Monumental na arkitektura. Monumental na pandekorasyon na sining

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Mga katulad na dokumento

Ang konsepto ng monumental at pandekorasyon na sining bilang isang larangan ng sining, kabilang ang mga gawa ng sining para sa dekorasyon ng mga istruktura at complex ng arkitektura. Ang pagka-orihinal ng iskultura, pagpipinta, mga diskarte para sa paglikha ng mga fresco at keramika ng Sinaunang Ehipto.

pagtatanghal, idinagdag noong 02/22/2016


Mga tampok ng monumental na sining, ang kahalagahan nito sa iba't ibang panahon, kasaysayan ng pag-unlad. Mga pamamaraan para sa paglikha ng stained glass noong ika-19-20 siglo. Fresco painting sa Russia at Europe. Ang paggamit ng mga mosaic sa disenyo ng mga sinaunang at medyebal na istruktura ng arkitektura.

pagsubok, idinagdag noong 01/18/2011


Ang pinagmulan ng pagbuo ng kulturang Byzantine. Simbolismo, asetisismo at dogmatismo ng sining. Mga uri ng mga gusali ng templo: basilica, cross-domed na templo. Mga monumento Arkitekturang Byzantine, Christian aesthetics. Monumental na pagpipinta: mosaic, fresco.

pagtatanghal, idinagdag noong 03/13/2016


Ang mga pangunahing direksyon at tampok ng pinong sining ng panahon ng Rebolusyong Pranses. Ang sining ng rebolusyonaryong klasisismo, puspos ng mga ideyang anti-pyudal. Arkitektura at iskultura. Dekorasyon na disenyo para sa mga rebolusyonaryong kasiyahan.

course work, idinagdag 03/31/2013


Mga teknolohiya para sa panloob na disenyo ng isang silid-aralan. Mga materyales at kasangkapan para sa pagpipinta sa dingding. Organisasyon ng lugar ng trabaho. Mga pag-iingat sa kaligtasan kapag nagsasagawa ng gawaing disenyo. Ang kontribusyon ng wall painting sa modernong monumental na sining.

course work, idinagdag 05/22/2016


Pagpinta bilang isang anyo ng sining. Mga pangunahing direksyon at pamamaraan ng kontemporaryong sining. Avant-garde, realism, surrealism, assemblage, minimalism, abstraction, installation. Iskultura at arkitektura. Systematization ng mga modernong artistikong uso.

course work, idinagdag noong 09/16/2012


Pagpinta bilang isang anyo ng sining. Uri ng fine art - graphics. Isang sinaunang anyo ng sining ang iskultura. Ang arkitektura ay ang sining ng pagdidisenyo at pagbuo. Mga pangunahing direksyon at pamamaraan ng kontemporaryong sining. Kinetic at avant-garde na sining.

course work, idinagdag 05/11/2007


Ottoman artistic culture sa mga workshop ng Imperial Palace sa Istanbul. Pag-unlad ng sining ng paglikha ng libro, pagkukulay ng mga ilustrasyon, bookbinding, miniature, at pandekorasyon na sining. Mga nagawa ng kaligrapya, ang kahalagahan nito sa mundo ng Islam.

NOU VPO Tomsk Institute of Business

Faculty of Design

"Monumentally pandekorasyon na sining at mga uri nito"
Abstract sa paksa ng disenyo at monumental at pandekorasyon na sining

Nakumpleto ni: mag-aaral gr. 171

Sinuri ni: senior teacher

Tomsk 2010

Panimula………………………………………………………………………………………….3

Kabanata 1. Monumental at pandekorasyon na pagpipinta…………………………………………….4

1.1 Monumental na pagpipinta……………………………………………………..4

1.2 Mosaic……………………………………………………………………………………..7

1.3 Fresco………………………………………………………………………10

1.4 Nabahiran na salamin…………………………………………………………………………..12

Konklusyon…………………………………………………………………………………….21

Tandaan……………………………………………………………………………………22

Listahan ng mga pinagkunan na ginamit……………………………………………………………………23

Listahan ng mga ilustrasyon………………………………………………………………24

Panimula

Ang kasaysayan ng sining, aesthetics at pilosopiya ay karaniwang tinatawag na monumentality na pag-aari ng isang masining na imahe na, sa mga katangian nito, ay katulad ng "kahanga-hanga". Ang diksyunaryo ni Vladimir Dahl ay nagbibigay ng sumusunod na kahulugan sa salitang monumental - "maluwalhati, sikat, sa anyo ng isang monumento." Ang mga gawa na pinagkalooban ng mga monumental na tampok ay nakikilala sa pamamagitan ng ideolohikal, makabuluhan sa lipunan o pulitikal na nilalaman, na nakapaloob sa isang malakihan, nagpapahayag na marilag (o marangal) na plastik na anyo. Ang monumentality ay naroroon sa iba't ibang uri at genre ng pinong sining, ngunit ang mga katangian nito ay itinuturing na kailangang-kailangan para sa mga gawa ng monumental na sining, kung saan ito ang substrate ng kasiningan, ang nangingibabaw na sikolohikal na epekto sa manonood. Kasabay nito, hindi dapat kilalanin ng isa ang konsepto ng monumentalidad sa mga gawa ng monumental na sining mismo, dahil hindi lahat ng nilikha sa loob ng mga nominal na limitasyon ng ganitong uri ng figurativeness at decorativeness ay nagtataglay ng mga tampok at nagtataglay ng mga katangian ng tunay na monumentality. Ang isang halimbawa nito ay ang mga eskultura, komposisyon at istruktura na nilikha sa iba't ibang panahon na may mga katangian ng gigantomania, ngunit hindi nagdadala ng isang singil ng tunay na monumentalismo o kahit na haka-haka na kalunos-lunos. Nangyayari na ang hypertrophy, ang pagkakaiba sa pagitan ng kanilang mga sukat at makabuluhang mga gawain, para sa isang kadahilanan o iba pa ay ginagawang nakikita ng isang tao ang gayong mga bagay sa isang nakakatawang paraan. Mula sa kung saan maaari nating tapusin: ang format ng trabaho ay malayo sa tanging pagtukoy na kadahilanan sa pagsusulatan ng epekto ng isang monumental na gawain sa mga gawain ng panloob na pagpapahayag nito.

Kabanata 1. Monumental at pandekorasyon na pagpipinta

1.1 Monumental na pagpipinta

Ang MONUMENTAL PAINTING ay isang uri ng pagpipinta na may kaugnayan sa monumental at decorative art. Kasama sa monumento na pagpipinta ang mga gawang direktang nauugnay sa mga istruktura ng arkitektura, na inilagay sa mga dingding, kisame, mga vault, mas madalas sa sahig, gayundin ang lahat ng uri ng mga pagpipinta sa plaster - fresco, encaustic, tempera, oil painting (o pagpipinta sa iba pang binder), mosaic, pininturahan na mga panel sa canvas, espesyal na iniangkop para sa isang partikular na lugar sa arkitektura, pati na rin ang stained glass, [sgraffito], majolica at iba pang anyo ng planar pictorial na dekorasyon sa arkitektura.

Batay sa likas na katangian ng nilalaman at makasagisag na istraktura, ang isang pagkakaiba ay ginawa sa pagitan ng mga gawa ng pagpipinta na may mga katangian ng monumentality, na siyang pinakamahalagang nangingibabaw na katangian ng arkitektural na grupo, at mga monumental at pandekorasyon na mga pintura na pinalamutian lamang ang ibabaw ng mga dingding. , kisame, at facade, na tila "natutunaw" sa arkitektura. Ang monumental na pagpipinta ay tinatawag ding monumental-decorative painting, o pictorial decor, na nagbibigay-diin sa espesyal na pandekorasyon na layunin ng mga painting. Depende sa kanilang pag-andar, ang mga gawa ng monumental na pagpipinta ay idinisenyo sa isang volumetric-spatial o planar-decorative na paraan.

Ang pagpipinta ng monumento ay nakakakuha ng integridad at pagkakumpleto lamang sa pakikipag-ugnayan sa lahat ng mga bahagi ng ensemble ng arkitektura.

Ang pinakalumang kilalang mga dekorasyon sa dingding ay scratched outline na mga larawan ng mga hayop sa mga kuweba ng Dordogne sa France at sa southern Pyrenees sa Spain. Malamang na nilikha sila ng mga Cro-Magnon sa pagitan ng 25 at 16 thousand BC. Ang mga kuwadro ng kuweba ng Altamira (Espanya) at mas advanced na mga halimbawa ng sining na ito mula sa Late Paleolithic na panahon sa La Madeleine cave (France) ay malawak na kilala.

Umiral ang mga wall painting sa predynastic Egypt (ika-5–4th millennium BC), halimbawa sa mga libingan ng Hierakonpolis (Hierakonpolis); Sa mga kuwadro na ito, kapansin-pansin na ang hilig ng mga Egyptian na gawing istilo ang mga pigura ng tao. Sa panahon ng Lumang Kaharian (3–2 thousand BC) katangian ng karakter Ang sining ng Egypt at maraming magagandang wall painting ay nilikha. Sa Mesopotamia, kakaunti ang mga kuwadro na gawa sa dingding na nakaligtas, na dahil sa hina ng mga ginamit. mga materyales sa gusali. May mga kilalang matalinghagang larawan na sumasalamin sa isang tiyak na ugali patungo sa realismo sa paglalarawan ng kalikasan, ngunit ang mga burloloy ay mas tipikal para sa Mesopotamia.

Noong 2 thousand BC. Ang Crete ay naging isang cultural intermediary sa pagitan ng Egypt at Greece. Sa Knossos at iba pang mga palasyo ng isla maraming mga fragment ng mga kahanga-hangang fresco, na pinaandar na may buhay na realismo, ay napanatili, na lubos na nakikilala ang sining na ito mula sa hieratic Egyptian painting. Sa Greece noong pre-archaic at archaic period, patuloy na umiral ang wall painting, ngunit halos wala nito ang nakaligtas. Ang pag-usbong ng genre na ito sa klasikal na panahon ay pinatunayan ng maraming sanggunian sa mga nakasulat na mapagkukunan; Ang mga kuwadro na gawa ni Polygnotus sa Propylaea ng Acropolis ng Atenas ay lalong sikat. Ang mga magagandang halimbawa ng sinaunang Romanong monumental na pagpipinta ay napanatili sa ilalim ng isang layer ng abo sa mga dingding ng mga bahay sa mga lungsod ng Pompeii, Herculaneum at Stabia, na nawasak ng pagsabog ng Vesuvius noong 79, gayundin sa Roma. Ito ay mga komposisyon ng polychrome na may iba't ibang paksa, mula sa mga motif ng arkitektura hanggang sa kumplikadong mga siklo ng mitolohiya, halimbawa, ang fresco ng Odysseus sa bansa ng mga Laestrygonians mula sa bahay sa Esquiline sa Roma; sa ganitong mga komposisyon makikita ang mahusay na kaalaman ng artista sa kalikasan at ang kakayahang ihatid ito.

Sa unang bahagi ng panahon ng Kristiyano (ika-3–6 na siglo) at sa Middle Ages, ang monumental na pagpipinta ay isa sa mga nangungunang anyo ng sining. Sa panahong ito, pinalamutian ng mga fresco ang mga dingding at vault ng mga catacomb, at pagkatapos ay ang mga kuwadro na gawa sa dingding at mosaic ay naging pangunahing uri ng monumental na dekorasyon ng mga templo kapwa sa Kanluran.

ang Imperyong Romano (hanggang 476), at sa Byzantium (ika-4–15 siglo) at iba pang mga bansa ng Silangang Europa. Noong Middle Ages sa Kanlurang Europa, ang mga simbahan ay pangunahing pinalamutian ng mga fresco o mga kuwadro na gawa sa tuyong plaster; Ang mga mosaic ay patuloy ding umiral sa Italya. Sa mga pagpipinta ng istilong Romanesque (ika-11–12 siglo), sa kaibahan sa klasikal at Renaissance na pagpipinta, walang interes sa plastic modeling ng volume at paglipat ng espasyo; sila ay patag, kumbensyonal at hindi man lang nagsusumikap na tumpak na kopyahin ang mundo sa kanilang paligid.

Lumilitaw muli ang plastic modeling sa mga gawa ng Italian masters noong huling bahagi ng ika-13 at unang bahagi ng ika-14 na siglo, lalo na si Giotto. Sa Italya sa panahon ng Renaissance, ang fresco ay naging kakaibang laganap. Sa kanilang mga gawa, hinangad ng mga artista sa panahong ito na makamit ang pinakamataas na pagkakahawig sa katotohanan; Pangunahing interesado sila sa paghahatid ng dami at espasyo.

Ang mga high Renaissance artist ay nagsimula ring mag-eksperimento sa mga diskarte sa pagpipinta. Kaya, ang komposisyon ng Huling Hapunan ni Leonardo da Vinci sa refectory ng monasteryo ng Santa Maria delle Grazie sa Milan ay pininturahan ng langis sa isang hindi magandang inihanda na ibabaw ng dingding. Gayunpaman, ito ay lubhang nagdusa sa paglipas ng panahon at naging halos hindi na makilala sa ilalim ng isang layer ng mga susunod na pag-update. Noong ika-16–18 siglo. sa Italian monumental painting mayroong lumalaking pagnanais para sa karangyaan, decorativeness at illusionism.

Noong ika-19 na siglo Ang mga pagpipinta sa dingding ay kadalasang ginagamit upang palamutihan ang mga pampublikong gusali sa parehong Europa at Amerika. Noong ika-20 siglo Ang monumental at decorative painting ay nakaranas ng bagong pagtaas salamat sa gawa ng mga Mexican artist na sina D. Rivera, J. Orozco at D. Siqueiros.

1.2 Mosaic

Ang MOSAIC (French mosaique, Italian mosaico, mula sa Latin na musivum, lit. - nakatuon sa mga muses) ay isang uri ng monumental na pagpipinta, pati na rin ang isang pamamaraan ng monumental na dekorasyon kung saan ang imahe ay nilikha mula sa maliliit na cubes (tesserae, mula sa Latin na tesserae ) ng marmol, pebbles , ceramic tiles, smalt (silenced glass), atbp. sa makinis, primed surface ng sahig, dingding o kisame. Ang mga fragment ng pula at itim na hugis ng kuko na clay cones na natuklasan sa panahon ng mga paghuhukay sa lungsod ng Sumerian ng el-Ubaid (Interfluve) ay nagpapahiwatig na ang pamamaraan ng wall mosaic ay kilala na noong 3500 BC. Ang isang maliit na plake na tinatawag na "Standard of War" (c. 2600 BC, mula sa lungsod ng Ur sa Mesopotamia, ngayon ay nasa British Museum sa London) na pinalamutian ng isang patag na relief na gawa sa lapis lazuli at pink na sandstone, ay kabilang din sa sining ng Sumerian. . Gumamit ang mga Egyptian ng mga mosaic na salamin sa alahas. Ang mga bakas ng mosaic ay natagpuan sa mga paghuhukay ng mga lungsod ng kulturang Minoan sa Crete at ang kulturang Mycenaean sa teritoryo ng mainland Greece (c. 2000–1400 BC). din sa iba't ibang parte Sa Greece, sa panahon ng mga paghuhukay, matatagpuan ang mga mosaic sa sahig na may linyang itim at puting mga bato; ang ilan sa mga ito ay nagsimula noong katapusan ng ika-5 siglo. BC. Sa panahon ng Hellenistic at Roman, ang mga floor mosaic, na binubuo ng maraming kulay na marble cubes sa isang light background, ay nilikha sa buong Mediterranean. Sa unang bahagi ng panahon ng Kristiyano, ang mga mosaic ay nagsimulang gamitin upang palamutihan hindi lamang ang mga sahig, kundi pati na rin ang mga dingding at mga vault. Sa Hilagang Africa, ang parehong pagano at Kristiyanong mga lapida ay madalas na pinalamutian ng mga mosaic. Sa Byzantium noong ika-5–15 siglo. Maraming magagandang mosaic sa dingding ang nilikha, na ang mga cube ay ginawa mula sa smalt, mother-of-pearl at iba pang mahahalagang materyales. Ang mga background ay inilatag na may gintong smalt, na ginawa mula sa isang transparent glass mass fused papunta sa isang manipis na sheet ng ginto. Ang mosaic technique ay patuloy na ginagamit ngayon.

Ang paraan ng paggawa ng mga mosaic sa sinaunang Greece at Rome ay binubuo ng isang bilang ng mga proseso. Una, ang lupa ay siniksik upang lumikha ng isang patag na ibabaw. Isang base ng bato, tuyong pebbles at dayap na 15–23 cm ang kapal ay inilatag sa ibabaw nito. Ang isa pang layer, 10–15 cm ang kapal, na binubuo ng dayap at sirang brick na hinaluan ng tubig, ay inilapat sa resultang layer. Ang isang paunang disenyo ay inilapat sa malambot na ibabaw, at pagkatapos ay inilagay ang mga cube o pebbles na may makinis na gilid. Ang mosaic ay ibinuhos ng likidong pag-aayos ng semento sa itaas, at ang mga bitak at mga bitak ay pinahiran ng isang brush. Nang tumigas na ang lahat, pinakintab ang ibabaw. Ang isa pang uri ng floor mosaic, na tinatawag na opus sectile, at kalaunan ay opus alexandrinum, ay binubuo ng malalaking fragment ng marmol o iba pang maraming kulay na mga bato. Ang mga modernong pattern na sahig ay nilikha sa katulad na paraan.

Ang mosaic technique, na nagmula sa sinaunang tradisyon, ay tinatawag na Roman mosaic. Ang mosaic na ito ay gawa sa smalt at stone cubes. Mayroon ding isang uri na tinatawag Florentine mosaic, kapag ang imahe ay inilatag kasama ang tabas at binubuo ng manipis na mga plato ng maraming kulay na mga marmol at jasper. Kung ang isang mosaic set ay ginawa mula sa iba't ibang uri ng kahoy, ang piraso ay tinatawag na intarsia.

Ang maliit na mosaic ay maaaring gawin sa dalawang paraan: 1) "direktang set" - ang imahe ay inilatag nang direkta sa mga ibabaw ng arkitektura at naayos sa isang hindi matigas na layer ng plaster; 2) "reverse set" - ang imahe ay inilatag sa tracing paper ng hinaharap na pagpipinta na nakaharap sa ibaba at, pagkatapos ayusin ang likod na bahagi, ang harap na ibabaw ay sa wakas ay naproseso, kung minsan ay na-sand at natatakpan ng waks. Ang mga mosaic painting ay ginawa sa "reverse set" para sa ika-2 palapag. ika-19 na siglo para sa St. Isaac's Cathedral sa St. Petersburg, eksaktong inuulit ang orihinal na mga painting.

Sa Russia, ang mga mosaic ay ginagamit upang palamutihan ang mga simbahan sa mahabang panahon, na kilala mula pa noong panahon ng Kievan Rus (St. Sophia Cathedral, St. Michael's Golden-Domed Monastery sa Kyiv). Noong ika-18 siglo Si M.V. Lomonosov at ang kanyang mga mag-aaral ay muling binuhay ang sining

Mosaic at lumikha ng isang bilang ng mga mosaic painting. Mula kay ser. Ika-18 siglo ang tinatawag na Russian mosaic: isang hanay ng mga plato ng bato ng parehong uri: malachite, jasper, lapis lazuli at iba pang mga hiyas sa ibabaw ng mga tabletop, mga haligi, mga plorera, mga kahon, na ginagaya ang isang produkto na inukit mula sa solidong bato.

Noong ika-20 siglo Antonio Gaudi (Spain), Fernand Léger (France), Diego Rivera (Mexico), Hans Erni (Switzerland) ay nagtrabaho sa mosaic technique. Sa Russia, ang mga mosaic ay ginamit upang palamutihan ang mga istasyon ng metro at mga pampublikong gusali (A.A. Deineka, P.D. Korin, I.M. Rabinovich, B.A. Talberg, atbp.)

1.3 Fresco

FRESCO (Italian fresco - sariwa), isang pamamaraan ng pagpipinta sa dingding na may tubig, mas madalas na mga pintura ng casein-lime sa basa o tuyo na plaster, pati na rin ang isang pagpipinta na ginawa sa pamamaraang ito. Ang fresco ay maaaring gawin sa dalawang paraan: isang secco (isang secco - tuyo), i.e. pininturahan sa tuyong plaster, at sa affresco (al fresco) na pamamaraan, kapag ang mga pintura ng tubig ay inilapat sa basang plaster; tulad ng isang fresco (buon fresco), nang walang kasunod na mga pagwawasto na may tempera, ay ang pinakamahirap na isagawa, dahil nangangailangan ito ng mabilis na pagkumpleto ng trabaho. Sa sandaling matuyo ang basang lupa, ang pagpipinta ay naging mahalagang bahagi ng ibabaw ng dingding. Ang isang secco painting, bagama't hindi halos kasing tibay, ay may posibilidad na pumutok at gumuho. Ang Huling Hapunan ni Leonardo da Vinci (sa refectory ng monasteryo ng Santa Maria della Grazie, 1495–1497) ay ang pinakatanyag na halimbawa kung paano nasisira ang isang mahusay na gawa dahil hindi gumamit ang master ng basang plaster bilang panimulang aklat. Ang mga medyebal na artist ay naghalo ng mga powdered coloring na pigment na may kasein o puti ng itlog, ngunit mula sa ika-16 na siglo. Ang pinakakaraniwang ginagamit na emulsifier ay tubig. Inilarawan ng Italyano na pintor na si Cennino Cennini (c. 1370 – c. 1440) ang pamamaraan ng fresco nang detalyado sa kanyang Treatise on Painting (Trattato della Pittura, 1437). Nagtatrabaho sa affresco technique, ang artist ay gumagamit ng karton sa laki ng pagpipinta, na inililipat ang mga bahagi mula sa karton patungo sa dingding nang eksakto sa bahaging iyon ng larawan na maaaring lagyan ng kulay habang ang plaster ay basa pa.

Ang pinaka sinaunang mga fresco ay napanatili sa Thebes sa Egypt; mula sa panahon ng Bagong Kaharian (1555–1090 BC). Ang mga Griyego sa Mycenae at Tiryns at ang mga Cretan sa mga pintura ng Knossos Palace ay gumamit ng affresco technique kasama ng isang secco. Sa sinaunang pagpipinta ng mga klasikal at Helenistikong panahon, ang fresco ay nanatiling popular at kalaunan ay ginamit ng mga unang Kristiyano upang ipinta ang mga catacomb. Ang mga nakamamanghang antigong fresco ay napanatili sa mga nasirang gusali ng Pompeii at Herculaneum. Sa kasunod

Sa loob ng maraming siglo, ang pamamaraan ng purong fresco (iyon ay, pagpipinta sa basang plaster at walang paggamit ng anumang iba pang panali maliban sa tubig) ay hindi gaanong ginamit. Sa France at Germany, ang mga fresco ng Romanesque mula sa ika-11 siglo ay napanatili, na nagpapahiwatig ng patuloy na pagkakaroon ng tradisyong ito. Ang pagpipinta ng fresco sa France ay halos ganap na nakalimutan sa pagtaas ng katanyagan ng stained glass at ang mabilis na pagtaas sa taas ng Gothic vaults. Gayunpaman, sa Italya, lalo na sa Siena at Florence, salamat sa gawa ni Simone Martini at Giotto, ang pagpipinta ng fresco ay nakatanggap ng bagong impetus para sa karagdagang pag-unlad. Ang mga anyo ng arkitektura ng Roma, na ginustong sa Italya, ay angkop para sa pagpipinta ng fresco. Sa panahon ng Renaissance, ang mga masters tulad ng Masaccio, A. Mantegna, L. Signorelli, Raphael, Michelangelo at Leonardo da Vinci ay pinalamutian ang mga simbahan at palasyo na may mga fresco na pinaandar nang may napakagandang birtuos na ang mismong eroplano ng kisame o dingding kung saan sila lumitaw ay tila naglaho. ay isinulat. Bumalik noong ika-18 siglo. Ang fresco ay nanatiling pangunahing at pinakasikat na anyo ng monumental na dekorasyon; isa sa mga natatanging master na nagtrabaho sa diskarteng ito ay si G.B. Tiepolo. Sa kabila ng katotohanan na ang pagpipinta ng fresco ay laganap sa buong mundo, ang pag-unlad nito ay nauugnay pa rin sa Italya. Ang isang kapansin-pansing pagbubukod ay ang gawain ng mga muralist ng Mexico noong ika-19 at ika-20 siglo. D. Rivera, J. Orozco at D. Siqueiros, na naglalaman ng mga pambansang Indian na motif sa kanilang mga patag na komposisyon na may mga angular na pattern.

1.4 May bahid na salamin

STAINED GLASS (mula sa Latin na vitrum - salamin), isang gawa ng pandekorasyon na sining, isang typesetting ornamental o komposisyon ng plot na gawa sa kulay at pininturahan na salamin o iba pang materyales na nagpapadala ng liwanag. Ipinapalagay na ang mga stained glass na bintana ay kilala pabalik Sinaunang Ehipto at Sinaunang Roma. Sa mga sinaunang Christian basilica noong ika-5–6 na siglo. ang mga bintana ay napuno ng mga transparent na tile ng alabastro at selenite. Ang sining ng stained glass ay umunlad noong Middle Ages. Karaniwan, ang mga stained glass na bintana na gawa sa mga kulay na fragment ng salamin na pinutol sa tabas, na pinagtibay ng mga lead binding, ay ginamit sa arkitektura ng simbahan, kahit na kung minsan ay lumilitaw sila sa mga gusali ng tirahan, lalo na mula noong Renaissance. Ang stained glass ay patuloy na nilikha noong ika-19 na siglo, at noong ika-20 siglo. ang sining na ito ay nakaranas ng bagong pamumulaklak sa simbahan at sekular na arkitektura.

Malamang na ang mga medieval glassmaker ay natutong gumawa ng kulay na salamin, na kinulayan sa panahon ng proseso ng pagtunaw, noong ika-9 na siglo, na pinagtibay ang karanasan ng mga artisan sa silangan, kung saan ang kasanayan sa pangkulay ng salamin ay mayroon nang mahabang tradisyon. Ang unang nakasulat na pagbanggit ng tunay na stained glass ay nasa isang ika-10 siglong manuskrito na nagtatala ng paggamit nito upang palamutihan ang Cathedral of Reims sa panahon ng muling pagtatayo nito noong 969–988. Ang pinakamaagang nakaligtas na mga stained glass na bintana ay ilang mga larawan ng mga propeta mula sa katedral sa Augsburg (Germany), mula noong ika-11 siglo, pati na rin ang isang bintana na may komposisyon ng Ascension mula sa Cathedral ng Le Mans (France), mula sa Parehong oras.

Mga stained glass na bintana noong ika-12 siglo. mas marami. Ang pinakamahusay sa mga halimbawang Ingles na ginawa sa siglong ito ay nasa Canterbury Cathedral. Kinakatawan nila ang mga ninuno ni Kristo (c. 1180). Magagandang mga stained glass na bintana mula noong ika-12 siglo. na napanatili sa Chartres Cathedral sa France, dito sa sikat na west window, na tinatawag na La belle Verrière (magandang stained glass), ay naglalarawan sa Puno ni Jesse kasama ang mga ninuno ni Kristo sa mga sanga at ang Birhen at Bata. Sa stained glass mula sa ika-12 siglo, na napanatili din sa Angers, Saint-Denis,

Chalons-sur-Marne, Bourges, Strasbourg at Poitiers, mararamdaman ng isang tao ang pagiging kumbensyonal ng komposisyon na katangian ng Romanesque art, ngunit hindi gaanong mahigpit kaysa sa mga naunang gawa.

Sa pagtatapos ng panahon ng Romanesque, ang mga stained glass na bintana ay nagsimulang binubuo ng isang serye ng mga komposisyon sa mga paksa ng Bibliya, na magkakaugnay sa kahulugan, ngunit pinaghiwalay sa bawat isa sa pamamagitan ng mga partisyon. Ang bilang ng iba't ibang mga detalye ng larawan ay nadagdagan, ang mga mukha ng mga character ay nagsimulang bigyan ng mga katangiang ekspresyon: ang mga tampok ng mukha ay pininturahan ng grisaille - isang brownish-gray glaze, na sa isang tapahan ay natunaw sa mga piraso ng light glass na ginawa sa hugis ng mga ulo. at mga kamay. Kasabay nito, ang iba't ibang mga menor de edad na yugto ay nagsimulang ilarawan sa mga background ng mga stained glass na bintana. Ang resulta ay mga komposisyon na nakapagpapaalaala sa mga huling Gothic tapestries, kasama ang kanilang mga multi-layered at multi-faceted na komposisyon. Ang mga sikat na bilog na bintana - Gothic "rosas", na inilagay sa gitnang bahagi ng facades ng mga katedral (halimbawa, sa Notre Dame Cathedral, ang mga katedral ng Reims at Chartres) ay mga halimbawa ng purong pandekorasyon na komposisyon noong ika-13 siglo. Ang mga bilog na stained glass na bintana ay may napakakomplikadong, ngunit malinaw at pare-parehong istraktura. Ang disenyo ng kanilang mga binding, simetriko at abstract, ay binubuo ng mga geometric na hugis at mga hubog na linya na nagmumula sa isang rosette center. Ang mga likhang ito ng medieval artisan ay malapit sa kagandahan sa mga gawa ng alahas.

Ang mga Gothic stained glass na bintana ay ginawa sa buong Europa. Ang mga magagandang halimbawa ng mga gawa mula sa panahong ito ay nabubuhay sa Canterbury at Lincoln sa England; sa Chartres at Rouen sa France; sa Cologne at Marburg sa Germany. Sa kapilya ng palasyo ng Louis XI Sainte Chapelle (nagsimula noong 1244, Paris), ang mga partisyon sa pagitan ng mga bintana sa itaas na palapag ay napakanipis na tila ang mga dingding nito ay ganap na binubuo ng stained glass.

Sa kalagitnaan ng ika-14 na siglo. nagkaroon ng reaksyon sa karangyaan ng istilo noong nakaraang siglo. Noong una, ang pagbabawal sa paggawa ng stained glass, na nakapaloob sa mga espesyal na utos ng Cistercian at Franciscan order, ay nagkaroon ng

Lakas ng higit sa mga kapatirang ito. Bilang karagdagan, dahil sa salot na sumiklab sa buong Europa, ang tradisyon ng paggawa ay nagambala, ang bilang ng mga manggagawa ay lubhang nabawasan, at ang komersyal na kaunlaran ng mga lungsod na nagbigay ng pagtatayo ng malalaking katedral ay nasira. Ang mga bintana ay nagsimulang gawin ng purong salamin sa hugis ng mga diamante. Ang tanging uri ng dekorasyon na patuloy na ginamit ay mga disenyo ng tabas ng grisaille, na inilapat sa madilim na kulay na mga glaze at pinagsama sa puting salamin. Ang kulay na salamin ay ginamit lamang sa maliliit na bilog na bintana o mga indibidwal na eksena.

Sa simula ng ika-14 na siglo. nagsimulang makuha ang dilaw na baso sa pamamagitan ng paglalagay ng solusyon ng silver nitrate sa ibabaw ng puting salamin, sa halip na kulayan ang buong masa ng salamin, tulad ng ginawa noon. Kahit na mas maaga, sila ay dumating sa ideya ng paglalapat ng parehong solusyon sa asul na salamin, kaya nakakakuha ng isang kahanga-hangang berdeng kulay. Gayunpaman, sa pagtatapos ng ika-14 na siglo. ang dilaw ay halos ang tanging kulay na ginamit upang palamutihan ang mga bintana, kasama ang pagpipinta ng grisaille. Dahil ang solusyon ay inilapat sa puting salamin, ang kulay ay maaaring mag-iba mula sa maputlang lemon hanggang sa maliwanag na orange. Ang frame para sa mga komposisyon na ginawa gamit ang grisaille technique ay maaaring inukit na batong ciboria. Sa una sila ay napaka-simple at binubuo ng mga haligi at arko, at nang maglaon sa pagtatapos ng ika-15 siglo. nakakuha ng masalimuot at detalyadong mga anyo.

Noong ika-15 siglo Ang pagbaba ng sining ng stained glass noong nakaraang siglo ay nagkaroon ng epekto: ang mga teknikal na kasanayan at kalidad ng pagpipinta ay lubhang nabawasan, sa kabila ng katotohanan na ang polychrome ay muling lumitaw. Ang mga stained glass na bintana ng Exeter Cathedral at ang sikat na Five Sisters Window sa York Minster ay nagpapakita ng tendensyang gumamit ng grisaille design para bumuo ng background. Ang mga artista na nagtatrabaho sa bawat bansa, bilang isang patakaran, ay may mga mag-aaral na nagpatuloy sa mga tradisyon ng craft ng workshop, at maaaring pag-usapan ang pagkakaroon ng iba't ibang mga pambansang paaralan sa ganitong uri ng pagpipinta. Ang pinakamahusay na English craftsmen ay nagtrabaho sa York, Coventry,

Winchester, Oxford, Wales, Lincoln, Norwich at Westminster. Mula noong ika-15 siglo. Maraming kahanga-hangang stained glass na mga bintana ang nilikha sa mga simbahan ng parokya ng Ingles na matatagpuan malapit sa mga sentrong nabanggit.

Ang mga heraldic na komposisyon na ginawa gamit ang stained glass technique, na kumalat mula sa ika-15 siglo, ay lubhang kahanga-hanga. Ang kanilang hinalinhan ay maaaring ituring na stained glass mula sa ika-13 siglo. mula sa apse ng katedral Westminster Abbey naglalarawan ng tatlong simpleng kalasag. Ang paggamit ng mga heraldic na motif ay walang alinlangan na idinidikta ng pagnanais na ipahiwatig ang pinagmulan ng customer o upang mapanatili ang memorya ng isang taong inilibing sa isang naibigay na templo. Sa England, Holland at lalo na sa Switzerland, ang sining ng stained glass heraldic compositions ay umabot sa pinakamataas na antas. Ang mga imahe sa field ng coat of arms ay ipininta sa iba't ibang kulay sa salamin at gasgas; ang mga lead bridge sa pagitan ng mga baso na may iba't ibang tono ay halos hindi ginamit.

Sa pagtatapos ng ika-15 - simula ng ika-16 na siglo. maraming manggagawa ang lumipat mula sa Netherlands patungong London. Dinala nila ang kanilang istilo sa England, na nabuo sa Netherlands, France at Germany. Ito ay batay sa isang kumbinasyon ng mga hilagang tradisyon sa mga pamamaraan ng pagpipinta ng Italian Renaissance, tulad ng paggamit ng pananaw. Malaking pagbabago ang naganap sa komposisyon ng stained glass: ang stained glass ay naiintindihan na ngayon bilang view mula sa bintana at itinayo bilang Renaissance painting. Sa Inglatera, ang pinakaperpektong halimbawa ng istilong ito ay ang mga bintana ng kapilya ni King Henry VII sa Westminster, na nilikha ng Dutch master na si Bernard Flower, na pumasok sa royal service noong 1505. Isa pang hanay ng mga stained glass na bintana, marahil ay ginawa ng parehong master. , ay nasa Fairford Church sa Gloucestershire. Sa France, ang pinakamahusay na mga halimbawa ng istilong ito ay nasa Rouen Cathedral. Ang mga kahanga-hangang stained glass na bintana ay napreserba rin sa mga katedral ng Antwerp, Brussels, Liege at Amsterdam. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Nakumpleto ang sikat na stained glass windows ng Cathedral sa Gouda, na nilikha ng magkapatid na Dirk at Wouter Krabet at ng kanilang mga estudyante.

Sa Alemanya, lalo na sa Cologne, at sa Italya, ang pagpipinta ng salamin ay higit na laganap. Isang malaking paaralan ang bumangon sa Milan kaugnay ng pagtatayo ng katedral. Sa mga gawang ginanap ng mga masters ng paaralang ito, ang mga gawa ni Cristoforo de Motti at Niccolò da Varallo ay lalong namumukod-tangi. Ang isa pang Italyano na master ng glass painting, si Guglielmo de Marchillat, ay nagtrabaho sa Arezzo, Rome at Cortona.

Ang mga glass painting na ginawa sa oras na ito ay naging hindi kasing tibay ng mas sinaunang stained glass na mga bintana na gawa sa mga piraso ng kulay na salamin. Sa Switzerland lamang ang mga gawa ng pininturahan na salamin ay napanatili nang maayos; ito ay higit sa lahat ay maliliit na bintana ng mga gusali ng tirahan. Ang dahilan para sa hindi magandang pag-iingat ng karamihan sa mga ipininta na bintana ay ang kulay na glaze at ang salamin kung saan ito inilapat ay sumailalim sa iba't ibang mga pagbabago (contraction at expansion) na may pagbabago ng temperatura, kaya ang glaze ay basag at gumuho sa paglipas ng panahon.

Noong ika-17, ika-18 at ika-19 na siglo. ang sining ng pagpipinta ng salamin ay patuloy na umiral, ngunit ang mga gawa sa panahong ito ay hindi partikular na interes. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. sa England, pinangunahan ng artist na si W. Morris ang kilusan para sa muling pagkabuhay ng English Gothic stained glass. Kasama niya ang Ingles na si E. Burne-Jones at ang Pranses na si E. Viollet-le-Duc; parehong lumikha ng ilang napaka-eleganteng piraso ng stained glass.

Sa Amerika sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. maraming bagong simbahan ang naitayo; Ang mga ito ay madalas na mga gusali na ginawa sa isang pseudo-Gothic na istilo, na may mga salamin na bintana na nakapagpapaalaala sa stained glass. Ang mga kahanga-hangang masters ng sining na ito ay sina Charles at Lewis Tiffany, John La Farge, Charles J. Connick, Frederick Cole, Clement Heaton at Joel Nicholas.

Ang pagpapanumbalik ng mga simbahan at katedral na nawasak sa Europa noong mga digmaan ng siglong ito ay nagdala ng pansin ng publiko sa pangangailangan para sa mga bagong stained glass na bintana. Sa maraming mga kaso, sa halip na mga nawawalang mga fragment, ang mga modernong panel ay ipinasok, na nilikha gamit ang mga bagong disenyo at teknolohiya. Ang pinakakahanga-hangang mga resulta ay nakamit

Sa France, kung saan ang mga sikat na artista tulad nina Georges Rouault, Jean Lursa, Fernand Leger, Hans Arp, Georges Braque at Henri Matisse ay lumahok sa pagsasaayos ng mga stained glass na bintana. Sa England, ang mga magagandang pininturahan na bintana ay nilikha nina Lawrence Leigh, Geoffrey Clarke at Kate New upang palamutihan ang nave ng bagong Coventry Cathedral.

Ang modernong stained glass ay gumagamit ng kulay at malinaw na salamin, cast glass, makapal na durog na salamin, kulay na salamin, pati na rin ang iba't ibang uri pagproseso: pagpipinta, pag-ukit, pag-ukit, sandblasting. Ang cast at pressed glass ay binibigyan ng iba't ibang texture at iba't ibang antas ng transparency.

DECORATIVE MONUMENTAL SCULPTURE. Ang sining ng monumental na iskultura ay nagsimula noong panahon ni Peter I, ang mga unang halimbawa nito ay lumitaw sa St. (Summer Garden, suburban residences). Ang mga gawang ito, na ginawa ng mga master na Italyano, Dutch, at Aleman, ay pangunahing didaktiko sa kalikasan, na naglalarawan ng mga sinaunang diyos, personipikasyon ng mga natural na elemento, mga birtud, bisyo, at ugali. Monumental na mga relief: Peter's Gate (sculptor K. Osner); facades ng Summer Palace (sculptor A. Schlüter); mga hakbang ng Grand Cascade, (sculptor B.K. Rastrelli) sa isang simboliko anyong sumasalamin sa mga pangyayari sa Hilaga. digmaan 1700-21. Kabilang sa mga una ay palamuti. mga eskultura ng Ruso masters - isang tansong estatwa ng Neptune sa Lower Park ng Peterhof (1716, pinalayas ni M. Arnolt). Sa Elizabethan times decor. Ang mga ornamental relief, sculpture at vase ay isang mahalagang bahagi ng dekorasyon ng mga palasyo ng Baroque (Stroganov Palace, Shuvalov I.I. Palace, Winter Palace, atbp.). Ang gawain ng modeler na si I. Dunker, katulong, ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na kasanayan. F. Rastrelli, na nagtrabaho sa Russia mula noong 1743. Noong ika-18 siglo. sa pangunahing nabuo ang mga pandekorasyon na complex. mga eskultura sa mga parke ng Petrodvorets, Oranienbaum, Tsarskoye Selo, Pavlovsk, Gatchina. Sa simula. ika-19 na siglo D.-m. Sa. gumaganap ng mahalagang papel na semantiko sa malaking pagpaplano ng lunsod. ensembles: mga eskultura ng mga ilog at mga diyos ng dagat sa ensemble ng Spit ng Vasilyevsky Island, mga eskultura ng Mining Institute, Kazan Cathedral. Mayamang sculpt. palamuti Ch. Ang Admiralty (bahagyang napanatili) ay sumisimbolo sa tagumpay ng Russia bilang isang malaking dagat. kapangyarihan. Dekorasyon. alegorikong iskultura Ang mga nilalaman, bilang panuntunan, ay pinalamutian ang mga portiko ng mga gusali ng panahon ng Klasiko; ang mga makasagisag na relief sa mga pier at sa itaas ng mga bintana, ang mga pangunahing bato na may mga maskara ng Gorgon at mga mukha ng leon ay laganap. Kam. ang eskultura ay ginawa mula sa limestone at granite ng artel ng S. K. Sukhanov (mga figure sa Rostral Columns, Kazan Cathedral), G. Balushkin (Atlanteans of the New Hermitage, batay sa modelo ng A. I. Terebenev). Pagawaan ni Triscorni noong 1810s.

Naglagay ako ng marble decor. mga eskultura (Dioscuri sa Manege; mga leon sa Lobanov-Rostov House). Kawili-wiling iskultura. dekorasyon ng mga tulay at pier: pier sa Academy of Arts (1832-34, K. A. Ton, sphinxes ng Amenhotep 3-4 na siglo BC); bakod na may 29 lion ng Kushelev-Bezborodko estate sa modernong. Sverdlovskaya embankment (kalagitnaan ng ika-19 na siglo); Bank Bridge, Lion Bridge, Egyptian Bridge, Anichkov Bridge, mga pier na may mga leon at vase sa Admiralteyskaya embankment. Landscape sculpture 2nd floor. 19 - simula ika-20 siglo Ito ay puro pandekorasyon. karakter, sa mga intimate form nito na papalapit sa easel. Sa Sov. dekorasyon ng oras. ang mga eskultura ay ginamit upang palamutihan ang mga parke ng kultura at libangan, mga bata. palaruan, palakasan mga istruktura (gawa ni E. A. Yanson-Manizer sa Central Park of Culture and Culture, 1936; Ts. A. Diveeva sa Moscow Victory Park, 1953). Isang stereotype ang lumitaw sa paulit-ulit na ginagaya na "mga batang babae na may sagwan" at "mga pioneer na may bugle." Mula noong 1990s sa St. Petersburg Nagkaroon ng surge sa dekorasyong palamuti. sentro ng iskultura. mga distrito ng lungsod ("Hardin" sa M. Konyushennaya St., "Ostap Bender" sa Italianskaya St., "Cats", "Dog" at "Photographer" sa M. Sadovaya St.), na sumasalungat sa kasaysayan. mga ensemble.

Ang eskultura ay maaaring nahahati sa mga uri - easel, monumental, monumental-decorative sculpture, maliit na sculpture. Ang iskultura ay nagpaparami ng totoong mundo, ngunit ang pangunahing bagay ng imahe ay isang tao, sa pamamagitan ng panlabas na anyo ng kanyang panloob na mundo, karakter, sikolohikal na estado, pati na rin ang katawan ng tao, paghahatid ng paggalaw (ulo, dibdib, katawan, estatwa, sculptural group) ay inihahatid. Ang mga imahe ng mundo ng hayop ay bumubuo sa animalistic genre ng sculpture.

Ang pagpapahayag ng eskultura ay nakakamit sa pamamagitan ng pagbuo ng mga pangunahing plano, magaan na eroplano, volume, masa, at maindayog na relasyon. Ang kalinawan at integridad ng silweta ay napakahalaga. Ang naka-texture na paggamot sa ibabaw at mga detalye ay umakma sa pagpapahayag ng plastic solution ng sculptural na imahe. Ang mga materyales sa iskultura ay bato (marble, limestone, sandstone, granite, atbp.), kahoy, buto,

Metal (tanso, tanso, bakal, atbp.), clay at fired clay (ceramics - terracotta, majolica, faience, porcelain, atbp.), dyipsum.

Ang isang pagkakaiba ay ginawa sa pagitan ng isang bilog na iskultura (estatwa, grupo, pigurin, bust), tiningnan mula sa iba't ibang panig, at isang kaluwagan (ang imahe ay matatagpuan sa isang eroplano). Ang monumento na iskultura (mga monumento, mga monumento) ay nauugnay sa kapaligiran ng arkitektura, ay nakikilala sa pamamagitan ng kahalagahan ng mga ideya nito, isang mataas na antas ng pangkalahatan, at malalaking sukat; Ang monumental at pandekorasyon na iskultura ay kinabibilangan ng lahat ng uri ng dekorasyon ng mga istruktura at complex ng arkitektura (Atlantes, caryatids, friezes, pediment, fountain, garden sculpture); easel sculpture, independiyente sa kapaligiran, ay may mga sukat na malapit sa buhay o mas maliit, at isang partikular na malalim na nilalaman.


Konklusyon

Ang kasaysayan ng sining ay may sapat na mga halimbawa kapag ang kasanayan at plastik na integridad ay ginagawang posible upang makamit ang mga kahanga-hangang epekto, epekto at drama dahil lamang sa mga tampok na komposisyon, pagkakatugma ng mga anyo at ipinadalang mga kaisipan at ideya sa mga gawa na malayo sa karamihan. malalaking sukat(“Ang mga Mamamayan ng Calais” ni Auguste Rodin ay bahagyang mas malaki kaysa sa buhay). Kadalasan, ang kakulangan ng monumentalidad ay nagbibigay ng aesthetic incongruity sa mga gawa, isang kakulangan ng tunay na pagsunod sa mga mithiin at pampublikong interes, kapag ang mga likhang ito ay itinuturing na walang iba kundi ang magarbo at walang artistikong merito.

Tandaan

^ 1.Graffiti, sgraffito (mula sa Italyano na "sgraffito") - isang uri ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta, isang mural painting technique, ang kakanyahan nito ay ang sunud-sunod na aplikasyon ng manipis na kulay na mga layer ng lime-sand o cement-sand mortar sa isang arkitektural na eroplano, at scratching sariwang itaas na mga layer na may mga espesyal na tool hanggang sa malantad ang mga mas mababang mga, naiiba sa kulay at tono, alinsunod sa pagguhit na inilipat mula sa tracing paper. Bilang karagdagan sa "basa" na paraan, mayroon ding "tuyo" na paraan ng sgraffito, kapag ang scratching o pag-ukit ay ginagawa sa malambot na mga porous na materyales na natatakpan ng gesso o pininturahan ng ibang kulay. Ang Sgraffito ay unang lumitaw sa Italya noong ika-15 siglo, nang ang malalaking eroplano ng mga facade ng gusali ay nagsimulang ma-plaster doon at isang kagyat na pangangailangan ang lumitaw para sa kanilang dekorasyon.

2. Graffiti(Italian graffiti, plural ng graffito, literal - scratched) - dedikasyon, mahiwagang at pang-araw-araw na inskripsiyon sa mga dingding ng mga gusali, mga produktong metal, mga sisidlan, atbp. Graffiti sa malalaking dami natagpuan sa panahon ng paghuhukay ng mga sinaunang at medyebal na lungsod at pamayanan sa maraming bansa sa mundo. Halos lahat ng sinaunang gusali ng Russia ay may graffiti; lalo na kawili-wili sa St. Sophia Cathedrals ng Kyiv at Novgorod. Ang Graffiti ay ipinakilala sa maliit na pinag-aralan na lugar ng buhay na wika ng sinaunang populasyon, na nagdaragdag ng impormasyon sa paleography. Graffiti - sa modernong kahulugan nito - mga inskripsiyon at mga guhit na iniwan ng mga bata o matatanda sa mga dingding ng mga bahay, sa mga monolitikong bakod, sa subway.

3. Grisaille(French gris - grey) - isang uri ng pandekorasyon na pagpipinta na ginanap sa iba't ibang kulay ng isang kulay (karaniwan ay kulay abo). Ginamit mula noong ika-17 siglo, malawak itong ginagamit sa mga panloob na pagpipinta sa istilong klasiko, pangunahin bilang isang imitasyon ng sculptural relief.

Listahan ng mga mapagkukunang ginamit

1. 
   Brinkman A. Square at monumento bilang isang problema ng artistikong anyo. M., 1935
2. 
   Tolstoy V.P. Sa mga pangunahing konsepto ng monumental na sining. – Kasaysayan ng sining ng Sobyet, 1980, No. 2
3. 
   Prokofiev V.N. Monumental at easel. Sa isyu ng pagtukoy ng mga konsepto. – Pagkamalikhain, 1971, No. 5

Listahan ng mga ilustrasyon

1. 
   FRESCO SA ISANG COLUMN SA SIMBAHAN NI JOHN CHRYSOSTOM. Yaroslavl. 1911
2. 
   JOTTO. PAGPAPAKILALA NG BIRHEN SA TEMPLO. Fresco.
3. 
   ANDREA MANTEGNA. FRAGMENT NG ISANG WALL PAINTING SA CAMERA DELHI SPOSI. sa Palazzo Ducale, Mantua. Fresco
4. 
   St. Chicherina, 19. Larawan 2008
5. 
   Olympic Reserve School. Larawan 2007
6. 
   Fashion house. Metal bas-relief A. Artsimovich - "Solidarity". Larawan 2008
7. 
   Monumento sa "Mga Eksperimento sa Siyentipiko" (Akademika Pavlova St., 12)
8. 
   Sculpture sa bubong ng Winter Palace.
9. 
   Paglililok ng isang leon sa Makarov embankment.
10. 
    Birhen at Bata. Mabahiran na salamin na bintana ng Katedral ng Chartres.
11. 
    Saint Isaac's Cathedral.

Mga Ilustrasyon
^ 1. FRESCO SA ISANG COLUMN SA SIMBAHAN NI JOHN CHRYSOSTOM.

2. JOTTO. PAGPAPAKILALA NG BIRHEN SA TEMPLO. Fresco.

3. ANDREA MANTEGNA. FRAGMENT NG ISANG WALL PAINTING SA CAMERA DELHI SPOSI. sa Palazzo Ducale, Mantua
4. St. Chicherina, 19.

5. Olympic Reserve School.

6. Fashion house. Metal bas-relief A. Artsimovich - "Solidarity".

7. Monumento sa "Mga Eksperimento sa Siyentipiko" (Akademika Pavlova St., 12)

8. Sculpture sa bubong ng Winter Palace.

9. Paglililok ng isang leon sa Makarov embankment.

10. Birhen at Bata. Mabahiran na salamin na bintana ng Katedral ng Chartres.

11. St. Isaac's Cathedral.

Fresco - (Italian fresco - sariwa), isang pamamaraan ng pagpipinta sa dingding na may tubig, mas madalas - mga pintura ng casein-lime sa basa o tuyo na plaster, pati na rin ang isang pagpipinta na ginawa sa pamamaraang ito. Ang fresco ay maaaring gawin sa dalawang paraan: isang secco (isang secco - tuyo), i.e. pininturahan sa tuyong plaster, at sa affresco (al fresco) na pamamaraan, kapag ang mga pintura ng tubig ay inilapat sa basang plaster; tulad ng isang fresco (buon fresco), nang walang kasunod na mga pagwawasto na may tempera, ay ang pinakamahirap na isagawa, dahil nangangailangan ito ng mabilis na pagkumpleto ng trabaho. Sa sandaling matuyo ang basang lupa, ang pagpipinta ay naging mahalagang bahagi ng ibabaw ng dingding. Ang isang secco painting, bagama't hindi halos kasing tibay, ay may posibilidad na pumutok at gumuho. Ang Huling Hapunan ni Leonardo da Vinci (sa refectory ng monasteryo ng Santa Maria della Grazie, 1495-1497) ay ang pinakatanyag na halimbawa kung paano nawasak ang isang mahusay na gawa sa kadahilanang ang master ay hindi gumamit ng basang plaster bilang panimulang aklat. . Ang mga medyebal na artist ay naghalo ng mga powdered coloring na pigment na may kasein o puti ng itlog, ngunit mula sa ika-16 na siglo. Ang pinakakaraniwang ginagamit na emulsifier ay tubig. Ang Italyano na pintor na si Cennino Cennini (c. 1370 - c. 1440) ay inilarawan nang detalyado ang pamamaraan ng fresco sa kanyang Treatise on Painting (Trattato della Pittura, 1437). Nagtatrabaho sa affresco technique, ang artist ay gumagamit ng karton sa laki ng pagpipinta, na inililipat ang mga bahagi mula sa karton patungo sa dingding nang eksakto sa bahaging iyon ng larawan na maaaring lagyan ng kulay habang ang plaster ay basa pa.

Mosaic - (French mosaique, Italian mosaico, mula sa Latin musivum, lit. - dedikado sa muses) - isang uri ng monumental na pagpipinta, pati na rin ang isang pamamaraan ng monumental na dekorasyon, kung saan ang imahe ay nilikha mula sa maliliit na cubes (tesserae, mula sa Latin tesserae) ng marmol, pebbles, ceramic tile, smalt (silenced glass), atbp. sa isang makinis, primed na ibabaw ng sahig, dingding o kisame. Ang mga fragment ng pula at itim na hugis ng kuko na clay cones na natuklasan sa panahon ng mga paghuhukay sa lungsod ng Sumerian ng el-Ubaid (Interfluve) ay nagpapahiwatig na ang pamamaraan ng wall mosaic ay kilala na noong 3500 BC. Ang isang maliit na plake na tinatawag na "Standard of War" (c. 2600 BC, mula sa lungsod ng Ur sa Mesopotamia, ngayon ay nasa British Museum sa London) na pinalamutian ng isang patag na relief na gawa sa lapis lazuli at pink na sandstone, ay kabilang din sa sining ng Sumerian. . Gumamit ang mga Egyptian ng mga mosaic na salamin sa alahas. Ang mga bakas ng mosaic ay natagpuan sa mga paghuhukay ng mga lungsod ng kulturang Minoan sa Crete at ang kulturang Mycenaean sa teritoryo ng mainland Greece (c. 2000-1400 BC). Gayundin sa iba't ibang bahagi ng Greece, sa panahon ng paghuhukay, matatagpuan ang mga mosaic sa sahig na may linyang itim at puting mga bato; ang ilan sa mga ito ay nagsimula noong katapusan ng ika-5 siglo. BC. Sa panahon ng Hellenistic at Roman, ang mga floor mosaic, na binubuo ng maraming kulay na marble cubes sa isang light background, ay nilikha sa buong Mediterranean. Sa unang bahagi ng panahon ng Kristiyano, ang mga mosaic ay nagsimulang gamitin upang palamutihan hindi lamang ang mga sahig, kundi pati na rin ang mga dingding at mga vault. Sa Hilagang Africa, ang parehong pagano at Kristiyanong mga lapida ay madalas na pinalamutian ng mga mosaic. Sa Byzantium noong ika-5-15 siglo. Maraming magagandang mosaic sa dingding ang nilikha, na ang mga cube ay ginawa mula sa smalt, mother-of-pearl at iba pang mahahalagang materyales. Ang mga background ay inilatag na may gintong smalt, na ginawa mula sa isang transparent glass mass fused papunta sa isang manipis na sheet ng ginto. Ang mosaic technique ay patuloy na ginagamit ngayon.



1. Nakasalansan na stained glass. Sa loob nito, ang mga piraso ng kulay na salamin, na pinutol sa tabas, ayon sa sketch, ay konektado sa isang talahanayan ng pag-type. Kasama sa typesetting stained glass window ang kulay na salamin na walang mga ukit o painting. Ito ay isang perpektong opsyon para sa isang mamahaling klasikong interior.



2. Soldered stained glass. Sa loob nito, ang mga piraso ng salamin, na pinutol sa mga contour ng disenyo, ay ipinasok sa isang lead profile na selyadong sa mga joints. Ang kulay na salamin para sa naturang stained glass ay inihanda sa isang espesyal na paraan: para sa layuning ito, ang pintura mula sa fusible glass at metal oxides ay inilapat sa ibabaw ng pangunahing salamin, at pagkatapos ay pinaputok sa mga espesyal na hurno.



3. Faceted stained glass. Ito ay isang stained glass na bintana na gawa sa pinutol na salamin. Upang gawin ito, ang isang chamfer ay tinanggal sa kahabaan ng perimeter ng bawat baso - pinahuhusay nito ang mapanimdim at light-refracting na mga katangian ng salamin. Ang faceted o faceted na salamin ay konektado gamit ang isang rigidly reinforced metal profile. Ang mga faceted stained glass na bintana ay mahusay para sa mga pandekorasyon na bintana, gayundin para sa mga pintuan ng cabinet at iba pang mga kasangkapan.



4. Pininturahan ng stained glass. May stained glass kung saan ang lahat (o halos lahat) na salamin ay pininturahan, hindi alintana kung ang larawan ay ipininta sa solidong salamin o binuo sa isang frame.



5. Silhouette stained glass. Isang stained glass window na binuo mula sa magkaparehong bilog na elemento ng salamin, transparent o berde. Gamit ang mga glass disc, ang hugis ng isang stained glass window ay inilatag, at ang espasyo sa pagitan ng mga disc ay puno ng salamin na may malukong mga gilid. Sa pagtatapos ng trabaho, ang mga baso na ito ay konektado sa isang tanso o lead frame.




6. May pattern na stained glass. Gumagamit ito ng malinaw na salamin o baso ng mga kulay pastel. Ang mga pangunahing motibo para sa naturang stained glass ay mga geometric na pattern o isang pattern na "frost on the glass".



Monumental at pandekorasyon na iskultura

Kilalanin natin ngayon ang monumental at pandekorasyon na iskultura. Makikilala mo siya nang literal sa bawat hakbang. Ito ay malapit na nauugnay sa arkitektura, at mas malawak, sa kapaligiran sa pangkalahatan at kasama ang lahat ng uri ng sculptural na dekorasyon ng mga gusali, sa loob at labas: mga estatwa sa mga tulay ng lungsod, mga grupo sa mga harapan ng mga gusali, sa mga niches o sa harap ng isang portal, mga relief, atbp. Ang monumento at pandekorasyon na iskultura ay lumulutas ng malalaking problema sa ideolohikal at matalinghaga. Ang eskultura ay bubuo at nagpapaliwanag ng ideya at layunin ng istraktura, habang sa parehong oras ay pinahusay ang tunog ng mga anyong arkitektura (minsan sa pamamagitan ng sulat, at kung minsan sa kabaligtaran).



Sa monumental-decorative sculpture, gayundin sa monumental sculpture, pinakamahalaga may proporsyonalidad sa sukat at ratio sa pagitan ng dami ng monumento at ng espasyo kung saan ito inilagay. Sa kasong ito, kailangang tandaan ng iskultor hindi lamang ang mga sukat ng matematika at tamang relasyon sa mga proporsyon ng arkitektura, kundi pati na rin ang mga posibilidad ng pangitain at pang-unawa ng tao. Ang eskultura ng hardin at parke ay kabilang din sa monumental at pandekorasyon na iskultura: mga estatwa, bust, fountain, pandekorasyon na mga plorera, atbp. Ang iskulturang ito ay malapit na nauugnay sa tanawin ng parke at nakikibagay nang maayos sa alinman sa berdeng background o mga kulay ng mga dahon ng taglagas.

Ang pandekorasyon na pagpipinta ng mga interior ay isang mahusay na solusyon sa disenyo. Ang pandekorasyon na pagpipinta ay malapit na nauugnay sa arkitektura at mga gawa ng inilapat na sining. Salamat dito, maaari kang lumikha ng nais na kapaligiran at mood, iyon ay, magbigay ng isang tiyak na emosyonal na pangkulay.



Ang monumento na pagpipinta ay isang pagpipinta na nakalagay sa mga dingding, kisame, mga vault. Ang monumento na pagpipinta ay dumating sa amin mula pa noong una, kaya ang muralist ngayon ay may malaking palette ng mga paksa at mga imahe, mula sa mga kuwadro na bato hanggang sa mga larawang komposisyon ng European Renaissance, kung saan ang mga pagpipinta sa dingding ay umabot sa pinakamataas na antas. Ang mga interior na may mga monumental na pagpipinta ay napaka-kahanga-hanga at gumawa ng isang maliwanag, hindi malilimutang impresyon.



isang uri ng pinong sining na ang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng makabuluhang nilalamang ideolohikal, pangkalahatang mga anyo, at malakihang sukat. Ang monumento na sining ay kinabibilangan ng mga monumento, eskultura, painting, mosaic compositions para sa mga gusali, stained glass windows, city and park sculpture, fountain, atbp.

Napakahusay na kahulugan

Hindi kumpletong kahulugan ↓

MONUMENTAL NA SINING

mula sa lat. monumentum - monumento) - isang papel ng pinong sining, kabilang ang mga monumento, sculptural, pictorial at mosaic na dekorasyon ng mga gusali, stained glass. Prod. M. at. kumilos sa synthesis sa arkitektura (Synthesis of Arts), paghahanap sa tulad ng isang artist. pagiging ganap mong artista. imahe, istilo at kahulugan. M. at. ay may iba't ibang mga tungkulin - ang sagisag ng makabuluhang sosyo-pilosopiko at mga ideya sa relihiyon, pagpapatuloy ng mga di malilimutang kaganapan at pangunahing personalidad, propaganda at pagpapasikat ng makabuluhan panlipunang mithiin(dekorasyon ng eskultura ng sinaunang arkitektura ng relihiyon ng Egypt, Byzantine mosaic at Gothic stained glass windows, mga fresco ni Raphael at Michelangelo na "David", monumento sa Minin at Pozharsky I.P. Martos, mga gawa ng Mexican monumentalists noong ika-20 siglo, atbp.). Ang mga tungkuling ito ng M. at. paunang matukoy ang malakihang katangian ng mga anyo nito, ang kanilang kahalagahan, mataas na nilalaman ng ideolohiya at kayamanan, na nagbibigay ng produkto. M. at. espesyal na kalidad ng aesthetic - monumentalidad. Kapag nasa production M. at. ang mga katangian ng dekorasyon at suporta ng compositional at nakabubuo na mga ritmo ng arkitektura ay pinahusay, pagkatapos ito ay tinatawag na monumental-decorative (dekorasyon, dekorasyon, atbp.). Mga lugar na nakalaan para sa produksyon. M. at. ay madalas na nauugnay sa isang tiyak na kultural at makasaysayang tradisyon, na partikular na nagpapakilala sa kanila sa isipan ng kanilang mga kontemporaryo. Sa produksyon M. at., na idinisenyo upang tumagal ng maraming siglo, kadalasang gumagamit ng matibay na materyales, na nagbibigay din sa kanila ng epekto ng kahanga-hanga at kahalagahan. Sa mga porma ni M. at. Ang mga tekstong nagpapaliwanag ng mga kumplikadong alegoriko at simbolikong larawan (Alegorya, Simbolo) ay maaaring makipag-ugnayan. Binuo para tumagal, ginawa ni M. at. sa pagbabago ng iba't ibang mga panahon, mga tao at mga ideolohiya, sila ay madalas na nawasak o bahagyang muling itinayo (na may kapalit ng dating kahulugan). Ang espesyal na kahalagahan ng M. at. sa mga makauring lipunan ay natutukoy sa pamamagitan ng pagnanais na igiit ang kadakilaan at kawalang-bisa ng kapangyarihan ng estado at pinakamataas na kapangyarihan. M. at. nakakakuha mahalaga sa panahon ng panlipunang pagsulong, plastik na pagpapahayag ng mga adhikain ng masa. Sa sosyalistang lipunan, bilang sagisag at pag-unlad ng mga ideya ni Lenin, na binuo noong 1918 sa mga tuntunin ng monumental na propaganda, M. at. ay aktibong ginagamit bilang isang paraan ng aesthetic na organisasyon ng kapaligiran, ideolohikal, makabayan at aesthetic na edukasyon ng mga tao.