap na direktang makibahagi sa pamamahala at pagtatanghal ng mga pagtatanghal at sa kadahilanang ito ay nagkaroon siya ng isang mahirap na relasyon at madalas na mga hindi pagkakaunawaan sa upahang direktor. Iniwan ni Carlo Goldoni ang teatro at Venice noong 1761 at pumunta sa Paris. Noong ikalabinsiyam na siglo, ang teatro ay sumailalim sa maraming mga pagsasaayos at pagsasaayos, kabilang sa pinakamahalaga ay ang muling pagsasaayos noong 1818 sa ilalim ng direksyon ng arkitekto na si Giuseppe Borsato, ang pag-iilaw ng gas ay na-install sa teatro noong 1826, diumano sa unang pagkakataon sa Italya, sa 1833 ang interior ay inayos sa ilalim ng direksyon ng taga-disenyo na si Francesco Bagnara. Noong 1875, sa panahon ng pagdiriwang ng kaarawan ng playwright, ang teatro ay pinalitan ng pangalan na Karl Goldoni Theater. Pagmamay-ari ng pamilya Vendramin ang teatro hanggang 1937, nang ito ay naging pag-aari ng lungsod. Noong 1957, ang teatro ay sarado dahil sa pagkasira. Noong 1979, pagkatapos ng isang malaking rekonstruksyon, muling binuksan ng inayos na teatro ang mga pinto nito. Ang interior ng Goldoni Theater ay isang tipikal na ika-18 siglong Italyano na teatro, may apat na antas, na may upuan na 800 katao, na may entablado na 12 metro ang lapad at 11 metro ang haba. Kasalukuyan itong nagho-host ng mga pagtatanghal ng drama, mga pagtatanghal sa opera, mga party ng mga bata at iba pang mga kaganapan na inorganisa ng kumpanya ng opera ng Teatro Stabile del Veneto.

Bashkir State Opera and Ballet Theater Ang Bashkir State Opera and Ballet Theater (Ufa, Republic of Bashkiria, Russia) ay binuksan noong 1938. Noong Disyembre 14, 1938, naganap ang premiere ng opera ni Giovanni Paisiello na The Beautiful Miller's Woman (sa Bashkir). Ang Bashkir Opera Studio ay nilikha noong 1932 sa inisyatiba ng mang-aawit, kompositor, pampublikong pigura na si G. Almukhametov upang sanayin ang pambansang artistikong at kompositor na mga tauhan ng republika. Sa unang dalawang taon, ang Bashkir Opera House ay nagbigay ng 13 premiere, higit sa kalahating milyong manonood ang bumisita sa teatro. Kasama sa poster ang mga gawa ng mga klasikong Ruso at dayuhan, mga opera ng mga kompositor ng Sobyet: "The Secret Marriage" ni Cimarosa, "Faust" ni Gounod, "Rigoletto" ni Verdi, "Eugene Onegin" ni Tchaikovsky, "Arshin Mal Alan" ng founder ng Azerbaijani national school of composition U. Hajibeyov, opera "Er targyn" ng Kazakh composer na si E. Brusilovsky at "Kachkyn" ng Tatar composer na si N. Zhiganov at iba pa. Noong Pebrero 8, 1940, ang premiere ng unang Bashkir opera - "Khak-mar" ni M. Valeev ay naganap sa entablado ng teatro, at pagkaraan ng ilang buwan, noong Disyembre, ang opera na "Mergen" ni A. Eichenwald ay itinanghal. Sa mga unang taon, ang mga nagtapos ng sangay ng Bashkir sa Leningrad Choreographic School, ang departamento ng ballet ng Bashkir Theatre School at isang pangkat ng mga mananayaw mula sa folk dance ensemble ay nagtrabaho sa ballet troupe ng teatro. Kabilang sa mga unang nagtapos ng kilalang paaralan ng Vaganov ay Z. Nasretdinov, H. Safiullin, T. Khudaiberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. Ang unang paggawa ng ballet ng teatro - "Coppelia" ni L. Delibes ay naganap noong 1940. Sa panahon ng Great Patriotic War, ang Kiev State Opera and Ballet Theater na pinangalanang V.I. T. Shevchenko, na may malaking impluwensya sa pagbuo ng Bashkir opera. Kasama sa tropa na dumating sa Ufa ang sikat na conductor ng opera na si V. Yorish, ang mga direktor na si N. Smolich at ang kanyang anak na si D. Smolich, ang mga sikat na mang-aawit na M. Litvinenko-Volgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov , batang L. Rudenko, I. Maslennikova. Noong Marso 1944 ang premiere ng unang Bashkir ballet na "Crane Song" ni L. Stepanov at Z. Ismagilov ay naganap. Pagkatapos ng digmaan, si G. Khabibullin ay naging artistikong direktor at direktor ng teatro; ang mga pagtatanghal ay isinagawa ni Kh. Fayzullin, L. Insarov, Kh. Khammatov. Ang mga artista na sina G. Imasheva at M. Arslanov ay nagtrabaho dito. Ang isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na performer ay lumaki sa teatro. Kasama ang mga mang-aawit ng mas matandang henerasyon - G. Si Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova ay matagumpay ding gumanap kasama ang mga nakababatang performer: Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova at iba pa. Ang landas ng Bashkir ballet ay inextricably na nauugnay sa mga pangalan ng Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleimanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullin, F. Sattarov. Ang pangalan ng natitirang ika-20 siglo na mananayaw na si Rudolf Nureyev ay hindi maiiwasang nauugnay sa kasaysayan ng Bashkir State Opera at Ballet Theater. Sa loob ng apat na taon nag-aral siya sa ballet studio sa teatro (mga guro na sina Zaytuna Bakhtiyarova at Khalyaf Safiullin). Noong 1953, si Nureyev ay pinasok sa ballet troupe ng teatro. Sa yugtong ito siya gumawa ng mga unang hakbang patungo sa isang karera sa ballet sa mundo. Sa papel ni Dzhigit sa ballet na "Crane Song", nakuha ni Rudolf Nureyev ang atensyon ng mga espesyalista sa sikat na Dekada ng Bashkir Art sa Moscow noong 1955 at inanyayahan na mag-aral sa Leningrad Choreographic School. Mula noong 1991, ang mga pagdiriwang ng opera ng Shalyapin sa Ufa ay ginaganap taun-taon sa Ufa, kasama ang pakikilahok ng mga bituin sa opera mula sa mga teatro ng Russia at dayuhan. Ang ideya ng pagdiriwang ay konektado sa opera debut ni Fyodor Chaliapin sa Ufa noong Disyembre 18, 1890 (ang papel ni Stolnik sa opera ni Moniuszko na "Pebbles"). Sa loob ng balangkas ng pagdiriwang, ang People's Artists ng USSR Irina Arkhipova, Vladislav Piavko at Maria Bieshu, mga artista mula sa Latvia, Georgia, Germany, mga soloista ng Bolshoi at Mariinsky Theaters, pati na rin ang mga musikal na sinehan sa Saratov, Samara, Perm at iba pa mga lungsod na gumanap sa entablado ng Bashkir State Opera at Ballet Theater Russia. Noong Disyembre 2001, ginanap ang ika-sampung anibersaryo ng pagdiriwang. Nagbukas ito sa premiere ng opera ni Verdi na La Traviata sa Italyano. Mula noong Marso 1993, ginanap ang mga pagdiriwang ng sining ng ballet ng Rudolf Nureyev. Ang unang pagdiriwang ay inayos ayon sa mungkahi ng Honorary President ng Dance Committee ng International Theatre Institute sa ilalim ng UNESCO, isang miyembro ng Paris Academy of Dance, Hero of Socialist Labor, People's Artist ng USSR at RB Yuri Grigorovich at ginanap. kasama ang pakikilahok ng kanyang tropa na "Grigorovich-Ballet". Noong 1993, binuksan ang museo ng teatro para sa ika-55 anibersaryo ng Bashkir State Opera at Ballet Theatre. Matatagpuan ito sa dalawang bulwagan sa unang palapag ng teatro, sa kaliwa ng gitnang hagdanan. Dito mahahanap mo ang mga props at personal na pag-aari ng mga sikat na artista, mga parangal ng kolektibo, mga sketch ng tanawin at mga teatro na costume, mga litrato at mga poster para sa mga pagtatanghal ng 30-70s. Ang ipinagmamalaki ng museo ay ang Hermitage hall, na matatagpuan sa ikalawang palapag. Mula noong 2008, isang paglalahad ng mga personal na gamit ni Rudolf Nureyev ay matatagpuan doon. 156 artifact mula sa buhay at gawain ng henyong mananayaw noong ika-20 siglo - isang regalo sa teatro mula sa R. Nureyev International Foundation (Great Britain). Noong 2004, ang opera ni Zagir Ismagilov na "Kakhym-turya" ay nanalo ng Golden Mask National Theatre Award sa kategoryang "Best Conductor". Noong 2006, hinirang sa tatlong nominasyon ang dulang "The Magic Flute" ni W.-A. Mozart na itinanghal ni W. Schwartz. "Golden Mask" - "Para sa suporta ng pambansang sining ng teatro" - iginawad sa Pangulo ng Republika ng Bashkortostan MG Rakhimov. Noong 2007, ang opera ni Giuseppe Verdi na "Masquerade Ball" ay hinirang para sa premyo sa limang nominasyon. Noong 2008, ang People's Artist ng USSR na si Zaytuna Nasretdinova ay iginawad sa Golden Mask Prize sa kategoryang Para sa Karangalan at Dignidad. Para sa kanyang namumukod-tanging kontribusyon sa mga tagumpay sa kultura, ang Konseho ng International Biographical Center (Cambridge, UK) ay iginawad kay Zaytune Nasretdinova ang honorary title ng "International Professional". Noong 2007, ginawaran siya ng Soul of Dance prize sa Master of Dance nomination ng editorial board at ng creative council ng Ballet magazine. Noong 2008, si Shamil Teregulov, Pinarangalan na Artist ng Russia, People's Artist ng Bashkortostan, ay iginawad sa Soul of Dance prize sa Knight of Dance nomination. Noong 2006 ang teatro ay iginawad sa Fyodor Volkov Prize ng Russian Government sa kategoryang "Best Creative Team". Ito ay ipinakita sa VII International Volkov Festival sa Yaroslavl, na binuksan kasama ang ballet na "Arkaim" ni L. Ismagilova. Noong 2008, matagumpay na gumanap ang symphony orchestra sa paglilibot sa South Korea at ginawaran ng mataas na parangal - isang kopya ng Crown I ng Korean Emperor. Noong 2009, binuksan ang Maliit na Bulwagan ng teatro. Nagsisimula na ang mga bagong pagtatanghal sa bagong yugto: "Love Potion" ni G. Donizetti, "Bacchanalia" ni C. Sen-Saens, "Walpurgis Night" ni S. Gounod, "Birthday of Cat Leopold" ni B. Savelyev. Ang mga malikhaing prinsipyo na nabuo sa loob ng pitong dekada ay nabubuhay at umuunlad. Maingat na saloobin sa mga tradisyon na inilatag ng mga nakaraang henerasyon, karanasan, patuloy na pagpapabuti ng mga kasanayan, pagpapalakas ng propesyonalismo. Ang susi sa tagumpay ng teatro ay ang mga mataas na propesyonal na creative team. Artists BSTOiB - mga nagwagi, mga nagwagi ng diploma ng republikano, Ruso at internasyonal na mga kumpetisyon, mga may hawak ng mga parangal ng estado at republikano. Ang mga stage master ay iginawad ng mga honorary na titulo, kabilang ang 1 People's Artist ng Russian Federation, 7 - Honored Artists ng Russian Federation, 4 - Honored Art Workers ng Russian Federation, 15 - People's Artists ng Republic of Belarus, 50 - Honored Artists ng ang Republika ng Belarus, 4 - Mga Pinarangalan na Artist ng Republika ng Belarus. Tulad ng dati, ang kolektibo ay nakatuon sa pagtatanghal ng pinakamahusay na mga halimbawa ng mga dayuhan at lokal na klasiko, sa entablado na sagisag kung saan ang mga direktor at tagapalabas ay namamahala upang makamit ang tunay na karunungan.

Moscow theater Novaya Opera kanila. E.V. Ang Kolobov ay itinatag noong 1991 sa inisyatiba ng artistikong direktor ng teatro na si Yevgeny Kolobov (1946-2003) at Moscow Mayor Yuri Luzhkov, at sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga pinakamahusay na grupo ng opera sa Russia. Noong 1991, ang punong konduktor ng Stanislavsky at Nemirovich Danchenko MAMT, si Evgeny Kolobov, dahil sa mga pagkakaiba sa malikhaing, ay umalis sa teatro, kasama ang bahagi ng tropa at ang buong orkestra. Nakahanap si Kolobov ng suporta mula sa alkalde ng Moscow na si Yuri Luzhkov, at itinatag ang Novaya Opera theater, kung saan siya ang naging punong konduktor at artistikong direktor. Ang asawa ni Kolobov, si Natalya Popovich, ay hinirang na punong guro ng koro. Sa una, ang teatro ay walang sariling lugar, mayroong mga pagtatanghal ng konsiyerto ng mga opera, mga costume na divertissement (Rossini). Noong 1997, lumitaw ang isang gusali sa Hermitage garden sa New Opera. Ang bagong gusali ng teatro ay isang bulwagan para sa 660 na upuan, na nilagyan ng modernong kagamitan sa pag-iilaw at mekanika ng entablado, na nagpapahintulot sa mga pagtatanghal na pagtatanghal na may kumplikadong mga epekto sa entablado. Ang teatro ay may sariling audio at video studio. Umaasa sa mga marka ng opera na hindi alam sa Russia, ipinakita ni Kolobov sa publiko ng Moscow ang mga opera na Two Foscari (Verdi), Maria Stuart (Donizetti), Valley (Catalani), ang kanyang mga bersyon ng Tchaikovsky's Eugene Onegin, Verdi's La Traviata ... Noong 2000, ginampanan ni Dmitry Hvorostovsky ang pangunahing papel sa premiere ng opera Rigoletto. Noong 2003, may kaugnayan sa pagkamatay ng tagapagtatag, nagsimula ang isang krisis sa teatro. Ang pagganap ni Bizet na "Pearl Seekers" ay itinuturing na kritikal, at ang "The Tsar's Bride" ay negatibong nakikita. Noong 2005, inimbitahan ng artistikong pamamahala ng teatro ang mga direktor ng Aleman na sina Yossi Viller at Sergio Morabito (direktor ng musika at konduktor ng produksyon na si Felix Korobov) upang itanghal ang opera ni Bellini na Norma. Ang opera ay pumukaw ng paghanga sa mga Muscovites. At para sa isang mahirap na papel na soprano, natanggap ni Tatyana Pechnikova ang Golden Mask award. Noong Marso 2006, ang People's Artist ng USSR na si Eri Klas ay naging pangunahing conductor ng teatro, na nagpakilala ng mga pagtatanghal na may mga comic shade sa repertoire (The Magic Flute ni Mozart, The Potion of Love ni Donizetti, The Barber of Seville ni Rossini, Gianni Schicchi ni Puccini, The Bat "Strauss). Noong 2008, ang opera ni Wagner na Lohengrin ay itinanghal sa teatro ng direktor na si Kasper Holten, at ang makikinang na maestro na si Jan Latham-Koenig (Great Britain), na naging permanenteng guest conductor ng teatro, ay nagsasagawa. Noong tagsibol ng 2009, ang premiere operetta na "The Bat" ay nagdulot ng kawalang-kasiyahan sa publiko na may kaugnayan sa libreng pagsasalin ng mga diyalogo, ngunit ang mga pagsusuri ay positibo tungkol sa musika. Kamakailan, ang teatro ay nagsimulang mag-alok ng mga pagtatanghal ng konsiyerto ng mga opera na madalas na itanghal, ngunit ngayon ay hindi inaangkin sa Russia: "Troubadour", "Prince Igor", "The Maid of Orleans", atbp. sa Novaya Opera ", na nakatuon sa ang nagtatag ng teatro na si Yevgeny Kolobov, na ipinanganak noong Enero 19 sa Epiphany. Mula noong 2006, ang teatro ay ipinangalan sa tagapagtatag nito. Ang buong pangalan ng teatro: Moscow Novaya Opera Theater. E.V. Kolobov. Kasama sa repertoire ng teatro ang mga klasikal na obra maestra ng opera; dating hindi kilala sa Russia operatic works ("Hamlet" ni A. Tom, "Maria Stuart" ni Gaetano Donizetti, "Valley" ni A. Catalani); mga pagtatanghal batay sa orihinal na mga bersyon ng musikal ng E.V. Kolobov (“Oh Mozart!” Ni Mozart, “Ruslan at Lyudmila” ni MI Glinka, “La Traviata” ni G. Verdi, “Eugene Onegin” ni PI Tchaikovsky). Ang teatro ay nagmamay-ari ng mga unang pagtatanghal sa Russia ng mga opera na "Maria Stuart" ni G. Donizetti, "Valley" ni A. Catalani, "Two Foscari" ni G. Verdi, "Boris Godunov" ni Mussorgsky (sa unang bersyon ng may-akda) , "Hamlet" ni A. Tom. Ang isang bagong theatrical genre ay nilikha din - isang uri ng malikhaing larawan ng mga sikat na kompositor at musikero (Maria Callas, Viva Verdi!, Viva Puccini!, Vincenzo Bellini, Richard Wagner, Rossini, Bravissimo!) ... Sa kabuuan, ang repertoire ng Novaya Opera Theater ay may kasamang higit sa 70 mga gawa ng opera at mga genre ng konsiyerto. Tuwing Enero ang teatro ay nagdaraos ng isang pang-internasyonal na pagdiriwang na "Epiphany week sa Novaya Opera", na pinagsasama-sama ang mga natatanging masters ng musikal na kultura. Ang mga soloista ng Novaya Opera - People's Artists of Russia Yulia Abakumovskaya, Emma Sarkisyan, Honored Artists of Russia Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova - ay nakatanggap ng mga honorary na titulo sa mga taon ng trabaho sa teatro. Ang mga batang soloista ng opera na may permanenteng pakikipag-ugnayan sa teatro ay mga nagwagi ng mga internasyonal na kompetisyon sa boses at nagwagi ng mga prestihiyosong parangal sa teatro tulad ng Golden Mask, Casta Diva, at Triumph. Maraming mga soloista sa teatro ang maaaring marapat na mai-ranggo sa mga pinakamahusay na boses ng Russia - Tatyana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatyana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Oleg Diden Ladyuk , Oleg Didenko Laduk , Vladimir Kudashev at iba pa; marami sa kanila ay kasangkot din sa Bolshoi Theater ng Russia, Metropolitan Opera, Arena di Verona, atbp. Ang espesyal na tungkulin na itinalaga sa orkestra ay nauugnay sa iba't ibang mga malikhaing interes ng mga konduktor na nagtatrabaho sa teatro - ang punong konduktor ng ang teatro, People's Artist ng USSR Eri Klas, People's Artist Russia Anatoly Gus, Honored Artists of Russia Evgeny Samoilov at Sergei Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. Bilang karagdagan sa pakikilahok sa mga pagtatanghal ng opera, ang orkestra ay gumaganap sa pinakamahusay na mga lugar ng konsiyerto sa Russia na may mga symphonic na programa: sa Great Hall ng Moscow Conservatory, ang Concert Hall. PI Tchaikovsky, sa bulwagan ng St. Petersburg Philharmonic. Ang repertoire ng konsiyerto ng orkestra ay magkakaiba: mga symphony ni P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich, S. V. Rachmaninov, L. van Beethoven, V. A. Mozart, gawa ni I. F. Stravinsky, P. Hindemith, A. Onegger, F. Chopin, E. Lalo, konsiyerto mga programa na may pakikilahok ng mga soloista ng teatro, koro at mga inimbitahang musikero. Sa isang independiyenteng paglilibot, binisita ng orkestra ang Espanya (ang mga lungsod ng Zaragoza, Barcelona, ​​​​Coruña, San Sebastian, 1992), Portugal (Porto, 1992), Alemanya (Karlsruhe, 2006). Kasama ang Imperial Russian Ballet, binisita ng orkestra ang Turkey (Istanbul, 2000), Finland (Taunang Ballet Festival sa Mikkel, 2000-2006), Thailand (Bangkok, 2005). Noong 2001, nakibahagi ang orkestra sa mga pagtatanghal ng Los Angeles Opera Company na "Don Juan" ni W. A. ​​​​Mozart at "Salome" ni R. Strauss sa Savonlinna Opera Festival sa Finland. Ang koro ng teatro ay palaging kalahok sa lahat ng mga pagtatanghal, isang pangkat ng mga propesyonal na katulad ng pag-iisip. Alinsunod sa mga aesthetics ng teatro, ang koro ay kasangkot sa lahat ng antas ng produksyon. Ang malaking kahalagahan sa propesyonal na edukasyon ng choral collective ay naka-attach sa pagganap ng mga programa sa konsiyerto mula sa mga gawa ng Russian at foreign choral classics, mga sagradong gawa, malalaking cantata-oratorio form, tulad ng "John Damascene" ni SI Taneyev, "Requiem" ni G. Verdi, "Spring" at "Three Russian Songs" ni S. V. Rachmaninov, "Requiem" ni V. A. Mozart, "Polovtsian Dances" ni A. P. Borodin, "Alexander Nevsky" ni S. S. Prokofiev, "Moscow" ni P. I. Tchaikovsky, Carmina Buranakovsky ni K. Orf. Ang Novaya Opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang modernong diskarte sa scenography at direksyon. Ang teatro ay nakikipagtulungan sa mga sikat na master sa larangan ng theatrical art upang lumikha ng mga pagtatanghal ng iba't ibang direksyon at estilo: ito ang mga direktor - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [sino?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk , Yuri Grymov, Andreis Zhagars, Yuri Alexandrov, Achim Fryer, Yossi Wheeler at Sergio Morabito, Ralph Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinski, Gennady Shaposhnikov; mga artista - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Fryer, A. Fibrok, A. Freibergs, S. Aarfing, E. Tilby. Ang mga natitirang masters ng musikal na kultura ay nagtatrabaho sa Novaya Opera collective: conductors Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkyavichus, Daniel Lipton; instrumentalists Eliso Virsaladze at Nikolay Petrov, Tatiana Sergeeva (piano), Natalia Gutman (cello), Finnish jazzman Antti Sarpila (clarinet, saxophone); mga mang-aawit sa opera na sina Jose Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (mga 10 magkasanib na pagtatanghal), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Feruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya at Anastasia Volochkova; ang Griyegong kompositor na si Mikis Theodorakis; at ang mga soloista ng New York African American Opera Company na Ebony Opera. Mapa ng paglilibot ng New Opera: Greece (pagsasara ng taunang pagdiriwang ng musika sa Odeon ni Herodes Atticus sa Athens kasama ang mga konsiyerto ng anibersaryo ni Mikis Theodorakis noong 2005), Cyprus (sa loob ng maraming taon ang teatro ay nakikilahok sa mga opera festival kasama si Mario Frangoulis at Deborah Myers, at lumahok din sa isang matagumpay na konsiyerto na nakatuon sa pagbisita sa Cyprus ng natitirang Griyegong kompositor na si Mikis Theodorakis noong 2005), Italy (Musicale Umbra Festival sa Perugia), France (Champs-Élysées Theater, Paris), Germany ( Reithalle Hall, Munich), Israel (Rishon LeZion), Finland (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, Mikkeli Annual Ballet Festival), USA (14 Eugene Onegin performances sa Martin Beck Theater sa Broadway, New York), Estonia (Birgitta Festival sa Tallinn), Spain, Portugal, Yugoslavia, Turkey, Thailand, Belarus, Ukraine, pati na rin ang mga lungsod sa Russia. Ang mataas na pagganap ng kakayahan ng tropa, ang pagka-orihinal ng mga solusyon sa entablado ay nagdala sa teatro na nararapat na katanyagan. Ang theater team ay nanalo ng Golden Mask National Theater Award, ang Casta Diva Russian Opera Award, ang Triumph Independent Award, ang Sony BMG Greece Award (Greece), at ang Star of the Week diploma mula sa German na pahayagan na Abendzeitung. Noong 1999 ang teatro ay tinanggap sa European opera community Opera Europa. Noong 2003, sa pamamagitan ng utos ng Pangulo ng Russian Federation, ang tagapagtatag ng teatro na si Yevgeny Kolobov (posthumously), direktor ng teatro na si Sergei Lysenko at punong choirmaster na si Natalya Popovich ay iginawad sa State Prize ng Russian Federation para sa paglikha ng Novaya Opera Theater. Noong 2006 ang teatro ay pinangalanan sa tagapagtatag nito na si Yevgeny Kolobov.

Ang Metropolitan Opera ay isang musikal na teatro sa Lincoln Center sa New York, New York, USA. Ang pinakamalaking opera house sa mundo. Madalas itong tinatawag na "Met" sa pinaikling anyo. Ang teatro ay kabilang sa pinakasikat na yugto ng opera sa mundo. Ang artistikong direktor ng teatro ay si James Levine. CEO - Peter Gelb. Nilikha gamit ang mga pondo mula sa Metropolitan Opera House Company. Tinutulungan ng mga mayayamang kumpanya, mga indibidwal. Nagbukas ang Metropolitan Opera sa pamamagitan ng pagtatanghal ng Faust ni Charles Gounod noong Oktubre 22, 1883, kasama ang Swedish soprano na si Christina Nilsson bilang babaeng lead. Ang teatro ay bukas pitong buwan sa isang taon: mula Setyembre hanggang Abril. Humigit-kumulang 27 opera ang itinanghal bawat panahon. Ang mga pagtatanghal ay ginaganap araw-araw, may kabuuang 220 na pagtatanghal. Ang teatro ay nagpapatuloy sa paglilibot mula Mayo hanggang Hunyo. Bilang karagdagan, noong Hulyo, ang teatro ay nagbibigay ng mga libreng palabas sa mga parke ng New York, na umaakit ng malaking bilang ng mga manonood. May mga regular na broadcast sa radyo at TV. Ang orkestra at koro ng teatro ay gumagana nang permanente, at ang mga soloista at konduktor ay iniimbitahan sa isang kontrata para sa isang season o para sa ilang mga pagtatanghal. Tradisyonal na ginaganap ang mga Opera sa orihinal na wika. Ang repertoire ay batay sa mga klasikong mundo, kabilang ang mga kompositor ng Russia. Ang unang Metropolitan Opera, na idinisenyo ni J. Cleveland Cady, ay matatagpuan sa Broadway, sa pagitan ng 39 at 40 na kalye. Noong 1966, lumipat ang teatro sa bagong Lincoln Center sa Manhattan at mayroong isang pangunahing yugto at tatlong pantulong na yugto. Ang pangunahing awditoryum ay may 3,800 na upuan at sa kabila ng laki nito ay kilala sa mahusay nitong acoustics.

Ang Voronezh State Opera and Ballet Theater ay naabot ng mahabang paraan ng pag-unlad. Noong Setyembre 1931, nagsimula ang isang teatro ng musikal na komedya sa Voronezh, na inayos batay sa isang kolektibo ng mga propesyonal na artista, na pinamumunuan ng isang mahuhusay na tagapag-ayos, direktor at aktor na si Lazar Arkadyevich Lazarev. Noong unang bahagi ng 30s ng huling siglo, ang Voronezh ang sentro ng Central Black Earth Region, na kinabibilangan ng mga lungsod na kalaunan ay naging mga sentrong pangrehiyon: Kursk, Orel, Tambov, Lipetsk. Ang isa sa mga pangunahing malikhaing gawain ng Voronezh Theater of Musical Comedy ay ang pagsilbihan ang mga nagtatrabaho sa rehiyon ng Chernozem. Sa oras na iyon, ang repertoire ng teatro ay kasama hindi lamang ang mga klasikal na operetta, kundi pati na rin ang mga modernong musikal na komedya. Ang mataas na antas ng mga performer ay nag-ambag sa katotohanan na ang mga pagtatanghal ay palaging isang mahusay na tagumpay. Noong 1958, ang malikhaing ulat ng teatro ay naganap sa Moscow. Ito ay isang tagumpay at lubos na pinahahalagahan ng mga manonood at ng musikal na komunidad ng kabisera. Sa panahon ng paglilibot, iminungkahi ng chairman ng Union of Composers ng USSR T.N. Khrennikov na muling ayusin ang teatro ng musikal na komedya sa Musical Theater. Ang panukalang ito ay suportado ng Ministri ng Kultura at ng pamunuan ng rehiyon ng Voronezh. Ang desisyon na muling ayusin ang Musical Comedy Theater sa Musical Theater ay ginawa noong 1960. Ang unang pagtatanghal na minarkahan ang kapanganakan ng isang bagong teatro sa lupain ng Voronezh ay ang opera ni P. Tchaikovsky na si Eugene Onegin, na itinanghal ng unang punong konduktor ng teatro, si V. Timofeev. Ang premiere ay naganap noong Pebrero 25, 1961. Ang petsang ito ay ang kaarawan ng teatro. Ang ballet troupe na pinamumunuan ng mahuhusay na koreograpo na si T. Ramonova ay nagsimulang maglakbay sa malaking sining sa dulang "Swan Lake". Noong dekada ikaanimnapung taon, ang mga mahuhusay na malikhaing pinuno, na kilala sa bansa, ay nagtrabaho sa teatro: direktor - People's Artist ng Belarus S.A. Stein, punong koreograpo - Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng Belarus K.A. Muller, punong artista - Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng RSFSR V.L. Tsybin. Ang panahon ng malikhaing pagbuo ng batang kolektibo ay nauugnay sa pangalan ng People's Artist ng RSFSR, nagwagi ng State Prizes Anatoly Alekseevich Lyudmilin - isang mahusay na konduktor, sensitibong guro at may talento na tagapag-ayos. Nilikha niya ang mga pundasyon ng klasikal na opera at ballet repertoire sa teatro, at paulit-ulit na bumaling sa mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, mahigit 10 pagtatanghal ang itinanghal, kabilang ang Aida, Rigoletto, La Traviata ni G. Verdi, Carmen ni J. Bizet, Tosca at Cio-Cio-San ni G. Puccini, The Queen of Spades "P. Tchaikovsky, "The Demon" ni A. Rubinstein, "Lud Gidiya" ng Bulgarian composer na si P. Khadzhiev, "Years of Fire" ni A. Spadavekkia. Noong 1967, ang Artist ng Tao ng USSR na si Yaroslav Antonovich Voshchak ay inanyayahan sa post ng punong konduktor. Ipinagpatuloy niya ang mga tradisyon ng A. Lyudmilin, ang pangunahing kung saan ay ang mataas na kultura ng musikal ng teatro. Ang mga opera na "Mazepa" ni P. Tchaikovsky, "Troubadour" ni G. Verdi at "Russian Woman" ni K. Molchanov, na itinanghal niya, ay naging tunay na mga kaganapan sa teatro, sinamahan sila ng pagmamahal ng madla at mataas na papuri mula sa mga kritiko . Sa ilalim ng Ya.A. Voshchak noong 1968, ang Musical Theater ay pinalitan ng pangalan na Voronezh State Opera and Ballet Theater. Noong dekada 70, isang mahalagang papel sa malikhaing buhay ng teatro ang ginampanan ng mga punong konduktor, Pinarangalan na Artist ng Kazakh SSR IZ Ostrovsky at Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng Russian Federation na si VG Vasiliev, punong direktor, Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng Moldovan SSR. GM Gelovani, punong koreograpo - Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng Russian Federation G.G. Malkhasyants, punong artista - N.I. Kotov, punong koro, Pinarangalan na Artist ng Russian Federation L.L.Ditko. Noong dekada 90, dumating ang isang bagong pamumuno: ang punong konduktor, Pinarangalan na Artist ng Russian Federation na si Yu.P. Anisichkin, punong direktor, pinarangalan na manggagawa ng sining ng Russian Federation A.N. Zykov, punong artista, pinarangalan na manggagawa sa sining ng Russian Federation na si V.G. Kochiashvili. Sa loob ng higit sa 10 taon, ang artistikong direktor ng ballet ay ang People's Artist ng Russian Federation N.G. Valitova. Ang grupo ng koro noong 1999 ay pinamumunuan ng laureate ng mga internasyonal na kumpetisyon na si V.K. Kushnikov. Mula sa araw ng pagbubukas, higit sa 200 pagtatanghal ang itinanghal sa entablado ng teatro, kabilang ang buong sikat na klasikal na opera at ballet repertoire. Mula sa mga unang taon ng operasyon nito, ang teatro ay itinuturing na isang mahalagang gawain sa pagbuo ng repertoire ng organikong kumbinasyon ng mga klasikal na tradisyon na may mga modernong uso sa musikal at teatro na sining. Ang mga opera na "The Daughter of Cuba" ni K. Listov, "The Brest Fortress" at "Russian Woman" ni K. Molchanov, "The Diary of Anne Frank" ni G. Fried, sa unang pagkakataon na itinanghal sa entablado ng Voronezh, nakatanggap ng all-Union recognition. Ang paggawa ng opera na "Brest Fortress" (direktor S. Stein, conductor G. Orlov, artist V. Tsybin, choirmaster V. Izhogin) ay nakatanggap ng malawak na tugon. Parehong nabanggit ng metropolitan at lokal na pahayagan hindi lamang ang husay sa boses ng mga gumaganap, kundi pati na rin ang mataas na uri ng kasiningan, na naging posible upang lumikha ng mga larawan ng mga buhay na bayani. Ang pagtatanghal ay ginawaran ng Honorary Diploma sa All-Union Theater Competition. Gumagana ang teatro sa malapit na pakikipag-ugnayan sa mga kompositor ng Voronezh. Noong 1971 ang premiere ng ballet na The Song of Triumphant Love ay naganap sa musika ng kompositor at konduktor ng teatro na si M. Nosyrev batay sa gawain ni I. Turgenev. Ang pagganap ay lubos na pinahahalagahan ng mga kritiko at manonood at sa loob ng higit sa 10 taon ay napanatili sa repertoire (konduktor M. Nosyrev, koreograpo D. Aripova, artist B. Knoblok). Sa pakikipagtulungan sa kompositor na si G. Stavonin, ang unang Voronezh opera na "Oleko Dundich" (1972), na tinawag ni TN Khrennikov na "isang kahanga-hangang kaganapan sa buhay musikal ng bansa", at ang ballet-symphony na "The Tale of the Russian Land "(1982) ay itinanghal. Sa okasyon ng ika-400 anibersaryo ng Voronezh at ang ika-300 anibersaryo ng armada ng militar ng Russia noong 1986, ang teatro ay nagtanghal ng produksyon ng opera ni G. Stavonin na "Vivat, Russia!" Ngayon ang repertoire ng teatro ay may kasamang higit sa 40 mga pamagat - Russian at dayuhang klasiko, mga gawa ng ating mga kontemporaryo. Sa nakalipas na mga dekada, ang mga soloista ng opera at ballet, na kilala sa bansa, ay nagtrabaho sa teatro, na nakakuha ng pagkilala sa kanilang talento: opera soloists, People's Artists of the Russian Federation E. Poimanov, S. Kadantsev, Honored Artists of ang RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E .Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (People's Artist ng Buryatia), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchy, G. Kolmakov; ballet soloists People's Artists of the Russian Federation N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - nagwagi ng mga internasyonal na kumpetisyon ng ballet sa Moscow, Paris, Varna, ang kanyang pangalan ay kasama sa aklat na "The Best Giselle Performers" na inilathala sa USA, Mga Pinarangalan na Artist ng Russian Federation L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Bawat taon ang mga batang performer ay pumupunta sa teatro: mga nagtapos ng Voronezh Academy of Arts at mga konserbatoryo ng bansa - sa opera troupe, mula sa Voronezh Choreographic School - sa ballet, ang Voronezh Rostropovich Musical College - sa orkestra at koro ng teatro. Ang heograpiya ng mga paglilibot sa teatro ay malawak. Ang sining ng Voronezh ay pinalakpakan sa Alemanya, Espanya, Czech Republic, Poland, Austria, Japan, Finland, mga bansang Aprikano. Noong 1996, ipinakita ang Sleeping Beauty ballet sa 38 lungsod sa France, at noong 1997 at 1999 ay nilibot niya ang India. Mula noong 2000, ang ballet ng Voronezh ay naglibot sa Holland, Germany, Belgium kasama ang mga pagtatanghal na Giselle, The Nutcracker at The Sleeping Beauty. Noong Mayo 2005, ang kumpanya ng ballet ay nakibahagi sa International Festival na nakatuon sa gawain ni P.I. Tchaikovsky, na ginanap sa Germany. Noong 2006 at 2009 ang teatro ay naglibot sa USA at Canada, kung saan ipinakita nito ang mga ballet na Cinderella ni S. Prokofiev, Giselle ni A. Adam at A Thousand and One Nights ni F. Amirov. Mga pagtatanghal ng Opera na "Troubadour" (conductor Mechislav Novakovsky (Poland), director A. Zykov), "Othello" (conductor Y. Anisichkin, director F. Safarov), "The Queen of Spades" (conductor Y. Anisichkin, direktor A. Zykov) noong 1999 at 2001 ay ipinakita sa Netherlands. Ang Voronezh Opera at Ballet Theater, ang nag-iisa sa Central Black Earth Region, ay nakikita ang gawain nito sa pagtataguyod ng opera at ballet art sa lahat ng rehiyon ng rehiyon, pagsasagawa ng pagbisita sa mga palabas, patuloy na pagpapalawak ng heograpiya ng mga paglilibot. Opera troupe ng Voronezh State Opera and Ballet Theater Coloratura sopranos Yekaterina Gavrilova Pinarangalan na Artist ng Russian Federation Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko Laureate ng International Competition Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Soprano Laureate of the All-Russian Kumpetisyon ng Galinabronakovna Makovnakov Alexandrova Hall ng Russian Federation Ilya Kunakovskaya Olga Maksimennova Narodnaya Narodnaya Hall artist ng Russian Federation Alexandra Tyrzyu laureate ng International Competition Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - soprano Tatyana Kibalova Laureate ng International Competition Yulia Knyaze Laureate ng International Competitions Yulia Knyaze Laureate D Laureate ng International na Kumpetisyon ng Elena Knyaze Tennis Bashkirov Evgeny Belov Aleksey Ivanov Pinarangalan Artist ng Russian Federation Yuri Kraskov Pinarangalan Artist ng Russian Federation Pinarangalan Artist ng Russian Federation Yuri Kraskov Pinarangalan Artist RF Alexander Anikin Leonid Vorobiev Oleg Guryev nagwagi ng International at All-Russian na mga kumpetisyon na si Igor Gornostaev Sergei Meshchersky Alexey Tyukhin Diploma-recipient ng International Competition Roman Dyudin Basy Nikolay Dyachok Honored Artist ng Russian Federation Alexander Nazarov Honored Artist ng Buryatia Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov Pinuno ng Opera Company Nadezhda Kopytina Directors Alfred Melukha Sofya Shalagina Assistant director, host ng pagganap Pinarangalan na Manggagawa ng Kultura ng Russian Federation Tatiana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev

– Sydney Opera House, at kahit na hindi mo pa naririnig, tiyak na madali mong makikilala ang larawan ng hindi pangkaraniwang istrukturang hugis ng layag na ito.

Ang aming kuwento ay magpapakilala sa iyo sa kakaibang gusaling ito nang mas malapit, malalaman mo kung bakit ito naging popular sa mga turista, at maaari kang magpasya kung ito ay karapat-dapat sa iyong pansin o hindi.

Ang kasaysayan ng Sydney Opera House

Ang kasaysayan ng pagtatayo ng isang sikat na landmark sa mundo ay nagsimula sa malayo 1954 taon nang ang British conductor sir J. Goossens Pagdating sa trabaho sa trabaho, natuklasan ko na mayroong hindi lamang isang opera house, kundi pati na rin ang anumang iba pang sapat na maluwang na silid kung saan ang mga tao ay maaaring makinig sa musika.
Nagalit siya sa ideya ng konstruksyon at sa lalong madaling panahon nakahanap ng angkop na lugar - Cape Bennelong Point, kung saan matatagpuan ang depot ng tram sa oras na iyon.
Si J. Goossens ay gumawa ng maraming trabaho, at ngayon, noong Mayo 17, 1955, ang gobyerno ng Australia ay nag-anunsyo ng isang kompetisyon upang bumuo ng isang proyekto para sa isang bagong opera house. Ang mga arkitekto mula sa buong mundo ay nagpadala ng kanilang mga disenyo, ngunit sa huli ay nanalo ang Dane J. Watson.
Nagsimula ang malakihang konstruksyon, na nag-drag sa loob ng 14 na taon at sa halip na orihinal na kinakalkula na 7 milyong dolyar ng Australia, nangangailangan ito ng 102 milyon.
Noong 1973, opisyal na binuksan ang Sydney Opera House, sa lalong madaling panahon ang gusali ay naging pangunahing simbolo ng arkitektura hindi lamang, kundi pati na rin ng Australia sa kabuuan.

Mga nangungunang atraksyon - ano ang makikita sa Sydney Opera House?

Walang alinlangan, ang atensyon ng mga tao mula sa buong mundo sa Sydney Opera House ang pinaka. ito ay naaakit ng madaling makikilalang bubong, na para sa isang tao ay kahawig ng mga layag, sa isang tao ay may mga shell, habang ang iba ay nagsasabi na ito ay isang simbolo ng frozen na musika.

Alam mo ba? Maraming mga tao ang nag-iisip na ang bubong ay may puting ibabaw, ngunit sa katunayan, ang ilan sa mga tile nito ay puti, ang iba ay cream, dahil sa kung saan, depende sa sikat ng araw, maaari itong "magbago" ng kulay.

Ngunit bukod sa bubong, marami pang ibang bagay na nagpapangyari sa gusali. Napapaligiran ito ng tubig sa tatlong panig at nakatayo sa malalaking kongkretong tambak. Ang lugar ng teatro ay umabot sa hindi kapani-paniwalang mga numero - 22 libong metro kuwadrado. m.!

Ang teatro ay tumatanggap ng 4 malalaking bulwagan nang sabay-sabay:

• Concert hall, na maaaring sabay na makatanggap ng 2679 bisita;
• Opera theater idinisenyo para sa 1,507 na manonood, hindi lamang opera, kundi pati na rin ballet ang nilalaro dito;
• Teatro ng Drama kayang tumanggap ng 544 katao;
• Maly Drama Theater- ang pinaka komportableng bulwagan para sa 398 na manonood.

Bilang karagdagan sa mga pangunahing bulwagan, ang teatro ay may maraming iba pang mga silid - mga silid ng pag-eensayo, mga silid ng wardrobe, mga koridor, mga bar at mga restawran.

Aliwan

Walang alinlangan, ang pangunahing libangan ng Sydney Opera House ay pinapanood ang kanyang mga natatanging dula, pagtatanghal, opera at balete... Ang mga sikat na kumpanya sa teatro at ballet sa mundo, pati na rin ang mga orkestra, mang-aawit at iba pang mga artista ay pumupunta rito kasama ang kanilang mga pagtatanghal.

Alam mo ba? Ang teatro ay maaaring mag-host ng 4 na magkakaibang pagtatanghal sa parehong oras!

Mahahanap mo ang poster ng mga paparating na kaganapan sa ang opisyal na website ng Sydney Opera House.
Kung ikaw ay hindi isang masugid na mahilig sa sining o may kaunting oras ngunit gusto mong makilala ang sikat na gusali sa mundo, ito ay madaling gawin.

Sa pamamagitan ng pagbisita sa isa sa kanila, hindi ka lamang matututo ng higit pang mga kagiliw-giliw na katotohanan tungkol sa sikat na gusali, ngunit pumunta din sa "likod ng mga eksena" ng buhay teatro, makilala ang mga aktor ng tropa at kahit na subukan ang teatro na pagkain. Speaking of pagkain.
Mayroong maraming magagandang bar at restaurant sa bakuran ng Sydney Opera House. Ang pinakasikat ay:

• Opera Bar- isang bar at isang restawran, na kasabay ng isa sa mga "paborito" sa mga taga-Sydney;
• Bennelong- isa sa mga pinakamahusay na restawran sa Australia, ang chef kung saan ay si P. Gilmore, na naghahanda ng mga orihinal na pagkain mula sa mga sangkap ng Australia;
• Portside sydney- ang pinaka-angkop na family friendly na restaurant para sa isang magaan na meryenda, isang tasa ng kape o dessert.

Gayundin sa gusali ng teatro ay makikita mo maraming souvenir shops nag-aalok sa mga turista ng napakalawak na seleksyon ng mga kaaya-aya at di malilimutang bagay.

Saan matatagpuan ang lokasyon ng Sydney Opera House?

Ang iconic na istraktura ay matatagpuan sa magandang Sydney Harbour sa Bennelong Point.
Madali kang makakarating dito mula saanman sa kabisera ng Australia, dahil malapit ang intersection ng mga ruta ng transportasyon sa dagat at lupa.
Mga coordinate ng GPS: 33.856873 ° S, 151.21497 ° E.

Mga oras ng pagbubukas ng Sydney Opera House

• Bukas ang teatro sa mga bisita araw-araw mula 9 am (Linggo mula 10:00) hanggang hatinggabi.

• Ang mga presyo para sa pagbisita sa teatro ay nakasalalay sa layunin ng naturang pagbisita - maaaring ito ay isang iskursiyon, o gusto mong makita ito o ang pagtatanghal na iyon, o gusto mo lang mag-relax at magkaroon ng masarap na pagkain sa isa sa mga theater restaurant - sa bawat kaso, ang presyo ay maaaring mag-iba nang malaki.
• Para sa anumang mga katanungan na maaaring mayroon ka, maaari kang makipag-ugnayan sa "Info-service" ng teatro mula Lunes hanggang Biyernes, tel. +61 2 9250 7111, o sa pamamagitan ng pagsulat sa e-mail. tirahan [email protected]
  Ang opisyal na website ng Sydney Opera House ay www.sydneyoperahouse.com.

Sydney Opera House - Mga Kawili-wiling Katotohanan

• May-akda ng proyekto sa teatro ng Sydney Si J. Goossens, sa kabila ng dami ng trabahong ginawa niya, ay "pinaalis" sa Australia, dahil, diumano, nakakita sila ng mga ipinagbabawal na item ng "black mass" sa kanya.
• Ang orihinal na AUS $ 7 milyon para sa teatro ay itinaas mula sa charity lottery.
• Ang sikat na hugis ng layag na bubong ay makabuluhang pinalala ang acoustics ng mga lugar ng teatro, na may kaugnayan sa kung saan karagdagang mga kisame na sumasalamin sa tunog. Ang bubong, sa pamamagitan ng paraan, ay naging masyadong mabigat, at ang mga tagapagtayo ay pinilit na gawing muli ang buong pundasyon ng teatro.
• Dahil sa matagal na pagtatayo, ang arkitekto ng Sydney Opera House na si J. Watson ay nahirapan sa pamahalaan ng Australia, at siya ay napilitang umalis sa Australia. Ang teatro ay natapos ng isa pang arkitekto.
• Pumunta siya sa Sydney para magbukas ng isang opera house Reyna Elizabeth II ng Britanya.
• Ang Sydney Theater ay may pinakamahabang theater curtains sa mundo, at ang malaking concert hall nito ay ang pinakamalaking organ sa planeta.
• Ang Sydney Opera House ay ang unang gusali sa mundo na hinirang UNESCO World Heritage sa panahon ng buhay ng kanyang arkitekto.
• Ang opera house ay ginagawa pa rin... Upang maghanda para sa 2000 Olympics, inimbitahan ng gobyerno ng Australia si J. Watson na kumpletuhin ang gusali, ngunit tumanggi siya. Ang kilalang arkitekto ay hindi na bumalik sa Australia pagkatapos ng sapilitang pagtigil sa pagtatayo.
• Natanggap ni J. Watson noong 2003 ang prestihiyosong Pulitzer Prize para sa proyekto ng sikat na teatro sa mundo.
• Sydney Opera House ay isang kalaban para sa pamagat ng isa sa 7 kababalaghan ng mundo.
• Hanggang ngayon, hindi kahit isang beses hindi kailangan ang pagsasaayos ng sikat na gusali.

Sydney Opera House - video

Alamin ang higit pa tungkol sa Sydney Opera House sa video na ito. Maligayang panonood!

Ang mga ito at maraming iba pang mga lihim ay nakatago sa likod ng mga pader nito ng sikat na teatro sa mundo - magmadali upang makita ito, hawakan ang mga lihim nito at hawakan ang mahusay na musikal at teatro na sining na nagbubukas sa likod ng mga eksena araw-araw.

Ang Sydney Opera House ay may sariling natatanging futuristic na arkitektura, salamat sa kung saan ito ay naging tanyag sa buong mundo. Tinawag ito ng mga lokal hindi lamang isa sa mga iconic na landmark ng lungsod, kundi maging ang tanda ng Sydney. Ang pag-ibig na ito ay ibinahagi ng mga manlalakbay na, sa panahon ng isang malapit na kakilala sa templo ng sining na ito, ay agad na nakakaramdam ng paggalang dito. Ang isa sa mga pinakakilalang gusali sa planeta ay nagho-host ng pinakamahusay na mga artista sa mundo at umaakit ng higit sa 8 milyong mga bisita taun-taon.

Noong Marso 1959, nagtipon ang mga taong-bayan sa daungan sa Bennelong Point upang panoorin ang isang seremonya na minarkahan ang simula ng pagtatayo ng Sydney Opera House. Ang arkitekto ng Danish na si Jorn Utzon, na nagdisenyo ng proyekto ng hinaharap na gusali, ay nagdala ng isang tansong plaka sa Australia - sa araw na iyon ay na-install ito sa intersection ng mga axes ng dalawang dapat na mga bulwagan ng konsiyerto, at mula sa sandaling iyon ay nagtatrabaho sa pagtatayo ng nagsimula ang obra maestra ng arkitektura. Ang memorial plaque ay makikita ngayon sa mga hagdan ng teatro. Pagdating sa hitsura ng gusali, lumikha si Jorn ng isang bagay na ganap na hindi pangkaraniwang: ayon sa kanyang ideya, ang bubong ng gusali ay dapat na binubuo ng ilang mga sphere, na nagbigay sa harapan ng teatro ng imahe ng isang barko na naglalayag. Ang solusyon na ito ay nagpapahintulot sa paglikha ng mga kamangha-manghang acoustics sa loob ng mga dingding nito.

Noong una, binalak itong tapusin sa loob ng apat na taon, ngunit dahil sa maraming dahilan, naantala ang pagpapatupad ng matapang na proyekto sa loob ng labing-apat na taon. Ang isang malaking bilang ng mga komplikasyon ay humantong sa lumalagong kawalang-kasiyahan kay Jorn Utzon, na hindi nasiyahan sa mga pagbabagong ginawa sa orihinal na bersyon. Ang nasaktang arkitekto ay umalis sa kanyang koponan nang hindi nakikita ang huling resulta. Hinirang na palitan siya, ang batang dalubhasa na si Peter Hall sa una ay nabigla sa laki ng proyekto, ngunit gayunpaman ay kinuha ang mahirap na gawain.
Noong 1973, isang makabuluhang kaganapan ang naganap - binuksan ng Sydney Opera House ang mga pintuan nito. Ang pagdiriwang ay naging engrande, lalo na salamat sa pagkakaroon ng Queen Elizabeth II, na opisyal na inihayag ang simula ng gawain ng isang bagong kultural na mecca at pinuri ang mga craftsmen para sa kanilang kamangha-manghang imahinasyon at talento.

Sa kabuuan, ang teatro ay may apat na pangunahing silid, na tinukoy para sa iba't ibang mga kaganapan. Ang pinakamalaking ay ang bulwagan ng konsiyerto - nagho-host ito ng mga kaakit-akit na konsiyerto ng symphonic na musika na may partisipasyon ng isa sa pinakamalaking organ sa mundo. Ang susunod sa mga tuntunin ng kapasidad ay ang opera hall (aka ballet), na 1,000 upuan sa likod ng una, na tumanggap ng 1,500 katao sa loob ng mga pader nito. Ang natitirang dalawa ay maaaring tumanggap ng 400-500 katao, at ang mga ito ay inilaan para sa mga dramatikong pagtatanghal. Ang bawat isa ay may karaniwang setting ng teatro: isang pulang velvet na kurtina at ang parehong lilim ng upuan, isang eleganteng kristal na chandelier na nagbubuhos ng malambot na liwanag - isang karapat-dapat na dekorasyon para sa isang natitirang opera house.

Mahalagang tandaan na ang mga pintuan ng templo ng sining na ito ay bukas din sa mga kabataan: sa loob ng mga dingding ng teatro, ang mga pagtatanghal ng musika ng iba't ibang mga rock / indie / techno band ay gaganapin, pati na rin ang mga pagtatanghal ng mga ilusyonista at may temang mga kaganapan sa Pasko. .